leolo

Adieu, Leolo, adieu.

2011-07-06T11:41:00.003+02:00

Atrás quedan tres años de mucha ilusión y amor por el cine, 382 entradas, que fueron de Hawks a Ophüls, de John Ford a Wong Kar-wai, de Billy Wilder a Woody Allen, de Nicholas Ray a Paul Schrader, siempre escribiendo sobre cine y películas que me dejaron huella, porque es inútil perder el tiempo con el mal cine. Y es el tiempo, o mejor su falta, debido a otras ocupaciones en las que me encuentro enfrascado, el motivo por el que Leolo acaba su periplo bloguero. El soñador Lozone se nos ha hecho mayor y uno ya no puede dedicarle lo que Leolo necesita. Así que, hoy echamos el cierre, no sé si provisional o definitivo. Sólamente me queda agradecer a todas y todos los que habéis compartido conmigo este lugar de cine. ¡¡GRACIAS!!

Seguiremos viendo películas y creyendo que el cine es algo más que un pasatiempo.
Porque soñamos, no somos como ellos.
Adiós.

El amor en Innisfree.

2011-06-09T13:10:00.004+02:00

Maureen O'Hara: ¡Es un sinvergüenza! ¡Quién se ha creido que es para besarme así!
John Wayne: Vaya, sabe hablar.
Maureen O'Hara: ¡Solo que hablo cuando quiero! ¡Le drá algo más que conversación si da un paso hacia mí!
John Wayne: Tranquila, sacude muy fuerte.
Maureen O'Hara: Supongo que lo superará.
John Wayne: Hay cosas que un hombre no supera fácilmente.
Maureen O'Hara: ¿Qué, por ejemplo?
John Wayne: La aparición de una chica que avanza a través de los campos con el sol en sus cabellos, o arrodillada en una iglesia con el rostro de santa.

La música del azar: Alela Diane.

2011-06-04T17:47:00.003+02:00

Con su tercer disco recién publicado, la californiana Alela Diane se confirma como una de las voces más interesantes del nuevo folk norteamericano. Alérgica a cualquier tipo de electrificación, la cantautora desgrana historias intimistas basadas en sus propias relaciones o en su familia. Su preciosa voz, arropada por sutiles arreglos acústicos, sobrevuela un universo de emociones contenidas, en el que se van sumando, canción a canción, banjos, pedal steel, dobros, mandolinas, o algún violín.

Alela Diane. Menos es más.

The Last Picture.

2011-05-31T10:58:00.012+02:00

(fotos tomadas de el blog de filmin)

Tú y yo y todos los demás (Miranda July, 2005)

2011-05-28T19:27:00.006+02:00

Película revelación en Sundance hace unos años (Gran Premio especial del Jurado), se trata de una obra muy original que desde los parámetros del más libérrimo espíritu indie se adentra en los terrenos de la trillada comedia romántica con una mirada extravagante y muy personal.

Miranda July, su polifacética autora -escribe, dirige y protagoniza- es una videoartista y performer, que también ha producido programas radiofónicos, publica relatos breves y ha dirigido videos musicales. Sus cortometrajes e instalaciones sonoras se han proyectado en los espacios más importantes, entre ellos, el Guggenheim Museum, el MOMA de Nueva York y el Institute of Contemporary Arts de Londres.

Christine (la propia July) es una aspirante a artista multimedia que se gana la vida haciendo de taxista y acompañante de personas mayores. Richard (John Hawkwes, un actor que estaba excelente en la reciente Winter's Bones) trabaja de dependiente en una tienda de zapatos, es un recién divorciado padre de dos hijos de peculiares comportamientos: el pequeño Robby vive un tórrido affaire a través de internet y el mayor se convierte, sin proponérselo, en conejillo de indias sexual de unas vecinitas salidísimas.

Sobre el fondo de un Los Angeles aséptico y desangelado, con sus bloques de apartamentos apiñados como cajas de zapatos y sus calles solitarias,las imágenes de Miranda July nos desvelan con soterrado sentido del humor y ternura hacia sus personajes, los sueños, anhelos e insatisfacciones en una pequeña comunidad. el resultado es una comedia extraña, marciana, en la onda de Punch Drunk Love de Paul-Thomas Anderson. Personajes ensimismados, frágiles, presos de un autismo emocional propio de un Kaurismaki trasladado a la soleada California. Está el film de July traspasado por una pátina de dulce melancolía, en un mundo en el que la alienación y el aislamiento dificultan las relaciones entre las personas.

Al final, la única salida está en aceptarse a uno mismo en su propia individualidad, con su particular extrañeza, sí, somos raros, lo sabemos y lo aceptamos. Pero, es que este mundo ¡es tan extraño!. Y Tú y yo y todos los demás asume su condición de rareza, se acepta distinta y torpe también, a la hora de romper el hielo de la incomunicación ante su posible espectador. Los tiempos de Antonioni quedaron atrás. Todos somos un poco freakies.

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El crepúsculo de los dioses (II): U.S.A.

2011-05-25T13:01:00.011+02:00

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(fotos tomadas de el blog de filmin)

El crepúsculo de los dioses I

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La mujer pantera (Jacques Tourneur, 1942).

2011-05-23T20:01:00.006+02:00

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En 1942, en plena Guerra Mundial, la RKO buscaba la manera da hacer frente a las películas de terror de la Universal (Drácula, Frankenstein, El hombre lobo, La momia...) que tanto éxito estaban cosechando. Para ello se contactó con Val Lewton, un productor de origen ucraniano, al que el estudio impuso para su primer proyecto un título. Nada más que eso. La película se debería llamar La mujer pantera. Lewton pensó, para dirigirla, en Jacques Tourneur, un director novel con el que había trabajado en Historia de dos ciudades . Los dos, junto al guionista De Witt Bodeen escribieron una misteriosa historia sobre una mujer de origen serbio afectada por una leyenda ancestral. El film sirvió como modelo para la serie de películas de terror producidas por la RKO después de ella. Decía Lewton al respecto: "Nuestra fórmula es bien sencilla: Una historia de amor, tres escenas de terror, más sugerido que mostrado, y una solo de auténtica violencia. Fundido en negro. Todo ello en menos de 70 minutos." La mujer pantera es eso, y mucho más. Tiene de Lewton, la concepción del terror como una inquietud, algo más psicológico que físico, y de Tourneur la idea de introducir la historia en un entorno reconocible y cotidiano. En contraposición al cine de terror de la Universal, aquí no aparecen monstruos o seres malignos, es lo fantástico lo que irrumpe en lo cotidiano da manera natural. Es un cine de la sugerencia, de la ambigüedad.

En un zoológico, Oliver (Kent Smith) conoce a Irena (Simone Simon), una mujer serbia que trabaja en Nueva York como diseñadora de modas. Se enamoran y se casan. En la noche de bodas, Irena se niega a hacer el amor con el marido y se encierra en la habitación. A partir de este inicio, Tourneur teje una historia repleta de ambigüedades, de distintas interpretaciones, acudiendo a las elipsis, la utilización de la luz y las sombras, la omisión de la figura física de la pantera para hacerla más amenazante, y el sonido como elemento crucial en la acción. El director, en los apenas 70 minutos correspondientes, se muestra como el perfecto artesano, capaz de hacer suyos los argumentos más descabellados y dotarlos de aliento poético. A ello contribuye la labor de Nicholas Musuraca en la dirección de fotografía, un operador que volvería a hacer maravillas con las luces, las sombras, los claroscuros, en otro film de Tourneur, Retorno al pasado, una obra maestra del cine negro.
Como ejemplo de la forma de actuar de Lewton y Tourneur, tomemos la escena en la que Alice (Jane Randolph), la rival de Irena por las atenciones que presta a su marido se siente amenazada en una piscina subterránea por algo misterioso e incorpóreo y permanece en el agua, presa del pánico, incapaz de salir. El terror se sugiere a través de la utilización del sonido, de los contraluces reflejándose en las paredes de la piscina, las sombras inquietantes que podrían ser solo producto de una mujer asustada. Poco antes, en otra secuencia, vemos a Alice caminando sola, de noche por una calle junto a Central Park. La mancha de luz de cada farola se convierte en un oasis de seguridad para ella, rodeada de amenazantes oscuridades. Sus vacilantes pasos se acompañan de sonidos que podrían proceder de los pasos de un gran felino, pero que parecen surgir de las ramas mecidas por el viento.

La mujer pantera fue concebida como unproducto de serie B con unpresupuesto que daba para pocas alegrías.Tourneur era un cineasta capaz de moverse con solvencia en estas circunstancias y aprovecharlas en beneficio artístico del film. A los directivos de la RKO no les gustó cuando vieron la copia de la película finalizada. Tentados estuvieron de dejarla para el fin de los días en un estante del estudio pero había que rellenar huecos, y para su asombro, la película fue un éxito. Costó unos 134.000 dólares y recaudó más de 4 millones. Es por ello que el tándem Lewton-Tourneur podría rodar después Yo anduve con un zombie y The Leopard Man.

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El manantial (King Vidor, 1949)

2011-05-18T11:29:00.009+02:00

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En 1948 King Vidor comienza a filmar la primera de las 3 películas que rodaría consecutivamente para la Warner Bros. Basada en una novela de Ayn Rand que se inspiró en la vida y obra de Frank Lloyd Wright, uno de los grandes precursores de la arquitectura moderna.

Gary Cooper encarna a un arquitecto que lucha contra viento y marea por sus ideales estéticos y morales rechazando modas y sin buscar el éxito a cualquer precio como sus colegas. Frente al academicismo imperante aclamado por la masas, él apuesta por una arquitectura moderna y original. Por ello será capaz de rechazar encargos, de trabajar como peón en una cantera, de renunciar a la mujer que ama, e incluso, de volar un edificio suyo en el que se han llevado a cabo cambios que él mismo ha desautorizado.

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Kent Smith: Odio verte reducido a esto, ¿recuerdas cómo empezamos? míranos ahora ¿no has soportado lo suficiente?
Gary Cooper: ¿Por qué has venido?
Kent Smith: Porque somos viejos amigos y odio verte vencido.
Gary Cooper: No lo estoy.
Kent Smith: De nada te sirve fingir ahora, hace un año que no tienes clientes.
Gary Cooper: Te equivocas, hace año y medio.
Kent Smith: Te quedarán unos 200 dólares, y es el final.
Gary Cooper: Me quedan 14 dólares y 57 centavos.
Kent Smith: ¿Y esas cuentas? ¿Son de la luz sin pagar?
Gary Cooper: Un aviso de desconexión, y en el cajón hay otro aviso de desalojo.
Kent Smith: ¿Qué harás?
Gary Cooper: Eso es asunto mío, no tuyo.
Kent Smith: No protestes, Howard. Toma. Me lo puedes devolver cuando quieras. Lo necesitas.
Gary Cooper: Gracias Peter, no lo necesito.
Kent Smith: Pero quiero ayudarte.
Gary Cooper: Yo no doy ni pido ayuda.
Kent Smith: ¿Por qué no la dejas?
Gary Cooper: ¿Qué?
Kent Smith: La postura. O los ideales, si quieres. No puedes estar solo. Ríndete. Aprende a llevarte bien con la gente. Diseña el tipo de edificios que todos diseñan y gustan a la mayoria. Serás rico, y famoso. Serás admirado. Serás uno de nosotros.

Patricia Neal: Roark, eres lo que siempre he querido. Y por eso esperaba no conocer a nadie como tú. Y ahora prefiero no hacerlo para no verte destruido por un mundo contra el que no podrás.
Gary Cooper: ¿Por qué tienes miedo?
Patricia Neal: Sé lo que te harán. Eres el genio que hizo la Casa Enright, pero trabajabas como un reo en una cantera.
Gary Cooper: Lo decidí yo.
Patricia Neal: ¿Por qué?
Gary Cooper: ¿No sabes por qué?
Patricia Neal: Sí, porque no transiges. Pero te aplastarán. Solo podrás esperar una cantera.
Gary Cooper: Salí de la cantera.
Patricia Neal: ¿Sí? ¿Crees que la Casa Enright es el comienzo? Es la sentencia de muerte. ¿Tienes algún otro cliente?
Gary Cooper: No.
Patricia Neal: No lo tendrás. Te odian por por la grandeza de tu logro, te odian por tu integridad, porque saben que no pueden corromperte ni comprarte. No te dejarán sobrevivir, Roark, te destruirán.

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Robert Douglas: Hola, Señor Roark, esperaba encontrarlo así algún día, solo. ¿Le importaría hablar conmigo?
Gary Cooper: ¿Sobre qué?
Robert Douglas: Ahí hay un edificio que debió haber sido suyo. Le niegan todos los edificios y se los dan a esos estúpidos. Recorre las calles mientras ellos hacen los trabajos que usted ama. Esta ciudad está cerrada para usted. Y yo fui el que lo hizo ¿no quiere saber el motivo?
Gary Cooper: No.
Robert Douglas: Estoy luchando contra usted y lo haré de todas las maneras posibles.
Gary Cooper: Es libre de hacer lo que quiera.
Robert Douglas: Señor Roark, estamos a solas ¿por qué no me dice lo que piensa de mí?
Gary Cooper: Yo no pienso en usted.

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Incendies (Denis Villeneuve, 2010).

2011-05-15T18:28:00.006+02:00

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Tras su muerte, Nawal Marwan (Lubna Azabal) deja establecida en su testamento como última voluntad que sus dos hijos, los gemelos Jeanne (Mèlissa Désormeaux-Poulin) y Simon (Maxim Gaudette) busquen al padre que creían muerto y a su otro hermano, del que desconocían su existencia, y les entreguen una carta a cada uno escrita por ella. Jeanne asume la responsabilidad del encargo de su madre y viaja al Oriente medio siguiendo el rastro de su padre, mientras Simon se siente confundido y se desentiende en un principio.
Este es el argumento con que se inicia Incendies, la cuarta película del hasta ahora desconocido realizador canadiense Denis Villeneuve, adaptación libre de la obra de teatro homónima del autor libanés Wadji Mouawad.

Estamos ante un drama familiar de enorme calado dramático cuyo contenido se pasea por las consecuencias de las masacres perpetradas en el Oriente Medio -la película nos traslada a un inconcreto país en los años 60-70- en una época en la que los efectos de las divisiones religiosas y de carácter nacionalista resultaron devastadoras.
El viaje de los 2 hermanos desde el francófono Quebec canadiense hasta la patria materna que es el lugar en el que nacieron, es un itinerario hacia el descubrimiento del horror. La sucesión de pesquisas y acontecimientos crean una conseguida intriga que atrapa. Desde el Norte que representa el Primer Mundo hasta el Sur, el retorno a las raíces representado por el tempestuoso laberinto geopolítico que era -y lo sigue siendo hoy en día- el Oriente Medio en los años 70. Allí comprenderán que las consecuencias de los crímenes son universales y no caducan con el paso del tiempo, y que su particular via crucis es el doloroso precio a pagar para conocer quién era realmente su madre, la mujer que canta, y quienes son ellos y de dónde vienen.

Incendies se estructura a través de la citada investigación sobre la que se introducen saltos temporales para contar en paralelo la historia de Nawal, la madre. Siempre hay un eco entre las 2 líneas narrativas y una continuidad dramática muy bien elaborada por Villeneuve, que consigue que el espectador nunca sepa más de lo que los gemelos van descubriendo. Al igual que los protagonistas, quien vea Incendies, debe realizar una labor de reconstrucción y estar atento a las pistas que el director canadiense va esparciendo sobre la pantalla, y rellenar los huecos que nos dejan las elegantes elipsis sobre la vida de Nawal, que no disminuyen el espanto de las atrocidades cometidas, al sugerirlas y dejar que sea el espectador el que los construya.
El contenido de Incendies, contado como un esquemático resumen argumental, podría dar para un desaforado melodrama.. Villeneuve camina en este sentido, al filo de la navaja, como un experimentado equilibrista, sin dejarse llevar en ningún momento por la tentación de caer en la pornografía emocional, y es aquí donde la película gana enteros y se eleva sobre sus posibles limitaciones.
Denis Villeneuve utiliza esos recursos dramáticos con una planificación en la que los personajes, los seres humanos, siempre forman parte de un contexto, que va del plano general en el que se insertan, hasta las historias cotidianas que juntas, acaban formando la Historia en mayúsculas. Y el director canadiense es capaz de filmar momentos estremecedores, imágenes potentes que se quedan en nuestras retinas durante mucho tiempo.. Estoy pensando por ejemplo, en el inicio de la película con esas miradas duras como la piedra, de los niños mientras son rapados y suena de fondo el You and Who's Army? de Radiohead. O la secuencia del ataque y el incendio del autobús en un espacio desértico, el horror en seco y sin ambages. O ese instante en el que Simon le dice a Jeanne en su habitación de hotel que 1 + 1 pueden ser 1, y con el sollozo de ella comprendemos que las cosas no son como parecen.
Esta historia de héroes que no lo aparentan y asumen la fatalidad de su destino acaba con la certeza de que no se corta el hilo de la ira sin abrir antes la puerta del perdón.
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Miradas: Retratos de Denis Rouvre.

2011-05-06T17:34:00.011+02:00

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Vincent Cassel

Denis Rouvre web

Alain Delon

Tim Burton

Morgan Freeman

Michael Moore

Emir Kusturica

Mathieu Amalric

Kirsten Dunst

Wim Wenders

Tom Hanks

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Walter Brennan, el eterno gruñón.

2011-05-02T20:08:00.005+02:00

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“Un tipo de producción me habló de él. Le dije que lo trajera, pero que le diera algunas frases para ver qué tal las decía. Así que cuando apareció le pregunté si le habían dado las frases. Él respondió: “¿Quiere que se las lea?”, “Sí, claro”, dije yo. Y dijo: “¿Con o sin?” Yo dije “¿Con o sin qué?” Dijo “Dientes”. Y yo afirmé que quedaba contratado. No tuvo que leer las frases”

(Howard Hawks)

Dicen de Walter Brennan que dividía su carrera en dos bloques: aquellas películas en las que actuaba con la dentadura postiza, y el resto, en las que no tenía dientes.

Había nacido en Swampscott (Massachussets) el 25 de jullio de 1894. Ya de niño, mostró interés por la actuación, apareciendo en obras escolares. Al acabar sus estudios, participa en espectáculos de vodevil mientras se gana la vida en trabajos de lo más diverso. Antes de ser llamado a filas para combatir en la 1ª Guerra Mundial, ya ha recorrido gran parte del país con pequeñas compañías musicales. Al acabar la guerra se instala en Guatemala donde cultiva piñas para exportarlas a Estados Unidos. Pronto regresa a su país para establecerse en Los Angeles. Allí se dedica al negocio inmibiliario con singular fortuna, pero una repentina crisis del sector le arruina, y es ahí cuando Walter recurre a su antigua vocación, aceptando trabajos de doble y extra para poder subsistir. Era 1923, y dos años después conseguía su primer papel cinematográfico.

En 1932 pierde los dientes en un accidente. este hecho, además de sus prematuras arrugas y pelo cano, le daban un aspecto mucho más mayor del que correspondía a su edad. a lo largo de 4 décadas de prolífica trayectoria, paseó su figura encogida y su rostro común por todos los géneros del cine norteamericano, encarnando muchas veces a personajes entrañables, sin blanca, leales al protagonista masculino. La Academia de Hollywood le premió en 3 ocasiones como mejor actor secundario en el corto lapso de cuatro años: por Rivales (William Wyler, 1936), Kentucky (David Butler, 1938) y El forastero (William Wyler, 1940). Además fue nominado por El sargento York (Howard Hawks, 1945).

La ciudad sin ley fue la primera de las 6 películas que haría a las órdenes de Hawks. Un año después rueda Tres desalmados (Richard Boleslawsky), uno de sus primeros papeles importantes, un relato del Oeste de raíz bíblica. Tras trabajar en varios westwerns, entre ellos Paso al Noroeste (1940) de King Vidor, le llega la consagración con El forastero (William Wyler, 1940), en la que daba vida con un estilo reposado y solemne, al peculiar juez Roy Bean, al lado de Gary Cooper, con el que había entablado amistad en 1925, cuando ambos se ganaban la vida como extras. Con cooper repetirá en 1941 en Juan Nadie de Frank Capra, en el papel del compañero vagabundo de aquel. Otros títulos importantes en los que participó en esta época son Aguas pantanosas (Jean Renoir, 1941) y Los verdugos también mueren (Fritz Lang, 1943). Inolvidable es su interpretación en Tener y no tener (Howard Hawks, 1944) como el amigo alcohólico de Bogart.
En los westerns, Walter Brennan ofrecerá su cara más recordada, la del alegre y gruñón vaquero, desastrado, sin familia, mascando tabaco y dándole a la botella, siempre al lado del héroe, algo huraño y excéntrico, pero siempre encantador. Imposible olvidar su Stumpy, el viejo cascarrabias de Río Bravo (Howard Hawks, 1959) siempre discutiendo con John Wayne y Dean Martin. Antes, también para Hawks, había realizado otra excelente interpretación en Río Rojo, otra vez al lado de John Wayne. Un papel similar al que haría en 1955 en Tierras lejanas de Anthony Mann, como fiel escudero de James Stewart. Otra memorable actuación suya en un western es la de Camino a la horca (Raoul Walsh, 1951) en la que es un viejo acusado de homicidio que cruza un desierto con su hija y el sheriff que le protege de una horda de linchadores. Fuera ya de esta línea pero también en territorio western, está Pasión de los fuertes (1946), la obra maestra de John Ford. Walter Brennan era aquí el patriarca de los Clanton, un villano que resulta conmovedor en la escena en que contempla el cadáver de su hijo.

En los años 60 trabaja en varias series de TV como The Real McCoys, con la que obtuvo un enorme éxito y en el cine en algunas producciones Disney como El abuelo está loco.

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Operación Pacífico (Blake Edwards, 1959).

2011-04-29T22:47:00.006+02:00

Operación Pacífico es una comedia que comienza de la manera más seria, como si se tratara de un drama bélico. Un submarino va a ser enviado al desguace. El almirante Sherman (Cary Grant) -antiguo capitán del Tiger Sea en los tiempos de la 2ª Guerra Mundial- llega momentos antes de que ocurra. Recorre sus estancias con evidente nostalgia, quiere despedirse del compañero de fatigas que les albergó en aquellos dramáticos momentos de la guerra. Cuando entra en su camarote, encuentra el que fue su diario de a bordo y comienza a leerlo, y de esa manera tan clásica, se introduce el largo flashback que nos lleva a la costa filipina en plena 2ª Guerra Mundial y que es la base de la película hasta la última secuencia en que se vuelve al tiempo inicial, y que funciona como epílogo. Tras un fulgurante ataque de la aviación japonesa. El Tigre del Mar resulta seriamente dañado. El capitán Sherman y sus hombres proponen al mando arreglarlo para poder llegar hasta un astillero en el que será reparado. Tienen dos semanas para conseguirlo. Pero en Operación Pacífico, a pesar de la muy conseguida ambientación y diseño de producción, no asistimos a ninguna hazaña bélica, ni a epopeyas de heroísmo submarino. Tan solo hay una acción de guerra, cuando el Tiger Sea viaja renqueante hacia el astillero y tiene la oportunidad de hundir un destructor japonés, acción que acaba de forma cómica con el lanzamiento involuntario de un torpedo que tras cruzar la playa, desviado de su objetivo real, hace estallar un camión. Habrá otro bombardeo japonés pero esta vez parece menos dramático al introducir Edwards un elemento chocante. Los soldados celebran en cubierta el Año Nuevo con un gran festín que se ve interrumpido por el ataque. Al sumergirse el submarino precipitadamente, toda la comida y la bebida queda barrida por el oleaje que provoca la inmersión, es una idea brillante de puesta en escena.

Operación Pacífico es una comedia que se introduce sutilmente en un realista entorno bélico o tambien un film bélico con elementos de comedia. Hay en ella un interés claro por el contexto en que se desarrolla, por la insistencia en situar geograficamente la historia y en unas fechas determinadas, como ocurre con otra comedia de Edwards también anclada en la 2ª Guerra Mundial, la ácida ¿Qué hiciste en la guerra, papi? (1966). Desde ese bien delimitado entorno realista, Edwards introduce de modo natural, sin forzar, elementos cómicos. Lo absurdo se apodera de lo cotidiano y nace el humor. El film se desliza hacia la comedia desde el momento en el que Holden (Tony Curtis) es nombrado jefe de suministros de la nave. El teniente Holden es un personaje ajeno al estamenro militar. En su primera aparición, todo vestido de blanco, los hombres de Sherman se burlan de él. Pero consigue ganarse la confianza del capitán saltándose todos los reglamentos legales para conseguir lo que necesitan, robando piezas o incluso comida (hilarante la secuencia con el cerdo). Siguiendo con esa intromisión de elementos ajenos, 5 mujeres oficiales se convierten en nuevos e indeseados tripulantes del submarino, generando en la tropa un sinfín de reacciones, que van de lo ingenioso a lo más previsible. Esa irrupción de lo femenino en un universo tan cerrado y normalizado como el de la tripulación de un submarino pone en peligro el status masculino y los espacios reservados a él. Pero la guerra de sexos sólo puede acabar, según Edwards... en matrimonio. En el epílogo lo sabremos.

Algunos momentos a recordar: la secuencia en la que los buques americanos atacan al submarino creyéndolo enemigo, y que se resuelve lanzando la ropa interior femenina como si fuera un torpedo; el momento en el que el submarino, pintado de rosa, regresa a puerto ante las mofas de los marines; las escenas del robo de piezas y material por parte de Holden y sus hombres resueltas con acertadas elipsis; el roce en los estrechos pasillos del submarino entre los hombres y los exuberantes pechos de la teniente Crandall; la ropa interior femenina como útil recurso para reparar desperfectos en la sala de máquinas del submarino.
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La música del azar: Portishead.

2011-04-25T19:15:00.004+02:00

Los dos primeros discos de Portishead son, hoy por hoy, dos clásicos de la música popular, dos obras que han ejercido una enorme influencia en toda la música posterior. Los de Bristol ostentan desde entonces un estatus de grupo de culto pese a la inactividad creativa que vino después.

En su música encontramos una perfecta conjunción de elementos orgánicos y electrónicos, mediante ritmos ralentizados, narcóticos y penetrantes, que parecen estar en permanente estado de ensoñación. En sus envolventes atmósferas, aparecen referencias de cine negro. Sus extrañas melodías suenan siempre impredecibles. Una rara belleza se apodera de las cadencias angustiosas -rotas por cortes rítmicos, scratches, samples- que declama la voz quejumbrosa de Beth Gibbons, como una Billie Holliday de la era de la electrónica. La cantante de Portishead puede sonar pasional y distante a un tiempo, fuego y hielo en el mismo vaso, ahogando quejidos y susurros.

En sus ritmos letárgicos hallamos ecos de Badalamenti y Morricone. sus profundas líneas de bajo nos inundan las entrañas. Geoff Barrow y Adrian Utley utilizan las canciones como puzzles. Crean, recortan, guardan y pegan con la maestría del mejor prestidigitador. Sus partituras de deep hip hop blues, soul, jazz, torch song, dub, electrónica, soundtracks... nos pueden llevar a las más abisales cimas de la desolación o acompañarnos en los días más felices de sol, amor y verano. Portishead, simplemente buena música.

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Pero... quién mató a Liberty Valance?

2011-04-21T17:07:00.002+02:00

El hombre que mató a Liberty Valance (John ford, 1962)

John Wayne: ¡Lavaplatos! ¿A dónde vas?
James Stewart: Vuelvo a casa, Tom. Vuelvo al Este que es a donde pertenezco.
John Wayne: Valance no logró hacerte huir, ¿qué te pasa amigo, es tu conciencia?
James Stewart: ¿Acaso no es una carga matar a un hombre y luego poder construir una vida sobre esa muerte?
John Wayne: Hablas demasiado, piensas demasiado. Además tú no mataste a Liberty Valance.
James Stewart: ¿Qué?
John Wayne: Haz memoria. Valance salió de la cantina. Tú caminaste a su encuentro cuando él disparó el primer tiro.

(Flashback)

James Stewart: Pero Tom... ¡por qué lo hiciste? ¿por qué?
John Wayne: Fue un asesinato a sangre fría, pero a mí no me remuerde la conciencia. Hallie es dichosa, quería que tú vivieras.
James Stewart: Pero tú me salvaste la vida, Tom
John Wayne: Mejor hubiera sido no hacerlo. Ahora Hallie es tu chica. Entra de nuevo ahí y acepta el nombramiento. Tú le enseñaste a leer y a escribir. Ahora dale la ocasión de que tenga sobre qué leer y escribir.

Miradas: Retratos de Nicolas Guerin.

2011-04-18T18:05:00.012+02:00

Tommny Lee Jones

John Malkovich

David Cronenberg

Willem Dafoe

Nick Nolte

Clint Eastwood

Roman Polanski

Emir Kusturica

Gong Li

Zhang Yimou

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Jennifer Lawrence, la chica de rojo.

2011-04-13T18:41:00.006+02:00

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Jennifer es una de esas actrices que de vez en cuando saltan desde el cine indie a la 1ª división del cine hollywoodiense. La chica de Kentucky estaba en la película oportuna en el momento justo y parece ser que se ha situado en la rampa de lanzamiento hacia el estrellato. Winter's Bone esta rodada con convicción y buen pulso narrativo. Su desolador acercamiento a una comunidad rural de una América muy profunda, es un drama seco, como el paisaje humano que retrata, en un lugar que parece la antesala del infierno. A pesar de su descarnado realismo, la película de Debra Granik se desliza por momentos hacia lo fantástico y lo oculto, con la representación de esa sociedad rural, cerrada y endogámica, en la que Ree, el personaje de Jennifer, es la escepción a la regla, un ser no carcomido por el odio, la droga, el resentimiento, la devastación moral... Ella, tenaz hasta el límite, para sacar adelante a su madre y a sus hermanos pequeños, deberá pasar por un siniestro proceso de maduración personal, en el que su fuerza interior, su determinación y valor emocional, vencerán todos los obstáculos.
La actriz, con una actuación contenida, sabe transmitir a su Ree la enorme fortaleza que atesora y nos brinda una de esas interpretaciones que no se olvidan fácilmente.

En su niñez se crió en Kentucky donde sus padres poseían campos y caballos. A los 14 años ya estaba decidida a ser actriz y acude con su madre a Nueva York a presentarse a multitud de castings. Comienzan a llegarle pequeños papeles en series de TV y en 2008 cortas apariciones en films que no salieron del mercado norteamericano. Su primer papel importante antes del boom Winter's Bone es en Lejos de la tierra quemada (Guillermo Arriaga). Allí ya destacaba en su interpretación de Mariana, la hija adolescente de Kim Basinger, y la desencadenante del drama sobre el que se sustenta la película, una roulotte ardiendo enmedio de la nada en un paisaje fronterizo. La cinta sigue la línea de los experimentos narrativos que Guillermo Arriaga como guionista había realizado junto a alejandro González Iñárritu en Amores perros, 21 gramos y Babel.
2010 es el año de su revelación con Winter's Bone, la segunda película de Debra Granik, Gran Premio del Jurado en el Festival de Sundance. Le empiezan a llover las nominaciones y premios. Mientras rueda X-Men First Class, en la que interpreta a una joven mutante Mística, de piel azul y torso desnudo, le llega la nominación a mejor actriz en los Globos de Oro, en competencia con compñeras tan consagradas como Nicole Kidman, Halle Berry y Natalie Portman. La nominación a los Oscars no se hace esperar. Jennifer ni se molesta en preparar su discurso. Como buena actriz que es, ensaya su papel de perdedora, y en la ceremonia, lo ejecuta a la perfección. Eso sí, en la entrada, deslumbra con su traje rojo.

Próximamente la veremos en The Beaver, dirigida por Jodie Foster y dando la réplica a Mel Gibson y a la propia Jodie, y en el thriller futurista The Hunger Game.

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Cuando se estrena poco, tarde y mal (...leído en el blog Cinoscar & Rarities).

2011-04-11T12:10:00.007+02:00

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Una vez más, Xavi Vidal da en el clavo en su blog Cinoscar & Rarities con esta reflexión sobre la distribución de cine en España:

El otro día una amiga me comentó algo que resultó totalmente inspirador. Se quejaba de que el sistema de estrenos en las salas está descompensado. Asegura que no puede ir al cine en enero porque en ese mes tiene exámenes, con lo que se pierde casi todas las películas de la temporada de premios. Sí tiene tiempo de ir al cine en verano, pero cuando el calor aumenta el buen cine se esconde, agacha la cabeza, y mi amiga se queda sin buenas propuestas en cartel. ¿Qué le decimos? Ella comentaba que la temporada de premios, nacional e internacional, debería ser más larga, pero eso no tiene ningún sentido: si se trata de valorar lo mejor de un año, poco valor tienen unos premios que se entregan a mitades del año posterior (eso es lo que hacen en Italia con sus David de Donatello, y quizás por eso a nadie le interesan esos galardones). Con ello los premios perderían todo su atractivo y su función promocional y de referente cultural. Pero sí es verdad que en abril no hay nada que llevarse a la boca, y que los anteriores meses fueron un goteo constante de grandes estrenos. Aunque no todo lo bueno se premia, ni todo lo que se premia es bueno. Por eso simpatizo con mi compañera al ver que las francesas Mademoiselle Chambon, Potiche y El último verano se han estrenado en España la misma semana, todas, en pack. Algo incomprensible. Entre las tres suman 5 nominaciones a los César. ¿No creen que es una indecencia? ¿Qué sucedería si en Francia se estrenaran el mismo viernes También la lluvia, Pa Negre y Balada triste de trompeta, nuestras películas insignia de la temporada? ¿Por qué se han estrenado al unísono Sin límites, Soy el número cuatro, Furia ciega y La legión del águila, las cuatro (¡cuatro!) con un target similar, con una propuesta de acción similar y parejas posibilidades de triunfar en taquilla? Luego se preguntarán por qué todas han cosechado cifras mediocres. Si En un mundo mejor y La vida de los peces lograron una buena entrada en el ranking es porque en su semana sólo se estrenaban dos películas más (la competencia, por lo tanto, era poca). Vaya, que se estrena poco, tarde y mal. Y algunos productores y distribuidores parecen contentos viendo cómo el enemigo está en casa, cómo se tiran piedras a sus mismos tejados. No me extraña que mi amiga opte por las descargas. Será ilegal, pero también lo más sensato mientras nadie ponga orden al tráfico de estrenos.

El otro día leía la reseña de un crítico de cine: 'el problema es que somos muy pocos los que vemos más de 100 películas de estreno al año'. ¡Cuánta razón! El espectador medio va al cine y visiona lo que le echen. Si la mayoría de los mortales va a ver una película en concreto o decide qué ver delante mismo de la taquilla, ¿cómo podemos pedir a ese conjunto que se rebele contra esta sinrazón de estrenos? Quienes deciden lo que estrena no sólo no tienen en cuenta el factor artístico, ya que también fracasan en lo económico. Eso explica, aunque sólo sea en parte, la siempre irregular situación del cine español. Si somos un país pequeño, si sabemos lo que se está rodando, se ha rodado y se rodará, ¿por qué no diseñar un calendario de estrenos coherente (en la medida de lo posible), de forma que nadie compita contra nadie y que el público fiel a nuestro cine (que lo hay, aunque a muchos les pese o digan lo contrario) tenga motivos para asistir a las salas de forma constante pero sin 'overbookings'? Quien sea, no sé si los señores de la Academia o los de las productoras/distribuidoras (o aún mejor: todos juntos), deberían por una parte respetar el público y por otra organizar estrenos que no sean ni técnicos ni suicidos bancarios. Eso es lo que hacen las televisiones generalistas al diseñar sus parrillas, ¿no? ¿Cómo se quiere aspirar a que ¿Para qué sirve un oso? sea un éxito de taquilla si el seguidor de las comedias nacionales se ha quedado sin blanca y contento tras Torrente 4? Lo peor de todo es que las cifras de ¿Para qué sirve un oso? no son ni muy buenas ni muy malas (algo más de 400 mil euros de recaudación en 3 días). Hasta el más ciego es capaz de percatarse que, más que malas o buenas cintas, hay mejores y peores semanas para estrenar una película. Lo mismo explica que Mademoiselle Chambon y El último verano hayan recaudado lo mismo con un número de copias idéntico y los mismos días en cartel.

Nueva noticia para la reflexión: los Cines Alexandra Kaplan de Barcelona, fieles a la versión original, cierran sus puertas. Son malos tiempos para el cine en general y el subtitulado en especial. Aunque no viva en una capital de provincia de las dimensiones de Barcelona (y por lo tanto, con su oferta cultural), sólo hace falta seguir la rutina de estrenos y los datos de taquilla para darse cuenta de que hay películas que sólo deberían lanzarse con pocas copias y en centros urbanos determinados. Y aquí es el propio bloggero el que se está hiriendo de muerte a sí mismo. Pero inspira lástima, por no decir ternura, el responsable del cineclub de turno que intenta levantar un proyecto para defender el buen cine y luego no consigue que las cuentas cuadren. ¡Ah! Y muchos programadores de esos cineclubs no pueden acceder a determinadas copias de determinadas películas porque las distribuidoras, enemistadas entre ellas, no quieren que una película esté al mismo tiempo en las salas comerciales y en los cineclubs minoritarios. Por lo tanto, cuando el esforzado organizador ha conseguido los rollos de la película deseada, su audiencia potencial ya se ha descargado la película. Y ojo: si la ha descargado con buena calidad es porque esas películas llegaron ya con sumo retraso en las salas ordinarias, y entonces resulta muy fácil mezclar imágenes de dvds de otros países con subtítulos caseros o audio en español (este sí, registrado a escondidas en el cine). La crisis del cine, pues, además de externa, es interna: el cinéfilo se siente desamparado, y el mero visionador de películas también. La burocracia nos aplasta, como al protagonista de Buried. Un dato para acabar: respecto 2000, en 2010 se estrenaron un 10% menos de películas. Ya adivinarán qué cintas son las que no han llegado a España, de las que se ha decidido prescindir sin consultar a nadie. Lo dicho: poco, tarde y mal. Y aún irá a peor. . . .

Xavi Vidal

La música del azar: Calexico.

2011-04-07T18:56:00.004+02:00

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Hace ya 14 años del estreno discográfico de la banda de Joey Burns (voz, bajo, guitarras) y John Convertino (batería). Surgieron como un experimento paralelo sin demasiada continuidad de la sección rítmica del grupo Giant Sand, y con el tiempo se han ido consolidando como un grupo de referencia en el diálogo entre el rock alternativo y la música americana de raíces. En su incansable búsqueda de nuevas texturas musicales, la tradición fronteriza se da la mano con el uso vanguardista de los sonidos. La frontera y el desierto de Arizona son los inspiradores visuales de un ejercicio musical mutante en el que tienen cabida, el mariachi mejicano, el neocountry, toques morriconianos, paisajismo instrumental, jazz cinematográfico, rock desértico y desolado, guiños al spaguetti western, lounge music... Todos los ingredientes combinados con la sabiduría y pericia de los dos músicos de Tucson (Arizona).

Una música muy visual con la que soñar películas imaginadas, polvorientas road movies con secundarios mejicanos y antihéroes cansados. Música paisajista con guitarras que suenan a desierto, canciones en las que puede aparecer una marimba, unas congas, una batería de escobillas, unos violines o una trompetas, canciones instrumentales o cantadas por la voz seca de Joey Burns y con algún que otro invitado/a como Amparo Sánchez (ex Amparanoia).

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Programa doble: Afganistán Siglo XXI. Osama (Siddik Barmak, 2003) / Kandahar (Mohsen Makhmalbaf, 2001).

2011-04-03T12:07:00.007+02:00

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Hablar del cine de Afganistán, es referirse a algo que no existe, a un gran milagro en un país en ruinas. y si un cineasta de esa nacionalidad saca una película adelante, con todas las dificultades y más, ¿de qué va a hablar? Pues del la aterradora realidad de las gentes de sus compatriotas, de su tortuoso día a día. Osama es un estremecedor documento de las durísimas condiciones de vida bajo el régimen talibán. La historia de la niña que se hace pasar por chico para poder trabajar y sacar adelante una familia en la que todo son mujeres porque los hombres han muerto en las continuas guerras que asolan Afganistán en su historia reciente, simboliza el dolor de un pueblo, de todos aquellos que habían perdido sus derechos y su identidad. Osama es un hecho escepcional. Los talibanes acabaron con lo poco que de industria cinematográfica existiera en el país. La película la financió una compañía japonesa (?) y el Estado pagó la reparación de la única cámara de 35 mm. que en ese momento existía en Afganistán. A la niña protagonista -enorme la capacidad expresiva de su rostro- la conoció el director cenando en un restaurante de Kabul cuando le pedía limosna, y quedó cautivado por sus ojos. No sabía leer ni escribir. El resto del casting también eran no-actores, gente de la calle haciendo casi de sí mismos, incluso los talibanes que aparecen en la película son reales. Siddik Barmak postula la reconciliación como única salida para su país, el odio solo produce violencia. Por eso la película comienza con una cita de Mandela que dice: "Perdona, pero no olvides."

Si Osama es como una película de terror, Kandahar parece ciencia-ficción cuando desde el realismo más descarnado se llega a momentos de absoluta surrealidad (esas piernas ortopédicas cayendo en paracaíadas sobre el desierto). Aquí el protagonismo recae en una mujer afgana que vive en Canadá y que regresa a su país en busca de su hermana, inválida por la mutilación que le causó una mina y de la que ha recibido una carta anunciándole que no soporta más la situación y se suicidará antes del eclipse de sol que precedió a la llegada del siglo XXI. La película sigue el aterrador y enloquecido intento, cual viaje al corazón de las tinieblas, de viaje a Kandahar desde el sur de Afganistán de una mujer atrapada en un burka. Kandahar fue haciéndose a sí misma mientras el clandestino equipo de rodaje iba filmando en condiciones precarias y con el peligro de ser descubiertos. Eso se nota en el resultado final, el film parece avanzar a saltos, funciona sin hilazón, aparece una voz en off bastante inoportuna de la protagonista que pretende sin conseguirlo unificar el relato. El fondo, el mensaje, prima sobre la forma. Los personajes se trabajaban sobre la marcha, atendiendo a las complicadas vicisitudes del proceso de rodaje. Otro ejemplo de cine hecho a la contra. Mohsen Makhmalbaf, cuya productora también participó en la financiación de Osama, reivindica algo tan común en nuestro mundo occidental como el derecho a la propia imagen. En una secuencia visualmente muy bella, la del cartel, aparecen un grupo numeroso de mujeres caminando por el desierto dirigiéndose a una boda. Como no pueden mostrarse a los demás, con la variedad y viveza en los colores de los burkas, quieren demostrar que existen y que cada una es diferente a las demás. . .

El cine que viene. 15 posters de películas a estrenar.

2011-03-30T18:00:00.018+02:00

Tokyo Blues / Norwegian Wood (Tran Ahn Hung)

The Grandmasters (Wong Kar-wai)

A Woman, a Gun and a Noodle Shop (Zhang Yimou)

I Wish (Hirokazu Kore-eda)

Win Win (Tom McCarthy)

Tree of Life (Terrence Malick)

Midnigth in Paris (Woody Allen)

The Future (Miranda July)

Restless (Gus Van Sant)

Les Petits Mouchoirs (Guillaume Canet)

Shame (Steve McQueen)

Another Year (Mike Leigh)

Wuthering Heights (Andrea Arnold)

Habemus Papam (Nanni Moretti)

The Impossible (Juan Antonio Bayona)

La bella mentirosa (Jacques Rivette, 1991)

2011-03-26T20:31:00.004+01:00

Adaptación muy libre de la novela La obra maestra desconocida, Jacques Rivette filma en La bella mentirosa el trabajo de un pintor empeñado en capturar la verdad y esencia de sus modelos, y al mismo tiempo, las consecuencias emocionales que dicho proceso creativo provoca en todos aquellos que están relacionados con su gestación. La pintura, y más en general el arte, como medio de conocimiento para llegar a una verdad absoluta, que puede ser destructiva para el sujeto objeto de la misma y que puede tener efectos devastadores en los demás. ¿El arte o la vida?

La trama se concentra durante 4 días de verano en una vieja casa-castillo del sureste francés. Allí viven Liz (Jane Birkin) y el pintor Frenhofer (Michel Piccoli). Éste ha preferido la vida al arte para salvar su matrimonio con la que fue su antigua modelo. Un día aparecen en la casa una joven pareja, Nicolas (David Bursztein) un prometedor pintor y su novia Marianne (Emmanuelle Béart). De esa visita acaba surgiendo la propuesta de Nicolas, ferviente admirador suyo, al anfitrión, de continuar con Marianne como modelo, un cuadro llamado La bella mentirosa, que abandonó hace años siendo Liz su musa, intentando protegerla y protegerse de esa cruenta verdad que iba a quedar expuesta al terminar la obra. Hay algo de fáustico y también de misógino en este acuerdo. Entregar a la amante al admirado pintor a cambio de poder ver en primer lugar esa presunta obra maestra. Todo esto viene a ser como un prólogo que antecede a lo que vendrá después, el proceso creativo visto como un silencioso combate frente al lienzo entre la actitud depredadora y vampírica del artista y el movimiento huidizo del cuerpo desnudo de la modelo, a la defensiva al principio, resistiéndose a ser poco más que un objeto a exprimir. Mientras la obra va tomando forma, la película discurre con la fluidez de un calmoso río a cuyas aguas van llegando otras subtramas: los celos, el lado posesivo y destructor del arte, la frustración del creador ante la obra que se le resiste, la modelo convertida en "una cosa fría y seca", la relación pintor-modelo. Y siempre de fondo, el gran motivo del film, el dilema que se le presenta al artista entre la imperfección de la vida o la perfección de la obra. Todo esto que podría sonar abstracto y derivar en una película discursiva, lo filma Rivette con la elegancia y transparencia de un maestro. Asistimos a un luminoso documento sobre el oficio y el arte de pintar. Conforme avanza, La bella mentirosa va convirtiéndose en una película eminentemente física. La fotografía y el sonido transmiten la luz solar del Sur de Francia, el calor del estío, la frialdad de las estancias, el chirrido de la pluma sobre el cuaderno de apuntes, la mezcla de colores, la presión de los pinceles sobre el lienzo, el roce del carboncillo sobre el papel, el cuerpo desnudo de la modelo manipulada por el pintor como un objeto inerte. Como espectadores, sentimos de manera intensa y vívida el proceso de creación de una pintura. Rivette mueve la cámara con púdica levedad al filmar los encuentros dos a dos entre los personajes, sin reducir a éstos a meros arquetipos. Al final, Frenhofer termina su bella mentirosa, pero Rivette, coherente con el misterio que ha creado en torno a la obra, no nos la muestra. Sólo Liz y Marianne tendrán acceso a ella. Entre la vida y el arte, el artista elige la vida y entrega al marchante un sucedáneo de la bella mentirosa. A éste solo le interesa el precio del cuadro y el negocio que le supone. En el epílogo en el jardín, con todos los personajes, Rivette filma otra vez encuentros dos a dos con sutiles movimientos de cámara que nos dan a entender que esas relaciones se han transformado y nunca volverán a ser lo que fueron.

La bella mentirosa se ofrece en dos versiones, una integral de casi 4 horas de duración y otra reducida a las dos horas del cine habitual., pero ambas van dirigidas a aquel espectador/a para el que el cine es algo más que un espectáculo, una forma de conocimiento. Abstenerse aquellos que buscan en la pantalla la rápida diversión y digestión del fast food cinematográfico.

Miradas: Robert Lebeck.

2011-03-22T18:01:00.009+01:00

Más fotos de Robert Lebeck aquí

Nelly y el Sr. Arnaud (Claude Sautet, 1995).

2011-03-17T09:42:00.004+01:00

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Nelly (Emmanuelle Béart) es una parisina de 25 años que simultanea varios trabajos, casada con Jerome (Charles Berling), un parado apático que ocupa su tiempo tirado en la cama viendo televisión. Ella, un día conoce al Sr. Arnaud (Michel Serrault), viejo amigo de su amiga Jacqueline (Claire Nadeau). Hablando en un café, le cuenta sus problemas económicos, e inmediatamente Arnaud se ofrece a prestarle el dinero necesario sin ningún compromiso de devolución. En principio Nelly declina la oferta, pero cuando llega a su casa miente a su marido diciéndole que ha aceptado la ayuda. Esta súbita e incierta decisión la llevará a romper su matrimonio. Y con él, su vida anterior. Nelly acaba aceptando el ofrecimiento de Arnaud y, en agradecimiento se ofrece a transcribir sus memorias.

Como ocurría en su film anterior, Un corazón en invierno (1991) también protagonizado por Emmanuelle Béart, Claude Sautet da muestras de poseer una gran lucidez para radiografiar la realidad última de unos personajes pillados en un momento de incertidumbre. La película aborda una relación entre una mujer joven y un hombre en el umbral de la vejez, unidos por un sentimiento común de fracaso existencial. Nelly parece fuerte y decidida, pero en el fondo está muy necesitada de los demás. El personaje de Arnaud tiene miedo de sí mismo, de no poder sublimar su amor por Nelly. Sautet nos habla de la dificultad de mantener con plenitud las relaciones sentimentales, sean sentimientos amorosos o de amistad. Resulta difícil encontrar el equilibrio interior. Nelly se siente atrapada entre el cariño que siente aún hacia se ex marido, en la figura del atractivo editor Vincent (Jean-Hugues Anglade) y la envolvente personalidad del juez retirado. Hay una bella secuencia muy significativa. Aquella en la que Nelly y Arnaud cenan en un restaurante de lujo (con más personas de servicio que clientela, por eso es tan caro, ironiza Arnaud). Es un momento importante porque parece que por primera vez los dos bajan sus defensas y se muestran como son. Comen, beben, distendidamente. Hablan y lo pasan bien. Pero ella luego acude a casa de Vincent, el editor, y hacen el amor por primera vez. Mientras, en montaje paralelo, vemos a Arnaud, solo en la cocina de su casa, tomando un vaso de leche sin poder dormir. Es ésta una historia de soledades y también una película sobre la renuncia. Una renuncia fundada en la disparidad de las personas. El sentimiento de ella por él no es el mismo que el de él por ella. Arnaud quiere apoderarse de una imagen que tiene de Nelly, le enamora su belleza inaccesible, pero cuando la tiene delante, se bloquea. Llega un momento en que lo que menos le importa es ver publicado su manuscrito, solo quiere tenerla cerca.. Para ella, Arnaud supone un refugio en un momento de incertidumbre vital. Hay una escena, ya con el film bastante avanzado, sobre la que Sautet parece articular todo el discurso, si es que lo tiene, del film. Es una imágen de una potente carga simbólica en una película que nunca quiere salirse de lo cotidiano. Una gran escena de amor que se reduce al momento en que Arnaud permanece sentado junto a la cama en la que ella duerme, como una presencia casi fantasmal. Ella se gira y le dice que si no puede dormir. Le dice que no se vaya y toma su mano. Significativa es la decisión del ex juez de deshacerse de su valiosa biblioteca, una vez ha aparecido Nelly detrás del ordenador.

En esta incursión por el terreno de los sentimientos soterrados, de las barreras que dificultan la expresión de las emociones, Claude Sautet opta por la auteridad y la concisión visual. Su estilo es un sin-estilo en apariencia sencillo, sin apenas movimientos de cámara, solo aquellos necesarios para seguir a los actores. Una sobriedad en la puesta en escena que busca la transparencia, pero también la complicidad del espectador. No hay subrayados ni explicaciones. Plano y contraplano en todas sus variantes son la figura predominante, de ahí la necesidad del orden preciso de las escenas para conseguir el ritmo que demanda la película. Los finales de cada escena se apoyan en un plano sostenido durante unos segundos que incita a la reflexión del espectador. Nelly y el Sr. Arnaud puede resultar fría e impenetrable para quien no haga el esfuerzo de pasear su mirada sin prisa por los planos del film. Sus imágenes nos hablan de soledades y desgarros, de incomunicación emocional, pero la película discurre apacible y serena, despojada de todo acento melodramático, de cualquier tentación psicologista y de todo lo ornamental que la distraiga. El resultado, es como Nelly, de glacial belleza y cargado de una atractiva tristeza.

Sin trabajo, no soy nada.

2011-03-11T19:28:00.006+01:00

Arcadia (Constantin Costa-Gavras, 2005)

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Mediador: Cuando le comunicaron el despido ¿sintió usted rabia, miedo, resentimiento o alivio?
Bruno Davert: Desde luego, alivio, no. Me gustaba mi trabajo... Y el resto, claro. No enseguida, pero luego, sí.
M. : ¿Por qué?
BD : ¿Por qué, qué?
M.: ¿Por qué rabia, miedo y resentimiento?
BD.: ¿Qué se supone que debo sentir?
M: No le pido que sienta nada. Intento averiguar el porqué de su rabia, miedo y amargura.
B: ¡Les pasa a todos los parados!
M: ¿A todos? ¿Está seguro?
BD: No veo qué más puede sentirse.
M: No cree que habrá quien no se lo tome tan a la tremenda. Y considerarlo una ocasión, como apuntaba su esposa, para enfrentarse a la situación con una actitud positiva.
BD: Verá Sr. Quinlan, al despedirnos, nos enviaron a un montón de especialistas para que nos ayudaran a afrontar con creatividad y optimismo nuestro problema. Usted empieza a recordarme a ellos.
M: Porque intento transmitirle el mismo mensaje.
BD: Su mensaje coincide con el de ellos, ¡memeces!
M: Me alegra que al final haya accedido a hablar, Sr. Davert, intento hacerle ver que usted va más allá de su trabajo.
BD: ¡Al arrebatarme mi trabajo, acabaron con mi vida!, ¡Mi vida!, ¡Con el riesgo de arruinar la de mi familia!. ¡Sí, el trabajo no lo es todo!, pero sin trabajo ¿qué soy?, ¿y cómo salgo adelante? Mis colegas y yo éramos... como un clan. Trabajábamos juntos y contábamos los unos con los otros. con el despido, se acabó el clan.

La casa en la sombra (On Dangerous Ground), Nicholas Ray, 1951.

2011-03-08T17:42:00.005+01:00

Al igual que su debut como director, Los amantes de la noche, La casa en la sombra tiene a John Houseman como productor. Un hombre que produjo obras como Cautivos del mal (1952), El loco del pelo rojo (1956) y Dos semanas en otra ciudad (1962), todas de Vincente Minnelli, Carta de una desconocida (1948, Max Ophüls), Julio César (Joseph L. Mankiewicz, 1953) o Los contrabandistas de Moonfleet (Fritz Lang, 1955).

En 1959, Nicholas Ray leyó la novela Mad With Much Heart, de Gerald Butler, y le atrajo de ella, el concepto del policía que patrulla las calles para erradicar la violencia mientras lleva, sin embargo, esa misma violencia dentro de sí mismo. Ray le propuso a Houseman su adaptación al cine, pero éste no compartió su entusiasmo. No obstante, pudo llevarla a buen puerto gracias a su tenacidad y perseverancia por lo que no se puede considerar a On Dangerous Ground como un mero encargo de estudio.

En apenas 80 minutos Ray incumple las espectativas iniciales de estar ante un film noir canónico A él le interesa menos la intriga policial acerca de la resolución del asesinato de una niña que el itinerario moral del personaje protagonista. La casa en la sombra es una película cortada en 2. Dos universos incompatibles y visualmente enfrentados: el mundo urbano, nocturno, dominado por el negro y toda la gama de grises, y el mundo rural, diurno, iluminado por el resplandor claro de la nieve. Jim Wilson (Robert Ryan), el huraño y amargado agente de policía es desterrado de la ciudad por sus métodos violentos y el pueblo al que acude a resolver un caso, será su lugar de redención, donde recobrará la dignidad, en el amor de una mujer ciega. Todo en poco menos de 4 noches, filmado por Ray con la urgencia y el lirismo que le caracterizaban y con una economía narrativa en la que todo es esencial, nada sobra.

La película comienza de manera espléndida. En la secuencia de apertura se nos presenta el ritual cotidiano de los policía preparándose en su casa para iniciar su patrulla nocturna. Con ello se nos introduce el tono que tendrá este segmento urbano, un retrato descarnado de tono documental del trabajo de un policía solitario, violento, que transmite amargura en sus miradas y sus acciones. En la 2ª parte, que acontece en una inhóspita zona montañosa siempre nevada, gana fuerza el melodrama a través de imágenes de un romanticismo desesperado y un sórdido lirismo.

Según Jean Wagner "es probablemente la película más insólita de Nicholas Ray de cuantas dirigió y, al mismo tiempo, una de las más personales, pues ningún otro cineasta podría haberla firmado".

Miradas: Michael Tighe.

2011-03-07T17:55:00.008+01:00

Más fotos de Michael Tighe aquí

Punch-Drunk Love (Paul Thomas Anderson, 2002).

2011-03-04T18:16:00.007+01:00

¿Cómo continuar una carrera tras 2 películas tan grandes, en todos los aspectos, como Boogie Nights (1997) y Magnolia (1999), dos de las más importantes obras cinematográficas de finales del siglo pasado?. Paul Thomas Anderson se sale por la tangente y estrena en 2002 Punch-Drunk Love, una película a escala más modesta en la que abandona el relato coral y caleidoscópico y se desmarca con una insólita comedia romántica marciana, un híbrido genérico en el que el director norteamericano demuestra que es capaz de arriesgarse y tener la libertad de rodar lo que le da la gana y como le da la gana. En sus imágenes flota una extraña armonía siempre a punto de estallar y romperse en mil pedazos. Tiene la virtud de desconcertar al espectador y sorprenderle con la inventiva que demuestra Anderson en este inteligente juguete cinematográfico que es Punch-Drunk Love.
Desde la primera escena, que marca el tono de la película y nos sacude con su toque extraño y absurdo a lo David Lynch, -el coche que derrapa y da varias vueltas de campana, y el harmonio que aparece en la acera frente a la nave industrial en la que trabaja el protagonista, tras lo cual una mujer aparece y le pide que custodie su coche hasta que abran en el garaje contiguo- el virtuosismo característico de Anderson está presente, con una planificación muy atenta a los espacios, en los que Adam Sandler se mueve como si fuera la proyección de un Jacques Tati trasladado a los últimos momentos del siglo XX.

Punch-Drunk love nos habla de cómo el amor hace fuertes a las personas para poder afrontar sus pequeñas o grandes miserias y así poder integrarse y conectar con el mundo en el que viven. Barry Egan, embutido todo el metraje en su traje azul eléctrico con corbata roja, es un tipo solitario e inhibido. Una persona con una baja autoestima y problemas para comunicarse con los demás que descarga su frustración con repentinos ataques de ira o con un llanto incontrolado. Dos temas, la soledad y el dolor, recurrentes en la filmografía de Paul Thomas Anderson. A ese hombre apocado, agobiado por sus siete hermanas castradoras, que vive una existencia anónima y gris, se le aparece un día en su vida un ángel en forma de mujer, Lena, que sacude con fuerza su rutina y le da energía para reaccionar frente a todas las trampas de las que se siente prisionero: las de su propia familia y las de una intriga mafiosa en la que se ve envuelto como víctima propicia.. Gracias a su relación con ella, Barry comenzará a sentirse digno, a reforzar su identidad frente al mundo (hermosa la escena en la que baila, torpe, en el supermercado como expresión de su felicidad), porque ahora ama inmensamente, y eso le hace fuerte y capaz de vencer a cualquiera.

Barry, un personaje permanentemente al borde del abismo emocional, se sostiene gracias a un Adam Sandler -insoportable actor en tantas malísimas películas- desconocidamente sobrio, que aporta gran cantidad de matices a su papel en una maggnífica actuación en la que nos dice más sobre el personaje con lo físico que con lo verbal. De Lena, interpretado por una dulce y luminosa Emily Watson, apenas sabemos nada, es el contrapunto, la aparición que pondrá patas arriba la rutinaria existencia de Barry.
No pasan desapercibidos en el visionado de Punch-Drunk Love dos aspectos técnicos: la música y la fotografía. La música de Jon Brion es extraña, disonante, estridente a ratos, nada melódica, como expresión distorsionada de las emociones de Barry. La excelente fotografía de Robert Elswitt, utilizando colores saturados, aporta al conjunto un aire de extrañeza que roza con lo fantático y que contribuye a realzar lo que de desconcertante comedia romántica tiene Punch-Drunk Love.

El cine del 2011 (Europa)

2011-03-02T12:28:00.006+01:00

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Un blog de Jose Barriga nos ofrece un suculento adelanto del cine europeo más interesante a estrenar en este 2011. En sus páginas leímos esta ...

... Lista de las películas imprescindibles "made in" Europa, de este 2011:

PINA de Wim Wenders.
El memorable director se sube al tren del 3D, con un documental artístico sobre la vida de la

bailarina Pina Bausch ¿Interesante? Ya veremos qué tal le sale.

THE TURIN HORSE de Béla Tarr.
Tras el problemático rodaje y los turbulentos conflictos de producción, llegara finalmente a las pantallas lo qué parece ser la última película del magnífico Béla Tarr (“El Hombre de Londres”, “Sátántangó”). La película narra el estado de salud de un viejo caballo (el mismo que abrazaba desconsoladamente el filósofo alemán F. Nietzsche al perder su lucidez), un viejo granjero y su hija. De las imprescindibles del 2011, para este servidor.

MELANCHOLIA de Lars Von Trier.
El enigmático y siempre interesante Lars Von Trier, se pasa ahora al drama de ciencia ficción, narrando el desastre psicológico que genera un planeta al orbitar demasiado cerca de la Tierra. Kristen Dunst, Kiefer Sutherland y Charlotte Gainsbourg, lideran el reparto protagónico. Los seguidores de este gran maestro pueden respirar con calma, Von Trier esta de nuevo aquí. De las imprescindibles del 2011, para este servidor.

THE MUST BE THE PLACE de Paolo Sorrentino.
Sorrentino (“Las Consecuencias del Amor”, “Il Divo”) retorna a la escena cinematográfica, retratando la sorpresiva historia de una estrella de rock que se aburre en su retiro y descubre que su padre es un criminal nazi que se refugió en los Estados Unidos y ahora decide ir a buscarle. Sean Penn, Francis McDormad y Toni Servillo protagonizan esta interesante cinta que pinta de imprescindible.

A DANGEROUS METHOD de David Cronenberg.
Basada en acontecimientos reales, la historia narra la relación entre el joven psiquiatra Carl Jung, su mentor Sigmund Freud y Sabina Spielrein. Al trío se le une Otto Gross, un paciente libertino decidido a traspasar todos los limites. La película es una exploración de la sensualidad, el engaño, la ambición y las diferentes vertientes modernas. Michael Fassbender, Viggo Mortensen, Keira Knightley y Vicent Cassel conforman el reparto. Una de las películas más esperadas por todos y uno de los elencos más sugestivos del año.

LA PIEL QUE HABITO de Pedro Almodóvar.
El gran Almodóvar, retorna tras “Los Abrazos Rotos”, con una seductora historia: Desde qué su mujer murió quemada en un accidente automovilístico, el Dr Ledgard, eminente cirujano plástico, se interesa por la creación de una nueva piel con la que hubiera podido salvarla. Doce años después consigue cultivarla en su laboratorio. Para ello no dudara en traspasar una puerta hasta ahora terminantemente vedada, la transgénesis de seres humanos. Pero este no será el único crimen que cometerá. El director manchego se reencuentra con Antonio Banderas y Marisa Paredes para adaptar una historia libremente inspirada en la novela negra “Tarántula” de Thierry Jonquet. De las imprescindibles del 2011, para este servidor.

TINKER, TAYLOR, SOLDIER SPY de Tomas Alfredson.
Alfredson, responsable de la magistral “Let the right one in / Déjame Entrar”, realiza la adaptación de la novela homónima de 1974 escrita por John Le Carré, conocida como “El Topo”. La historia narra la vida de Smiley, un experto en inteligencia de mediana edad forzado a regresar de su retiro para encontrar a un “topo soviético” dentro del propio M16. Gary Oldman, Ralph Fiennes y Tom Hardy conforman el reparto.

THE CONGRESS de Ari Folman.
Es una libre adaptación de la novela del polaco Stanislaw Lem. Ari Folman (“Waltz with Bashir”) toma a Robin Wright como protagonista interpretándose a si misma para mostrarnos otro universo (una distinta sociedad utópica) en la que la carrera del actriz ha decaído a la vez que su imagen ha sido sampleada y reutilizada por los estudios cinematograficos.

CUMBRES BORRASCOSAS de Andrea Arnold.
Andrea Arnold es de las tres mejores féminas realizadoras de la actualidad. Sus únicas dos películas (“Red Road” y “Fish Tank”) las considero obras magistrales de la cinematografía moderna. Esta vez da un giro de 180 grados en su filmografía, y realiza la nueva adaptación del clásico de Emily Brönte. De las imprescindibles del 2011, para este servidor.

LOVE (AMOUR) de Michael Haneke.
El crudo y austero retrato de la tercera edad. Jean Louise Trintignant y Emmanuelle Riva serán los responsables de interpretar a una pareja que simple y llanamente se niegan a envejecer. Isabelle Huppert será la encargada de interpretar a la hija de ambos. El amor de la pareja será puesto a prueba en el momento que ella sufre una parálisis. Haneke NUNCA decepciona, y tras varias obras maestras en su filmografía, retorna este 2011 con una de las películas mas esperadas del año. De las imprescindibles del 2011, para este servidor.

PHYCOTHERAPY OF PLAINS INDIAN de Arnaud Desplechin.
Desplechin, uno de los mejores exponentes del mejor cine francés contemporáneo y el hijo predilecto de la “nouvelle vague” francesa, retorna con la adaptación de la novela de Georges Devereux, antropólogo “freudiano” de origen húngaro-judío, a quien toda su vida le obsesionó la búsqueda de un nombre, de una identidad, de una nacionalidad.

SHAME de Steve McQueen.
Ubicada en Nueva York, “Shame” será un drama sobre la vida de un treintañero llamado Brandon, con serios problemas para controlar y disfrutar su vida sexual. La promesa británica Steve McQueen (“Hunger”), retorna este 2011, repitiendo nuevamente con Michael Fassbender.

ELENA de Andrei Zvyagintsev.
Una mujer de avanzada edad debe elegir entre un saludable marido y un hijo alcohólico cuya enfermedad esta conduciendo a la familia directamente a la pobreza. Quienes recuerdan aquella obra maestra llamada “El Regreso”, saben que Zvyagintsev es uno de los mejores realizadores poco concurrentes de la década. De las imprescindibles del 2011, para este servidor.

ALPIS de Giorgios Lanthimos.
Esta es la historia de una enfermera nocturna de hospital que provee sus peculiares servicios a las familias que han perdido a sus seres queridos. Es parte de un grupo llamado “Alpis”, cuyos miembros ofrecen a cambio de dinero, reemplazar a los muertos en la vida diaria de estas familias. En el 2010 nos dejo atónitos con “Kynodontas/Canino” y este 2011 retorna con una nueva película qué promete nuevamente impresionar y sorprender en cantidades iguales.

CHICKEN WITH PLUMS de Vicent Parannaud y Marjane Satrapi.
Los “culpables” de “Persepolis”, retornan con la historia de Nasser Ali Khan, un músico de Tar, un laúd iraní que decide dejarse morir después de que su mujer le rompa el instrumento de trabajo en una riña conyugal.

L’EMPIRE de Bruno Dumont.
Ambientada en los bordes del Canal de la Mancha, en la costa de Apolo, L’empire cuenta la historia de un extraño joven que practica la caza furtiva, reza y enciende fogatas. Cerca de una granja que vive una chica que lo alimenta y lo cuida, asesinando al padre de la muchacha (victima de su violencia), ayudando a una niña atormentada por males extraños, masacrando al guardia, el muchacho expulsa el mal del pueblo y de sus habitantes, que lucha contra el Diablo hasta el día de un milagro. No suele extrañar que las premisas de Dumont sean tan ambiguas, pero lo qué si hay que reconocer, es que estamos ante uno de los pocos realizadores, que verdaderamente valen la pena hoy en día. De las imprescindibles del 2011, para este servidor.

SET ME FREE (DELIVEREZ MOI) de Jean Pierre y Luc Dardenne.
Los hermanos belgas ponen en marcha su nuevo proyecto, prosiguiendo con su cruda e incesante radiografía social de la Europa marginal. La película narra la historia de Cyrus, de once años, que se escapa del hogar de acogida donde su padre lo dejó, después de haber prometido venir a buscarlo. Llamando en vano la puerta del apartamento donde vivían, el niño, perseguido por el personal del hogar, se refugia en un gabinete médico y se lanza en los brazos de una joven que esta sentada en la sala de espera. De las imprescindibles del 2011, para este servidor.

LE HAVRE de Aki Kaurismaki.
Basado en un guión original del propio realizador, la película cuenta la historia de un “limpiabotas” que trata de salvar un refugio infantil.

ONCE UPON A TIME IN ANATOLIA de Nuri Bilge Ceylan.
Ceylan (“Los Climas”, “Lejano”, “Tres Monos”) perseguirá su Tarkovskiano drama/thriller con “Once Upon a Time in Anatolia”. Poco se sabe de este proyecto del cual solo se puede adelantar es que la película completa esta localizada en la estepa de Anatolia, y que se trata de la producción mas costosa en la filmografía del cineasta turco. De seguro una obra de arte como sus pasados largometrajes. De las imprescindibles del 2011, para este servidor.

A IGREJA DO DIABO de Manoel Oliveira.
El legendario director (de casi 102 años de edad), narra la historia de un estudiante que se aloja en la casa de un hombre infiel, una información que incluso su mujer sabe, los problemas no tardaran en aparecer.

HABEMUS PAPA de Nanni Moretti.
Su estreno fue postergado para el 2011, y por ende el realizador italiano será uno de los directores mas citados el presente año. La película narra la historia de un psicólogo, que va camino del Vaticano, para dar ayuda a un nuevo Papa quien, a los pocos días en su nuevo cargo, esta pensando seriamente en abdicar.

http://academyawards2009.blogspot.com/

El crepúsculo de los dioses.

2011-02-27T17:37:00.015+01:00

Siguiendo la pista de la pintada neorrabiosa, salgo a fotografiar en que se han convertido hoy, mis cines de ayer.

Cine Azul

Cine Saboya

Cine Rialto

Cine Rex

Cines Casalta

Cine Condal

Cine Avenida

Cine Sindical

Cines ABCD

Cine Goya

5 Kurosawa 5

2011-02-23T11:06:00.011+01:00

Rashomon (1950). La película nº 12 en la filmografía de Akira Kurosawa supone el primer éxito a nivel internacional del cine japonés en un momento en que el país comenzaba a resurgir tras la ruina que trajo el final de la 2ª Guerra Mundial. El film trata sobre el difícil estatuto de la verdad. Cuatro personajes relatan un mismo hecho violento desde su propio punto de vista. Todos parecen decir la verdad pero todos pueden mentir. Muy innovadora en su época, con esos fhash back falsos y una voz en off poco fiable. Una de las obras más influyentes de la Historia del Cine, fue la quinta colaboración de Kurosawa con el gran Toshiro Mifune, su actor predilecto.

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Vivir (1952). El funcionario Watanabe, enfermo y consciente de que que su fin se acerca, se da cuenta que ha vivido encerrado en sí mismo y no ha hecho nada por los demás, por tanto nada quedará de él cuando muera. Angustiado y solo, busca dar un sentido final a su vida. Película fúnebre, profunda reflexión sobre la vida y la muerte que quiere expresar, no tanto el vacío ante su cercanía como el temor a no haber vivido lo suficiente. Memorable la escena final, con el agonizante Takashi Shimura entonando una canción que recuerda a su esposa, mientras se balancea en un columpio del parque.

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Los siete samurais (1954). La narración cinematográfica en estado puro. La expresión más depurada del sentido épico y ético del director japonés. La historia de los 7 samurais, reunidos por los habitantes de un pueblo para defenderse de los bandidos, influirá en el cine norteamericano a partir de los 60, ahí está su traslación al universo del western realizada por John Sturges con Los siete magníficos. Con este film, Kurosawa comienza a utilizar el método de rodaje con varias cámaras a la vez, sobre todo en las escenas de lucha.

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Dersu Uzala (1975). Su primer rodaje fuera de Japón, en una lengua extraña y con actores no japoneses es una coproducción con la Unión Soviética inspirada en la vida del explorador militar y etnógrafo ruso Vladimir Arseniev. Es el relato de su amistad con Dersu Uzala, un cazador de la taiga que la hace de guía. Rodada en largos planos generales, escasos diálogos, con austeridad y limpieza formal, se construye a través de un flash back con la voz del narrador (Arseniev) que ante la tumba del muerto, evoca su amistad. La película opone dos personajes contrapuestos, uno que representa la razón y el orden, y otro, la intuición y la unión con la Naturaleza, y Kurosawa lo narra en términos armónicos y naturalistas.

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Ran (1985). Adaptación libre de El Rey Lear de Shakespeare a la Historia de Japón. Rodada con grandes medios gracias a la aportacion del productor francés Serge Silberman, y con una enorme libertad formal y gran atención por los elementos plásticos del relato. En las secuencias bélicas, la sangre inunda literalmente a los personajes, creando un brutal contraste con los colores de su armadura. Reflexión en torno al poder y su perpetuación llena de lucidez y sabiduría.

Miradas: Lawrence Schiller.

2011-02-18T18:25:00.006+01:00

18 comidas (Jorge Coira, 2010).

2011-02-16T17:52:00.007+01:00

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Fui a ver 18 comidas con una persona en cuyo criterio confío plenamente. Pero esta vez sin tener ninguna información sobre la película. Sabía que era española, pero no quien era el director ni los actores. Tampoco el argumento. Y es éste un ejercicio que recomiendo. Ver cine sin prejuicios ni apriorismos.

Siendo esquemático, simplón y reduccionista, diría de esta película que es un "vidas cruzadas a la galega". Veamos: Un músico callejero (Luis Tosar) se reencuentra con el que fue el amor de su vida (Esperanza Pedreño); Dos borrachos desayunan cubatas con marisco; Un hombre (Pedro Alonso) cocina, cocina y cocina, para la mujer que nunca llega; Dos hombres (Víctor Clavijo y Sergio Peris-Mencheta) que son pareja y viven juntos construyen una mentira ante la visita del hermano de uno de ellos; Una cocinera sueña con ser cantante; Una chica (Cristina Brondo) quiere lo que un hombre, que le dobla la edad, no le da; Una pareja de ancianos, que ya se lo ha dicho todo en la vida, desayuna, come y cena en perpetuo silencio... Todo un catálogo de sentimientos y emociones, servidos en torno a una mesa.

La película está estructurada en 3 partes que se corresponden a las tres comidas más importantes del día: desayuno, comida y cena. Antes, una voz en off femenina, totalmente prescindible, nos introduce en la narración sobre unas imágenes callejeras de Santiago de Compostela, la ciudad en la que transcurre todo el film en el arco temporal de un sólo día. El recurso a las comidas es una excusa para estructurar la película, con las historias que unas veces se entrelazan y otras no. El director Jorge Coira consigue, utilizando una forma de narrar muy socorrida últimamente, extraer de situaciones cotidianas que alternan el drama y la comedia, instantes de auténtica verdad, trozos de vida de enorme naturalidad que se enganchan al espectador y no le abandonan. El drama y un humor esquinadop aparecen juntos, en ocasiones, en el mismo plano. Unas veces el humor está en lo que se dice y la tragedia en lo que vemos, y otras veces es al revés. Y no sólo eso. Coira es capaz de evitar el típico y tópico costumbrismo que se apodera de muchas de las ficciones del cine español, consigue llegar a lo universal desde el más cercano localismo. Añadamos un magnífico guión (sobre el que los actores tenían manga ancha para la improvisación), una puesta en escena fresca y dinámica, un montaje fluido (que costó 6 meses, pues Coira llegó a filmar casi 90 horas) y una buena banda sonora, para certificar que estamos ante una pequeña delicatessen que puede gustar a todo tipo de público. Y para postre de este menú degustación gallego, 18 comidas cuenta con un soberbio trabajo actoral, que logra transmitir toda la intensidad y tensión que hay en algunas escenas, toda la cotidianeidad de las miserias personales, en diálogos fluidos de gran espontaneidad.

18 comidas, una comida sabrosa, altamente recomendable, fácil de digerir, sabor agridulce pero agradable al paladar. Una delicia gastronómica.

Como buenos vecinos.

2011-02-13T12:36:00.004+01:00

La tentación vive arriba (The Seven Year Itch, 1955) Billy Wilder

Tom Ewell: ¡Tenga cuidado! ¿Quiere matar a alguien, o qué?
Marylin Monroe: ¿Qué pasa?
Tom Ewell: ¡Ese maldito bote de hierro ... por poco me mata! ... Oh, es usted. Hola otra vez.
Marylin Monroe: ¡Oh, cielos! Se ha caido la tomatera.
Tom Ewell: Así es.
Marylin Monroe: Lo lamento.
Tom Ewell: No es nada.
Marylin Monroe: Fíjese en la silla, se la pagaré. Ojalá no sea de anticuario.
Tom Ewell: Es baratísima.
Marylin Monroe: Sí hay algo que yo pueda hacer...
Tom Ewell: ¿Hacer? No, mujer, no tiene que pagarme nada.
Marylin Monroe: Cuanto me alegro de que no se enfade. No lo toque, mandaré al portero mañana. Buenas noches.
Tom Ewell: ¡Oiga, espere!
Marylin Monroe: ¿Qué?
Tom Ewell: Voy a decirle algo que puede hacer, si no es que tiene otra cosa más importante ¿Quiere bajar a tomar una copa?
Marylin Monroe: Encantada.
Tom Ewell: ¿De verdad?
Marylin Monroe: Será divertido. Espere que me ponga algo. Voy a la cocina a vestirme. con este calor, meto la ropa interior en la nevera.
Tom Ewell: ¿En la nevera?
Marylin Monroe: Bajo enseguida.
Tom Ewell: En la nevera.

Los amantes de la noche (Nicholas Ray, 1949).

2011-02-09T17:49:00.008+01:00

Los amantes de la noche es la primera película de Nicholas Ray. Antes, su única experiencia eran sus tres meses como ayudante de Elia Kazan. A pesar de ello, tuvo la suficiente libertad como para poder tomar casi todas las decisiones. Y para ello contó con el apoyo incondicional del productor John Houseman, antiguo compañero de aventuras teatrales en los años 30, quien intercedió ante el jefe del estudio para que dirigiera la película y que además le permitió algunas salidas de tono dentro del ajustado presupuesto, como una semana de ensayos con los actores y el alquiler de un helicóptero por un día para rodar los planos aéreos.

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Los amantes de la noche es una muestra de los nuevos aires que Dore Schary introdujo en la RKO en el breve lapso de algo más de un año en que estuvo al frente del estudio, antes de ser sustituido por Howard Hughes. En ese tiempo, puso en marcha una nueva política de producción en la que se apostaba por jóvenes debutantes. Y Ray estaba en el sitio apropiado en el momento preciso.
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El film es un ejemplo de las mejores virtudes de la serie B: creatividad en la búsqueda de las mejores soluciones narrativas y economía, haciendo de la necesidad, virtud, además de la forma imaginativa de sortear la censura en temas de violencia y de sexo. Los amantes de la noche, aún siguiendo las coordenadas del film noir, es ante todo, una historia de amor, marcada desde el principio por un tono amargo y fatalista. A Ray le interesa más la relación entre los dos amantes que la acción. El robo lo resuelve de manera rápida, sin alardes, con unos estupendos planos filmados desde la parte trasera del coche. La violencia sólo aparece, sugerida en los diálogos, y en el enfrentamiento final con la policía, Ray utiliza el tiempo estrictamente necesario para mostrarlo.

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La película empieza de manera insólita. No es un prólogo, ni un epílogo, ni un flashback. Son unas imágenes amorosas que encierran a los dos protagonistas en primer plano, sin ninguna función narrativa. Al cabo de unos segundos, Bowie (Farley Granger) y Keechie (Cathy O'Donnell) giran sus rostros sorprendidos hacia la cámara. Le siguen unos planos aéreos, tomados desde el helicóptero, de un coche que cruza a toda velocidad polvorientas carreteras secundarias. Pronto sabremos que son 3 hombres que se acaban de fugar de presidio y que acaban encontrando refugio en el garaje del hermano de uno de ellos. Allí, Bowie y Keechie se conocen, y desde el primer momento, sus miradas delatan una atracción mutua (hay una maravillosa escena en la que Keechie, delante de un espejo, suelta su melena hasta entonces siempre recogida y se dispone a cuidar a Bowie que ha sido herido por un policía. ¡No hacen falta palabras!). Ambos fueron abandonados por sus madres y tienen un oscuro futuro en el horizonte. Bowie es un ingenuo, un idealista. Le dice a ella al poco de conocerla que no sabe tratar con mujeres, tiene 23 años y los últimos 7 los ha pasado en prisión. A partir de aquí, la huida hacia ninguna parte, con México como paraiso soñado inalcanzable. Bowie y Keechie quieren ser una pareja como las demás, creen tener derecho a ser felices pero el destino les tiene preparada otra salida. Una noche cruzan con el coche el Mississippi y él le dice a ella, Algún día me gustaría ver este país. Keechie la contesta, ¿de día? y Bowie replica, Sí, eso estaría bien. En esa huida hay varios momentos en que los fugitivos consiguen llevar una "vida normal", pero no es más que una imitación de la vida.

De lo expuesto se deduce que They Lives by Night (su título original) es un film noir muy poco usual. La acción brilla por su ausencia y su exacerbado lirismo hace que no se pueda hablar de ella como un ejemplar canónico de cine negro, como tampoco lo era del western la genial Johnny Guitar. Puede que eso explique el fracaso de la película en su momento.
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Una recomendación: Cineclub, una novela de David Gilmour.

2011-02-07T19:05:00.005+01:00

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..."-Bueno -dije-, ¿has pensado en lo que hablamos?

Noté que él quería levantarse pero no podía. Miró a su alrededor como si se sintiera constreñido.

A continuación, acercó su cara pálida a la mía como si fuera a revelar un secreto.

-La verdad es -susurró- que no quiero volver a pisar el instituto.

Se me revolvió el estómago.

-De acuerdo, entonces.

Me miró estupefacto. Estaba esperando el quo del quid pro quo.

- Pero con una condición. No tienes que trabajar, no tienes que pagar alquiler. Puedes dormir hasta las cinco todos los días. Pero nada de drogas. Si tomas alguna droga, no hay trato.

-De acuerdo -dijo.

- Lo digo en serio. Como te metas en ese mundo, te daré para el pelo.

-De acuerdo.

-Otra condición -dije. (Me sentía como el detective Colombo).

-¿Cual? -dijo.

-Quiero que veas tres películas a la semana conmigo. Yo las elijo. Es la única educación que vas a recibir.

-Estás de broma -dijo él acto seguido.

No perdí el tiempo. Al día siguiente por la tarde le hice sentarse en el sofá azul del salón, a mi izquierda, corrí las cortinas y le puse Los cuatrocientos golpes de François Truffaut. Me pareció una buena manera de introducirlo en las películas de arte y ensayo europeas, que sabía que iban a aburrirle hasta que aprendiera a verlas. Es como aprender una variación de una gramática regular.

Truffaut, le expliqué (quería ser breve) accedió a la dirección de películas por la puerta de atrás: era un estudiante que había abandonado el instituto (como tú), evitó el servicio militar y era un ladrón de poca monta, pero adoraba las películas y se pasó su infancia colándose en los cines del París de la posguerra."

Cineclub

David Gilmour

2007

Let's Get Lost. Carta a Chet Baker.

2011-02-02T11:26:00.006+01:00

Dear Chet

La otra noche tu Almost Blue me hizo llorar
y no te perdono por haberme roto tu pedestal privado.
La otra noche soñé con virutas de humo y onírico cool jazz,
y atardeceres rosas en la playa de Malibú.
Surcábamos avenidas en un Cadillac rosa y hermosas mujeres me acariciaban el pelo.
En Venice Beach tu lánguida trompeta me dejó solo, como tantas veces,
y regresé a la bahía de los sueños
para escucharte en el Fillmore una vez más.
Desperté y te odié, Chet Baker
pero me reí contigo, tío
y flotamos a ras de suelo ...
pero no me diste lástima
tú,
seductor cara de ángel,
corazón de diablo.
Pobre Chet
caos atravesado de puro genio,
cumbre del silencio que precede al sonido.
La humilde trompeta fue su última compañera, su única compañera.

eloy sánchez

Let's Get Lost (Bruce Weber, 1988) en leolo

Miradas: Terry O'Neill.

2011-01-31T17:08:00.011+01:00

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Me gusta Vinessa Shaw.

2011-01-27T18:52:00.011+01:00

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Supe de Vinessa Shaw por Two Lovers (James Gray, 2008), para el que escribe y junto a La cinta blanca de Michael Haneke, lo mejor del cine visto en 2010. Yo, en el lugar de Leonard, el personaje que protagoniza Joaquin Phoenix, me hubiera quedado desde el principio con ella. Es guapa, inteligente, elegante, y posee una sonrisa que desarma... no hay comparación con la lunática de Gwyneth Paltrow.

Tirando de Wikipedia, sabemos que esta angelina (de Los Angeles, California) nació en Julio de 1976, y que ha trabajado como modelo y como actriz en series de TV.

Y entonces me acordé, ¿pero dónde había visto yo a esta chica? ¡Sí! En Eyes Wide Shut del maestro Kubrick era la prostituta que tienta al soso de Tom Cruise. Era un papel pequeño en el que Vinessa estaba guapísima. Ahora que lo pienso, en esa película todas las mujeres son superatractivas.

Poco después la volví a ver en el neo western El tren de las 3:10 (James Mangold, 2007) en otro breve papel. Estaba seductora vestida de negro antes de acostarse con el forajido Russell Crowe al que capturaban por cometer el error de no huir y quedarse en el pueblo a echar un polvo.

Y revisando la filmografía de Vinessa Shaw me tropiezo con Las colinas tienen ojos, bestial remake del clásico de terror dirigido por Wes Craven en 1977. Sí, lo reconozco, la ví hasta el final y sobreviví, después de pasarlo mal, no tanto como ella que creo recordar fue también una de las supervivientes del ataque de los mutantes lisérgicos.

Filmografía seleccionada:

2008 Two Lovers (James Gray)

2007 El tren de las 3:10 (James Mangold)

2006 Las colinas tienen ojos (Alexandre Aja)

2004 Melinda y Melinda (Woody Allen)

2002 40 días y 40 noches (Michael Lehman)

1999 Eyes Wide Shut (Stanley Kubrick)

1998 Colgados de Los Angeles (Mika Kaurismaki)

Siempre hace buen tiempo (Stanley Donen y Gene Kelly, 1955).

2011-01-24T23:01:00.005+01:00

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Siempre hace buen tiempo es el tercero y ultimo de los musicales que codirigieron Stanley Donen y Gene Kelly haciendo equipo con el productor Arthur Freed y los compositores Betty Comden y Adolphe Green. Junto a Cantando bajo la lluvia y Un día en Nueva York representan una manera de hacer cine que revitalizó el género en los 50. Siempre hace buen tiempo puede verse también como el canto del cisne de ese modelo clásico hollywoodiense de comedia musical. Los tiempos estaban cambiando. Los agitados 60 estaban a la vuelta de la esquina y ya nada volvería a ser como antes. La televisión (a la que la película dedica una secuencia repleta de mordaz crítica) se convertirá en el nuevo becerro de oro que se instalará como uno más de los habitantes del hogar medio americano. Los productores arriesgarán menos y se limitarán a trasladar a la pantalla grande éxitos de Broadway: West Side Story (Robert Wise y Jerome Robbins, 1961), My Fair Lady (Georges Cukor, 1964), Sonrisas y lágrimas (Robert Wise, 1965), Funny Girl (William Wyler, 1968).

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Concebida como una especie de continuación de Un día en Nueva York, aunque del trío de marines sólo repite Gene Kelly, Siempre hace buen tiempo narra la historia de 3 ex soldados a los que su estancia en Europa durante la guerra les ha hecho amigos inseparables y que al retornar a la vida civil prometen reunirse al cabo de 10 años a rememorar los viejos tiempos. Pero cuando lo hacen, se dan cuenta de que el tiempo les ha cambiado, apenas reconocen a sus viejos colegas y al poco de estar juntos ya no se soportan y solo quieren huir, porque ven en los otros la imagen de su propio fracaso vital.
De la luminosidad e ingenuidad de Un día en Nueva York apenas queda nada en Siempre hace buen tiempo que viene a ser como su reverso amargo y desencantado. Aquí, la mirada sobre el paso del tiempo y sus consecuencias sobre unas relaciones que en su día creyeron ser eternas, es pesimista, por no decir realista.
Todo ello, a ritmo trepidante que no decae un instante, en glorioso cinemascope, con el baile y las canciones introduciéndose armoniosamente en la trama, y utilizándolos como forma de definir y caracterizar a los personajes. El film bascula entre ese tono desengañado y cínico, junto a alegres motivos musicales y gags de comedia, y por debajo de esa apariencia de leve pasatiempos, aparece una ácida crítica de la sociedad norteamericana y su filosofía del éxito.

Entre los momentos a retener tenemos un insólito número musical en un restaurante basado en la voz interior de los personajes, con lo que sabemos lo que realmente piensa cada uno de los otros dos. Otro gran momento es la espectacular coreografía bailada por la gran Cyd Charisse con los boxeadores y entrenadores en el gimnasio Stillman. Hay también un baile por las calles de Gene Kelly en patines que recuerda por du significado y por su planificación el de Singin' in the Rain. Y en el principio, para presentar a los personajes y su camaradería, hay un número extraordinario con un taxi de por medio y un momento mágico de baile con las tapas de los cubos de basura en los pies a modo de claqué.

En la época de su estreno, la película no tuvo una buena agogida por parte del público. Puede que los espectadores esperaran un espectáculo alegre y despreocupado como prometía el título, y luego se vieran reflejados en la mediocridad y las pequeñas miserias de los 3 ex marines, y aquello no les gustó.

El film concluye con un aparente happy end: Kelly y Charisse se quedan juntos y Ted y Angie regresan a sus ciudades tras despedirse quedando en volver a verse, pero el tono oscuro de la fotografía nos parece decir que no siempre hará buen tiempo.
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Dos derechos cinéfilos: salirse del cine y aplazar una cita (una entrada de cineoriginal)

2011-01-24T12:38:00.005+01:00

Publicado por miaku en su blog cineoriginal :

_Aunque a mí me gusta más descubrir películas, disfrutar con cine que me parece interesante, en fin, enfocar el blog en positivo, de vez en cuando hay límites que me parecen insoslayables y saco la espada, creo que con todo el derecho, y paradójicamente también con un ánimo positivo, pero con el bisturí afilado.

_Un conocido crítico, no hace mucho, abandonó una proyección en un importante festival de primera categoría, quejándose del bajo nivel del certamen. Hace más tiempo, leyendo a Jonas Mekas, leí que él también hacía lo mismo cuando le parecía intrascendente la película. Sé de más críticos que hacen lo mismo, y cuanto más cine veo más lo entiendo. Yo antes no lo hacía, ahora sí, ¡claro que sí!. La cuestión, tal y como yo lo veo es que a no ser que uno deba hacer un estudio remunerado sobre un film (entonces se quiera o no se quiera hay que aguantar hasta el final hasta el bodrio más lamentable o el más pedante y lleno de ínfulas) o una película nos aporta alegría, conocimiento, o un entretenimiento digno en vez de embrutecedor, o se trata de una pérdida de tiempo y de más cosas. El crítico remunerado que debe opinar sobre un film, pues debe aguantar hasta el final, y no digo que sea fácil, pero es que es su trabajo, y no siempre se da con obras de Ozu, Dreyer, Renoir, Buñuel, Ford... por poner un ejemplo. Ser crítico de cine no debe ser fácil si uno es honesto y ve todas las películas posibles, aunque también puedo entender la deserción del lugar de trabajo... porque hay mucho, pero que mucho cine que te hace perder el tiempo, que te deja quieto parado y cada vez más quieto parado, encarcelado en un mal viaje del que sólo deseas salir. Así que como la mayoría no somos críticos remunerados de cine, podemos acogernos al derecho de salirse del cine, parar el dvd, el ordenador... ¡Y todo por amor al cine y porque la vida es más interesante que una mala película!. ¿Qué es una buena película?. Eso es discutible, el libro de Laurent Jullier lo analiza, pero de todas formas, creo que una vez se ha visto suficiente cine, (aunque yo creo que nunca veré el suficiente cine) se tiene cierto criterio y de todas formas todo espectador tiene sus afinidades, limitaciones, y pasado un tiempo prudencial, si una película no nos entra, mejor dejar de verla. Puede ocurrir que la misma película, un tiempo después sí nos entre, y entremos en ella, pero si algo no fluye con naturalidad, mejor no forzar las cosas. Y hay películas que nunca nos van a entrar, porque son indigestas.

_Quizá ver películas es en cierto modo como una relación que no por efímera debe ser superficial ni por supuesto vergonzosa. Si una película nos rebaja (o nos sentimos rebajados como espectadores) mejor dejar de verla. Si una película es demasiado compleja para el momento en el que podemos verla, mejor dejarla para otro día, nos faltaría capacidad crítica, mejor hacer como Bergman, que por las noches se ponía una de James Bond, que no son especialmente intelectuales. A veces es mejor aplazar la cita, y buscar la luz adecuada, la calma oportuna... aunque suene pelín romántico es que ver cine es una especie de affaire sentimental como poco, también intelectual y espiritual en sus mejores momentos.

_Sin ir más lejos, en su día abandoné la proyección de "Sacrificio" de Tarkovsky, sin embargo años después, con el espíritu adecuado me quedé admirado ante la hondura del film y su concepción estética. A veces una película nos llega demasiado pronto, no estamos preparados para verla... Hay una película para cada momento, pero no se puede ver cualquier película en cualquier momento. El matrimonio debe ser bueno, si no lo es, mejor probar con otra película, o leer un libro, o mirar las estrellas, ¡qué películas se proyectan en el firmamento cada noche, sin guión ni más música de fondo que el tranquilo silencio de la noche!.

_La verdad es que me alegra no ser un crítico de cine con la obligación de ver cosas que son una pérdida de tiempo embrutecedora, por eso entiendo algunas críticas feroces que se deben al profundo amor al cine de quien las escribe y al mal rato que ciertas películas te hacen pasar debido a su baja calidad o a su naturaleza fraudulenta. Hay un cineasta en concreto que casi siempre me ha parecido una pérdida de tiempo, y es Godard, a quien he alabado cuando me ha parecido interesante, un director clave en cierto momento, pero menos de lo que cierta crítica oficial nos hace creer, pues bastantes de los postulados recogidos por la nouvelle vague no fueron propiamente invenciones sino que ésta sirvió de caja de resonancia de hallazgos anteriores, y en el caso de Godard la sombra misteriosa y fértil de Chris Marker es muy alargada y le precede en el "film-ensayo", y le supera en muchas cosas, como en el compromiso político y la creatividad poética y reflexiva. Hace años me hubiera costado mucho abandonar la proyección de un film de Godard, ahora, si he abandonado "Film socialisme", sin duda es porque el socialismo no lo veo por ninguna parte y sí al Godard más snob haciendo películas para devotos godardianos, y yo es que soy cinéfilo, y para mí Godard es más pequeño que el cine, sin duda él creerá lo contrario, y él que fue crítico de cine tendrá que admitir especialmente las críticas a su obra, sobre todo dadas sus pretensiones, y presupuestos, que vamos, el hombre no hace las películas con cuatro euros, cuenta con medios, pero el talento es otra cosa, y no hace falta acabar una botella de leche rancia para decir que es leche rancia.

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_Lo que sucede con una película es que debe merecer la atención de quien la mira, pues le exige silencio, casi la inmovilidad total, concentración, y más de hora y media de su valioso tiempo. Hay que ofrecer algo a cambio de todo eso, por no hablar del precio de la entrada, o del dvd... El espectador de cine medio quizá no es muy exigente, pero el cinéfilo cuanto más cine ve más exigente se vuelve, no se conforma con simulacros, busca las fuentes en vez de las imitaciones baratas, y desenmascara antes a los que van de una cosa y son otra. Por eso no me extraña que los críticos más perspicaces calen rápidamente el alcance de un film y se salgan de películas que no merecen tanta atención. Y en cualquier caso, también hay siempre una cuestión personal y subjetiva, un gusto personal, pero en ciertos ambientes Godard es tratado como si fuera Dios padre todopoderoso, y encima se creen que el hombre es moderno, posmoderno, vanguardista o similar, y sobre todo me parece vacío, esteticista, cerebralista, pomposo y snob, de lo más reaccionario y elitista, pero si eso es ser socialista, el gran ego de Godard, que no conoce límites, titula su film "Film socialisme". Quizá sea una de esas ironías que hay que aplaudir reverenciando al hombre, y a ser posible lamiéndole los pies, pero yo he preferido ejercer mi derecho a salir del cine, y a quejarme de lo que he visto, que ya van muchas con Godard... Hay cineastas que abusan de la paciencia y buena fe del espectador, y cada vez me parece un delito más grande. Así que lo recuerdo, hay dos derechos cinéfilos: salirse del cine, y aplazar la cita. Y algunas citas las hubiera aplazado indefinidamente...

La música del azar: Isobel Campbell & Mark Lanegan, "Ramblin' Man".

2011-01-21T20:06:00.006+01:00

El proyecto musical de Isobel Campbell y Mark Lanegan parecía, en un principio, una unión forzada, a contracorriente, y ¡mira por dónde!, ya van por el tercer disco ("Ballad of the Broken Seas" 2006, "Sunday at Devil Dirt" 2008, y "Hawk" 2010) y siempre dentro de unas coordenadas de calidad y profundidad emocional. Dicen que en el escenario la química entre la pareja es nula (prácticamente ni se miran a la cara ni se hablan), aunque es posible que sea sólamente una pose.

El principal atractivo de la extraña pareja reside en la atracción de los opuestos. Opuestos son sus registros vocales, dulce y candoroso, Isobel la ex componente de Belle & Sebastian, arrastrado y cavernoso el de Mark, líder de los Streaming Trees. Algo así como La Bella y La Bestia, recurriendo al tópico más gastado.

El diálogo entre la voz etérea y y angelical de ella, y la garganta árida y desértica de él, funciona a la manera de un hipotético encuentro entre Nancy Sinatra y Tom Waits. El country se aparea con el folk y el blues, y las cuerdas ponen emoción al asunto en baladas oscuras de azufre y desierto.

Ramblin' Man pertenece al primer disco del dúo, titulado "Ballads of the Broken Seas" y tiene una onda rítmica muy a lo Tom Waits. Al parecer, Tom fue el primer candidato de Isobel para su proyecto musical (ella compone y produce en los tres discos).
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Miradas: Dennis Hopper, fotógrafo.

2011-01-17T16:05:00.007+01:00

El hombre que no debía estar allí.

2011-01-13T12:59:00.005+01:00

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El hombre de Laramie (Anthony Mann, 1955)
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Donald Crisp: Soy Alec Waggoman, del rancho Barb. ¿A qué viene esto?
James Stewart: ¡Que se lo diga su hijo!
Donald Crisp: Se lo pregunto a usted.
James Stewart: ¡Vaya a las lagunas de sal! ¡Allí encontrará 12 mulas muertas y 3 carros quemados! ¡Son de mi propiedad!
Donald Crisp: Nadie le mandó venir aquí.
James Stewart: ¡Pues estoy aquí Sr. Waggoman, y pienso quedarme! ¡Ya pueden ir haciéndose a la idea!
Donald Crisp: ¿Quién es usted?
James Stewart: No me conoce.
Donald Crisp: ¿Qué ha venido a hacer aquí?
James Stewart: Eso es lo que le interesa, ¿eh?. Pregúntelo con mejores modales.
Donald Crisp: No tengo por qué. Este pueblo es mío. Soy el dueño de todo lo que pueda recorrer en cualquier dirección en 3 días.
James Stewart: Sí, eso he oído. El territorio apache está a 1 día de caballo. ¿También es suyo?
Donald Crisp: No tengo problemas con los apaches. No quiero ladrones ni colonizadores sin escrúpulos, ¿qué es usted?
James Stewart: Ninguno de los dos.
Donald Crisp: Entonces, ¿qué es?
James Stewart: Vengo de Laramie.
Donald Crisp: Pues siga su camino, forastero. Pase por el rancho por la mañana y le pagaré lo que ha perdido.

Aflicción (Paul Schrader, 1997).

2011-01-11T18:39:00.006+01:00

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1998 fue un buen año para el escritor estadounidense Russell Banks (Massachussets, 1940). Dos películas- Aflicción y El dulce porvenir - basadas en sendas novelas suyas, se estrenaron aquel año, y vistas hoy, con la perspectiva del tiempo, pueden ser consideradas entre lo mejor que nos dió el cine en la última década del Siglo XX.
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Aflicción nos acerca al mejor Schrader, en otra de sus historias (guión propio sobre una novela que le va como anillo al dedo) en la que nos topamos con sus obsesiones recurrentes, con toda la densidad moral y la depuración estilística que le caracteriza. En ella encontramos esa búsqueda atormentada de una moral propia, la angustia ante la imposibilidad de canalizar de forma adecuada los sentimientos, asfixiados por férreas estructuras mentales, y la permanencia de una culpa esencial sólo superada por el acto último con el fuego redentor, una catarsis ritualizada a modo de purificación tras la cual queda la nada.
Wade Whitehouse (sonoro nombre para el personaje protagonista, un extraordinario Nick Nolte) es uno más en la galería de personajes atormentados recreados en la pantalla por el director de Mishima, un hombre solitario, un looser para sí mismo y para su comunidad que vive su calvario existencial como una olla a presión siempre a punto de estallar. Un individuo incapaz de escapar al destino familiar al que permanece aferrado como una maldición.
Film duro y sombrío, tremendamente pesimista, en el que la familia y el entorno juegan un papel castrador cuya única salida posible es la huida, representada por Rolfe (Willem Dafoe), el hermano menor de Wade.
Schrader filma el drama con una contención ajustada, dejando respirar lo necesario a los planos, haciendo del paisaje un apólogo moral de sus personajes, filmando ese blanco invernal de lugares nevados con una sensación de claustrofobia y encierro que agobia, llevando con elegancia formal el drama, de manera fluida y natural, hasta su desolador desenlace: la magnífica secuencia de Wade sentado en la casa paterna mientras al fondo, tras el cristal, las llamas devoran, sobre el fondo del inmenso manto de nieve, el cobertizo de madera donde está el cuerpo de su padre, es como un ritual antes del sacrificio. Después no quedará nada.
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Solo me queda recomendar también la otra adaptación de Russell Banks, El dulce porvenir, dirigida por Atom Egoyan, una emocionante y bellísima película sobre la ausencia y el dolor que produce, en la que el paisaje nevado tiene también su protagonismo.
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Un sin techo, un gafapasta y Jean-Luc Godard.

2011-01-08T15:33:00.007+01:00

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Leido en el blog de cine de Roger Morales i Puig, La Llanterna Màgica.
(La traducción del catalán al castellano es mía)
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" Domingo. Inmersos de lleno en las fiestas navideñas. El escenario, los cines Casablanca Kaplan. Unos cines que, por cierto, conservan aun un toque familiar que les hace parecer entre dejados y entrañables. Pero, vaya, éste no es el tema. No. En la cartelera dos películas: Cyrus de Mark Duplass y Film Socialisme de Jean-Luc Godard.
En la cola para comprar las entradas, 6 o 7 personas. Yo voy solo. Hay películas para las cuales no me atrevo a engañar a nadie para que me acompañe. Voy a ver la de Godard. Para que os hagáis una idea, esto es lo más comercial que ha hecho Godard en los últimos años. Mientras espero a que me den la entrada entra en el cine un ser extraño. Un sin techo con tres bolsas de plástico llenas de cosas en cada mano. Y por muy progres que seamos todos los que estamos en la cola, por muy progre que sea ir a ver una película al Casablanca, la reacción es de extrañeza, de incomodidad díría. ¿Qué hace éste aquí?
La cola avanza, cojo la entrada. Cuando llega su turno, el sin techo saca el dinero del bolsillo y coge una entrada. No sé si para ver Cyrus o Film Socialisme. Yo entro en la sala. Comienza la película y me olvido de él.
A mitad de película, mientras pienso que se ha de ser un cinéfilo muy militante para aguantar una película de Godard un domingo de fiestas, un modernogafapasta (yo que más que moderno soy pseudomoderno, aún no he dado el paso de comprarme unas gafas de pasta) no resiste más. Se levanta y abandona la sala. Yo aguanto hasta el final.
Acaba la película. Se ilumina la sala. Yo pienso en el por qué de todo lo que acabo de ver a través de la pantalla, pienso en si seré capaz de digerirlo y de sacar algo en claro. Me levanto. Y a la vez que yo lo hago, unas filas más atrás, se levanta el sin techo con sus bolsas de plástico.
Y no puedo evitar pensar que es increible ver como un sin techo decide gastar alguna de sus monedas en ver una película de Godard. Y no puedo evitar preguntarme qué debe pensar él cuando ve una de las últimas afirmaciones que hace Godard en su film: Cuando la ley no es justa, la justicia ha de pasar por delante de la ley. Y no puedo evitar pensar que si, como dice Angel Quintana, cada vez que Godard estrena una película, todo el cine, de golpe, envejece 20 años, este sin techo, con su gesto, seguramente, hace envejecer toda la sociedad, de golpe, 20 años.
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Roger Morales i Puig

http://www.lallanternamagica.com/

12 carteles que me gustaron de películas estrenadas en 2010.

2011-01-04T12:06:00.014+01:00

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Borden Chase, un guionista que nació con el siglo.

2011-01-03T18:44:00.003+01:00

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En la obra del guionista Borden Chase está presente la épica de la colonización, el Bien y el Mal enfrentándose en una sociedad de pioneros pero también en el propio interior de sus torturados héroes. Se le tiende a encuadrar entre aquellos que contribuyeron a la renovación y evolución del western sobre todo por sus tres películas con Anthony Mann y James Stewart.

Antes de entrar en contacto con el cine trabajó en los trabajos más dispares, desde chófer de un gángster a obrero de la construcción del túnel Holland en Manhattan. Su formación como escritor comenzo en el Saturday Evening Post. De allí saldría el serial The Chisholm Trail que daría forma posteriormente a su guión para Río Rojo. Persona de carácter difícil que fue clave en la modernización del género americano por antonomasia, sería definido así por Howard Hawks: "No se contentaba con escribir una historia sino que quería enseñarte cómo habías de dirigirla."Naturalmente su relación con el director de El sueño eterno no fue buena sino todo lo contrario.

Es pues, de vital importancia la aportación de Borden Chase al western. Escribió para Mann y Stewart los guiones de Winchester 73 (1950), Horizontes lejanos (1952) y Tierras lejanas (1955). En ellas el guionista incidía en una inclinación, a veces paranoica, de un antihéroe cegado por el odio, la venganza y las amistades rotas. Según parece, se entendió muy bien con el director de Colorado Jim, aunque éste llegara a decir que "Borden Chase ha sido durante mucho tiempo mi guionista ideal, pero siempre trabajaba demasiado en la misma dirección." Chase diría en una entrevista: "Me gusta trabajar con Mann más que con cualquier otro director", aunque añadió sobre Tierras lejanas que: "Mann respetó fielmente lo que yo había escrito y ningún escritor puede quejarse de que filmen lo que ha escrito... pero yo habría querido más, habría preferido que alguien lo hubiese mejorado. Este es el trabajo de un director, no cambiar las palabras, sino añadirles ese pequeño algo... Pienso que no era justo que yo hubiese ganado 50000 dólares mientras que Mann ganaba 75000 por dirigirla. De la manera que la escribí, yo mismo hubiera podido dirigirla". Pues sí, Hawks tenía razón, y pese a las discrepancias que mantuvieron con el guión de Río Rojo, con este trabajo Borden Chase se consagró en Hollywood como escritor del Oeste con esa historia de rivalidad / camaradería, amor / odio entre dos hombres, Dunson (John Wayne) y Matt (Montgomery Clift). En el guión original el personaje de John Wayne debía morir desangrado tras cruzar el Rio Rojo, pero Hawks dijo: "El Duke no puede morir", y reescribió el final con un epílogo de comedia. Para Chase aquello era basura.

Su relación con Vidor en el magnífico western La pradera sin ley no fue mejor. Firmó también el libreto de otra estimable muestra del género, Veracruz (1954), dirigida por Robert Aldrich.

En la época del boom de la TV a principios de los 60 trabajo escribiendo episodios para las series Bonanza, El Virginiano y Daniel Boone. Pero Chase no solo escribía para películas del Oeste, suyos fueron los excelentes guiones para 3 películas de aventuras marinas: El mundo en sus manos (Raoul Walsh, 1952), Los gavilanes del estrecho (Raoul Walsh, 1953) y Su Majestad de los mares del Sur (Byron Haskin, 1954). En ellas aparecían, como en los westerns, personajes caracterizados por su espíritu aventurero e individualista.

Colorado Jim (Anthony Mann, 1953)

2010-12-29T09:16:00.009+01:00

"Un western es una cosa maravilosa porque tomas a un grupo de actores que siempre han actuado en un escenario o en estudios cerrados y ahora los lanzas contra los elementos. Y los elementos les hacen mucho más grandes como actores que si estuvieran simplemente en una habitación porque tienen que gritar más fuerte que el viento, tienen que sufrir, tienen que escalar montañas... (...) ¿Por qué el western americano tiene tanto éxito en todo el mundo? Es porque un hombre dice: Voy a hacer algo. Y lo hace."

(Anthony Mann)

James Stewart y Anthony Mann rodaron juntos 5 westerns en poco más de 5 años -Winchester 73 (1950), Horizontes lejanos (1952), Colorado Jim (1953), Tierras lejanas (1955) y El hombre de Laramie (1955)-, en los que el actor encarnó a ambiguos antihéroes, hombres tenaces que luchan hasta el límite de sus fuerzas, incluso superando sus limitaciones, para lograr su objetivo. Es ésta una de las más personales aportaciones de Mann al género. Son personajes que huyen de su pasado, seres atormentados que se debaten entre la violencia y su reverso, individualistas y solitarios, en el fondo débiles aunque nunca se den por vencidos.

Colorado Jim es un western itinerante con 5 únicos personajes rodado todo él al aire libre en majestuosos escenarios naturales de las Monrañas Rocosas.

Howard (James Stewart), Ben (Robert Ryan), Lina (Janet Leigh), Roy (Ralph Meeker) y Jesse (Millard Mitchell) concentran la idea sobre la que se sustenta la película: la codicia como motor de sus actos. En ese camino que han de hacer unidos para llevar al forajido Ben (espléndido Robert Ryan) hasta Abilene para ser entregado a la justicia y cobrar la suculenta recompensa, unos y otros se vigilan , se acechan, buscando aprovechar cualquier momento de debilidad del otro. Entre esos personajes, la mujer se convertirá finalmente en una especie de conciencia de Howard y provocará en él su cambio de actitud final. Este itinerario le sirve a Mann y a sus guionistas Sam Rolfe y Harold Jack Bloom para construir un elaborado juego psicológico en el que predomina la palabra sobre la acción, con la que cada personaje busca sacar ventaja sobre el resto. Es un western que deja poco lugar para la identificación con el grupo casual de cazarrecompensas, unos seres que en realidad poco se diferencian del forajido Ben, al que pretenden entregar, pero no movidos por el altruismo o por un afán de justicia, para ellos es simplemente una importante suma de dinero. El único momento en que vemos actuar unido a grupo es por una simple cuestión de supervivencia al ser atacados por los indios pies negros que acaban masacrados en una secuencia de gran violencia.

Y como un personaje más tenemos el paisaje de las Rocosas. Apenas hay un plano de Colorado Jim que no esté dominado por un entorno natural majestuoso que es determinante en el desarrollo y resolución de la trama. Es magistral la utilización que hace Mann y su director de fotografía William C. Mellor de ese paisaje como elemento con el que los protagonistas han de enfrentarse para lograr su objetivo. Es un empleo funcional, nunca estético.

El duelo final en una escarpada montaña junto a un caudaloso río recuerda al de Winchester 73 y da título a la película, The Naked Spur, pues es una espuela la que sirve a Howard para escalar las rocas y al lanzarla al rostro de Ben, evitar que le mate. La secuencia de Ben apostado en el acantilado a punto de verse cara a cara con Howard que a duras penas está llegando a la cima rocosa es impresionante. En plano general les vemos a los dos con el río abajo, apenas les separan un par de metros pero ellos no se ven. Como en todos los westerns de Mann las imágenes transmiten una viva sensación de fisicidad.

Una puta en casa.

2010-12-25T11:21:00.004+01:00

Bésame tonto (Billy Wilder, 1964)

Kim Novak: Debería avergonzarse de su comportamiento. Pone usted carita de niño bueno y así engaña a la pobre gente que confía en usted.
Ray Walston: No lo entiende, usted no es para mí, es para él.
Kim Novak: ¡¿Quién es él?!
Ray Walston: Ése, el que está durmiendo.
Kim Novak: Oiga ¿a qué jugamos? ¿a botella borracha? Barney dice que no es para él sino para usted, y ahora usted dice que no es para usted sino para un amigo suyo.
Ray Walston: Llamarle amigo sería un poco exagerado, sería más bien una transacción comercial, y a él le gusta siempre tener plan. Por mí, que haga lo que le dé la gana, pero no con Zelda.
Kim Novak: ¿Quién es Zelda?
Ray Walston: Usted.
Kim Novak: ¿Yo?
Ray Walston: Mi mujer. Pero esta noche usted es mi mujer. Así que usted es Zelda.

Miradas: Murray Garrett.

2010-12-21T09:19:00.017+01:00

Más fotos de Murray Garrett aquí

De los nombres de los gatos.

2010-12-17T09:20:00.005+01:00

-- Audrey Hepburn: Pobre gato viejo. Pobre vagabundo. Pobre vagabundo sin nombre. No tengo derecho a ponerle uno. No somos dueños ni el uno ni el otro. Tan sólo nos conocimos. No voy a ser dueña de nada hasta que encuentre un lugar donde yo y las cosas vayamos juntas. No sé dónde está, pero sí cómo debe ser. Debe ser como Tiffany's.

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-- George Peppard: ¿Tiffany's? ¿La joyería?

-- Audrey Hepburn: Eso es. Tiffany's me vuelve loca. Oye ¿recuerdas los días en que tienes un bajón miserable?
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-- George Peppard: ¿un bajón miserable? ¿quieres decir una depresión?

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-- Audrey Hepburn: una depresión te da cuando engordas o cuando llueve, eso es todo. Los bajones miserables son terribles. De pronto tienes miedo y no sabes ni por qué. ¿nunca te pasa eso?

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-- George Peppard: Claro que sí.

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-- Audrey Hepburn: Cuando me siento así, lo único que me ayuda es coger un taxi e ir a Tiffany's. Me tranquiliza de inmediato. La paz y el orgullo que tiene. No puede pasarte nada malo allí. Si yo pudiera encontrar un lugar verdadero que me hiciera sentir como Tiffany's, entonces me compraría unos muebles y le pondría nombre al gato.

Valeria Bruni-Tedeschi, actriz y directora.

2010-12-14T10:51:00.012+01:00

Lo que menos interesa de Valeria es que sea la cuñada del estirado de Sarkozy. Seguro que no se llevan nada bien. Pasemos página.

Da Valeria Bruni-Tedeschi me quedo con sus profundos ojos azules de melancólica mirada, con esa forma que tiene tan liviana de aparecer y desaparecer, con ese charme y glamour tan francés para una italiana como ella, con su sonrisa desbordante, con su discreta distinción...

Nacida en Turín en 1964, vivió en Italia hasta los nueve años. Toda su adinerada familia se trasladó a Francia, en una época convulsa para Italia en la que el grupo terrorista de Las Brigadas Rojas extorsionaba a los magnates de la industria con la amenaza del secuestro de sus hijas. Así pues, prácticamente toda su educación es francesa. De hecho tiene la doble nacionalidad.

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Su formación como actriz se gesta en el Théâtre des Amandiers de Nanterre, donde daba clases Patrice Chéreau, quien la hizo debutar en el cine con Hotel de France (1987). A partir de aquí su filmografía no para de crecer, casi siempre a razón de más de una película por año, alternando Francia con Italia, aunque a partir del año 2000 su carrera transcurre casi en su totalidad en el país galo. Una lástima que muchas de ellas no hayan podido atravesar las duras fronteras de la distribución y no se estrenaran en España. Hasta ha tenido una incursión en Hollywood con un papel secundario en Munich (2003) de Steven Spielberg. Repetirá con su descubridor, Patrice Chéreau en dos películas muy diferentes: la histórica La Reina Margot (1993) y el drama Los que me quieren cogerán el tren (1997). También tiene un Chabrol en su filmografía, En el corazón de la mentira (1998), en la que interpreta a una sagaz policía. Pero donde más me gusta Valeria es en dos películas de temática parecida y muy distinta puesta en escena: 5 x 2 (Cinco veces dos) (2004) de François Ozon y Un couple parfait (2005) de Nobuhiro Suwa, dos películas sobre la crisis de una pareja, bastante superior la del director japonés.
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Pero no solo es actriz Valeria, también ha dirigido dos películas de marcado tono autobiográfico (ella misma interpreta en las dos a la protagonista y su propia madre, Marysa Borini hace de su madre en la ficción): Es más fácil para un camello... (2003) que tuvo un considerable éxito en Francia además de ganar el Premio Louis Delluc a la mejor ópera prima y Actrices (2007).
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Filmografía de Valeria Bruni-Tedeschi en Filmaffinity

Alegría por Mónica Bellucci, un poema de Batania.

2010-12-09T12:39:00.004+01:00

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Cuántas veces
Madrid,
tardes de esparto y color
sucio, mirlos y lunes
gritando, bares
de piedra y torcedura,
he pensado
dejarte,
borrar el turrón duro
de tus ojos, subir
a mi alfombra
de magia y con una
manzana en la mano
seguirla a
Perugia,
Milán,
París,
Cannes,
Berlín,
seguirla a
Hollywood,
Melbourne,
Tokio,
Moscú,
Nueva York,
dejar de una vez
mi vida de miércoles,
mis sueños de miércoles,
mis noches de miércoles,
y salir en busca
de la mujer
cuyo nombre,
Monica Bellucci,
siempre va solo
en el mismo verso,
la mujer cuyas letras,
Monica Bellucci,
nunca se unen
a otras
en el mismo verso,
la mujer fiesta,
la mujer rojo,
la mujer beso,
la mujer que vive
siempre en domingo,
en domingo barco,
en domingo tigre,
en domingo siempre,
cuántas veces
he pensado dejar
tus bolardos,
Madrid,
dejar tus calles
y paredes manchadas
de blanco,
dejar de una vez
mi dudosa
poesía
y partir en busca
de la suya,
su eterna y segura
y perfecta poe
Monica.
´
´

Batania

http://batania.blogspot.com/

Dirigido por ... Zhang Yimou (II). De Keep Cool a La Maldición de la Flor Dorada.

2010-12-08T11:31:00.003+01:00

Con Keep Cool (1997) Yimou demuestra que lo suyo no es seguir por una senda trillada y sorprende a todo el mundo con una ruptura radical de estilo. Aquí todo es urbano, moderno, frenético, la cámara no deja de moverse, el montaje es cortante en ese recorrido por la China urbana contemporánea, rodaje en Pekín incluido, un mosaico impresionista que no gustó a las autoridades chinas que prohibieron su exhibición en Cannes, aunque una copia clandestina pudo ser proyectada en el Festival de Venecia donde este radical giro no fue muy bien recibido y se fue sin premios. Es la primera película del director sin Gong Li tras la ruptura de la pareja.

Su ritmo de trabajo prosigue incansable y en 1999 tiene listas ¡2 películas!: El camino a casa y Ni uno menos. En El camino a casa no hay ninguna pretensión de renovación o ruptura. Es tan solo la conmovedora historia de un amor contada con ternura, limpieza formal y clasicismo. A través de un relato situado en el mundo rural se aprecia un enfrentamiento entre tradición y modernidad. mientras que la vida actual está retratada en un desvaido blanco y negro, el relato central sobre el noviazgo entre la joven del pueblo y el maestro que viene de la ciudad, está fotografiado en preciosos colores. En El camino a casa Yimou extrae auténtica poesía visual de una trama simple en la que el director recrea paisajes e interiores, ceremonias y rituales, vestuarios, rostros, gestos y miradas, logrando un film de serena belleza. Una jovencísima Zhang Ziyi debuta en el cine en esta película.

En Ni uno menos, Yimou, recupera el ámbito rural y el tono documental de Qiu Ju, una mujer china llevándolo un paso más: no hay actores, todos hacen de sí mismos. El director chino quiere ser lo más cercano posible a los personajes. Casi todos los diálogos se van improvisando día a día. La trama no puede ser más simple: una niña de 13 años tiene que sustituir al maestro de una aldea que se debe ausentar por un mes. Sus relaciones con los alumnos, algunos apenas 3 años menores que ella, son difíciles. Eso, y su aventura en la ciudad en la búsqueda de un alumno que ha ido allí a buscar trabajo, es todo su argumento. Con un estilo deudor del Neorrealismo (aquí vuelve a utilizar la cámara oculta) Ni uno menos se erige como una película de de sentimientos directos, un canto a la solidaridad y la esperanza aun en los medios más duros.

En Happy Times Zhang Yimou incide en los ambientes urbanos de Keep Cool añadiendo esta vez un tono cómico de comedia costumbrista hasta ahora inexistente en el cine del director. La narración es sencilla, la puesta en escena funcional. Hay momentos que parecen un homenaje al Chaplin de Luces en la ciudad.

Con Hero y las 2 películas que le siguen, La casa de las dagas voladoras y La Maldición de la Flor Dorada, vuelve a dar un giro a su filmografía. Son películas de alto presupuesto, movimientos de cámara espectaculares, multitud de extras, tono operístico para, en el fondo, historias intimistas de arrebatadora belleza plástica y gran riqueza visual. Cine para ver y disfrutar en una pantalla lo más grande posible. Películas que manejan una especie de star system asiatico: Jet Li, Tony Leung, Maggie Cheung, Zhang Ziyi, Takeshi Kaneshiro, Andy Lau, Gong Li, Chow Yun-Fat.

Hero (2003) pone en escena con apabullante brillantez formal un wuxia (tradicinal aventura épica de artes marciales). El tratamiento dramático del color vuelve a ser aquí uno de los puntos fuertes, aunque esta vez de manera menos sutil, pero eso sí, de una belleza visual impresionante. Es una película que juega con el punto de vista al modo del Rashomon de Kurosawa, pero, como hija de la posmodernidad que es, se apunta a explorar la línea de esas películas que cuestionan el status del propio relato manipulando su condición ortodoxa. Así, podríamos interpretar Hero, como un juego mental en el que nada de lo que vemos debe ser tomado como algo real o cierto. Es Hero un film esencialmente visual, un disfrute de los sentidos, una película para ver más de una vez.

La casa de las dagas voladoras (2004) continúa la senda iniciada por Hero. Esta vez las fantasiosas coreografías de luchas de artes marciales envuelven una preciosa historia de amor a tres bandas en la que romanticismo y fatalismo se dan la mano. De nuevo luce el virtuosismo de Yimou (la escena coreográfica en la Casa de las Peonias), otra vez los colores (esas secuencias en el bosque de bambú). La película funciona con una mayor coherencia dramática que Hero, que por momentos, parecia una sucerión de extraordinarias set pieces.

La tercera de esta imposible trilogía es La Maldición de la Flor Dorada (2006) y supone el reencuentro con Gong Li. Es otro espectáculo multicolor, de coreográficas batallas, dentro de un esqueleto de drama shakespereano de intrigas palaciegas puntuadas por breves y llamativos estallidos de violencia. Para mi gusto, un punto por debajo de las dos películas anteriores.

Las contradicciones de una sala de cine vacía.

2010-12-04T16:12:00.004+01:00

Leído en el muy recomendable blog de Xavier Vidal Cinoscar & Rarities:

Es un gustazo ver una película. La gente no lo suele entender, pero concibo el cine como una experiencia un tanto egoísta. La pantalla y yo: esos son los protagonistas. Hubo un tiempo que buscaba esas sesiones en las que las salas parecen quedarse desiertas: en términos cinéfilos, horarios matinales o primeras sesiones. Hay sin duda mucha gente totalmente adicta al atractivo de la sala de cine vacía. Ver una película solo, a oscuras, es casi un acto de rebeldía, y más cuando la sala de al lado cuenta con gente entre sus butacas. En esos momentos sólo se oye el crepitar de las imágenes. El cine debe ser un lugar de sosiego, y los fotogramas de la pantalla la única y más importante acción. Es como viajar solo. En esos momentos, si la dicha es buena y la película acompaña, la conexión entre lo visto y nuestros ojos puede ser total. Todo sin que la señora de dos filas más abajo vaya replicando cada decisión o frase de la protagonista (eso me ocurrió con Babel). Sin que tengamos que ver cómo algunos espectadores abandonan la sala al comprobar que esperaban otra historia. Sin aguantar a niños ni mayores, ni el crujido de las palomitas o el molesto sonido que deja la pajita del refresco cuando la lata ya está vacía. Ni qué decir del ritmo que deja masticar chicle. Nunca he podido ver y comer. En el cine reflexiono, no por obligación ni por oficio, sino de manera involuntaria. No concibo el cine de otra manera. Hace poco me preguntaba por qué siempre recuerdo en qué cine e incluso en qué sala de ese cine vi una u otra película. Puede que me guíe por un instinto friki que soy incapaz de dominar ni describir, pero también me mueve el respeto que tengo hacia la sala de cine. Como espacio y como modo de vida. Porque cada sala tiene su arquitectura y su magia. Ver una película en la sala 1 o en la 3 deja de ser algo casual para contener todo el sentido del mundo. Y como la sala es un lugar de culto, aun a sabiendas de que soy el único espectador presente, no puedo tumbarme, poner las piernas en los respaldos contiguos o similares. Hay otra certeza que, en el fondo, me aterra. Creo que las mejores películas de los últimos años las vi solo, o al menos con muy poca gente en la sala de turno. Porque la sala de cine vacía se llena, paradójicamente, de anécdotas. Esa sesión de Dogville con 10 personas, aunque yo fui el único que vio el final. El pase de Caché, en el que los cuatro gatos que habíamos madrugado ese domingo de febrero gritamos al unísono cuando Maurice Bénichou se corta el cuello con una navaja. Y así hasta infinidad de tramas, algunas más complejas que las que en su día ideó el guionista o director. La sala de cine vacía es un lujazo...

Pero una sala de cine vacía, irremediablemente, es síntoma de que algo ha sucedido. ¿Qué sentido tiene ver una película sólo, si la modernidad ya ha traido consigo los home cinema a nuestras casas? A veces pienso que por cada sesión sin entradas vendidas, alguien pierde su puesto de trabajo. Ha fallado el marketing, la película no ha sabido encontrar su público potencial o las cintas 'de al lado', las de las salas colindantes, han ejercido un poder catalizador de público. Porque, si cada semana se estrenan infinidad de títulos, es casi un defecto del sistema que los multicines tengan salas vacías. A veces, y aunque nos pese a los que somos cinéfilos, hay películas que no pueden ni deben salir de las grandes capitales, ya que cualquier intento por llenar la cartelera de cines más modestos acaba en la incomprensión del público (por este motivo, no podré ver Biutiful o Neds hasta el año que viene). Hay que educar al público a ver cine, y no parece que el entorno perfecto sea una sala vacía. Pero no hay nada que se pueda predecir ni un cine que esté predestinado a la sala vacía: no tardaríamos demasiado en citar grandes producciones que acabaron sin pena ni gloria y propuestas más modestas que estuvieron semanas y semanas en cartel. Sea como sea, una sala de cine vacía debería entenderse como un mal común que repercute a todos, un atentado contra la cultura y, sobre todo, una imagen triste que es también la estampa que define la crisis de toda la indústria cinematográfica. Por eso, cada vez que termino de ver una película en una de esas salas solitarias, pienso que la película ha quedado en la sala, sin generar un boca a oreja. Si al final las obras maestras las decide el gran público, es muy probable que genialidades que se han proyectado sin público pasen al anonimato. Aunque la historia también está llena de títulos incomprendidos que han llenado salas, pero solo posteriormente, incluso años después de su estreno (el caso de Blade Runner, que en el verano del 1982 perdió la guerra de crítica y público frente al éxito de E.T.). En resumen, la sala vacía de cine tiene su encanto y no deja de ser un reflejo tétrico de un problema mayor. Imposible no quererla, imposible no odiarla. Una contradicción, lo dicho.

Xavier Vidal de las Heras

Dirigido por ... Zhang Yimou (I). De Sorgo rojo a La joya de Shangai.

2010-11-30T21:44:00.006+01:00

Zhang Yimou es hoy en día, uno de los cinesatas asiáticos más conocidos y reconocidos en el mundo. El director chino es visitante asiduo de los principales festivales internacionales: Cannes, Venecia, Berlín, en los que sus películas han obtenido varios galardones. Algunos de sus films también han sido nominados al Oscar a mejor película de habla no inglesa.

Su postura crítica hacia el régimen político chino le ha llevado a más de un conflicto con su gobierno. Las autoridades chinas se han movido entre dos polos: la censura y las prohibiciones (Semilla de crisantemo y La linterna roja lo fueron en su país), y por otro lado, un intento de explotar y aprovecharse del prestigio del cineasta conseguido en los festivales internacionales. En los Juegos Olímpicos de Pekín 2008, él fue el encargado de las ceremonias (¡impresionantes!) de apertura y de clausura.

Zhang Yimou nació en 1950 y en su juventud padeció las consecuencias de la fatídica Revolución Cultural: cuando contaba 18 años tuvo que suspender sus estudios de secundaria y ponerse a trabajar en una granja, y más adelante como obrero en una hilandería.

Interesado por el Arte y la Fotografía, es rechazada su inscripción en el Instituto de Cine de Pekín al sobrepasar el límite de edad. Pero el joven Zhang no se arredra y alega que los años negros de la Revolución Cultural no deben ser tenidos en cuenta. Extrañamente, se acepta su reclamación y en 1988 Zhang Yimou se diploma como flamante director de fotografía, siendo enviado a trabajar a los estudios de su ciudad natal Xi'an.

Después de sus dos largometrajes como operador -El gran desfile y Tierra amarilla- para su compañero de generación, Chen Kaige, y otros trabajos poco conocidos fuera de su país, le llega la hora de su debut como director con Sorgo rojo (1988) con la que se llavaría, nada menos, que el Oso de Oro del Festival de Berlín.

Sorgo rojo viene a ser un esbozo de lo que deparará el cine posterior de Yimou y es también la primera de las colaboraciones con la gran Gong Li, la que será su musa y su compañera sentimental. Ju Dou, semilla de crisantemo (1990) es su siguiente propuesta, un melodrama sobre amores prohibidos en la China rural, rodado en interiores con un gusto impecable por la composición y el encuadre, y con un desbordante uso dramático del color -esas telas que ondean en la tintorería- que será marca de la casa. Esta especie de tragedia shakesperiana trasladada a un país y una época que todavía no había abandonado la era feudal, supone un importante salto cualitativo con respecto a su ópera prima y es su consagración a este lado del mundo, ahí es nada, nominada al Oscar y Espiga de Oro como mejor película en la Seminci de Valladolid.

Casi sin pausa, Yimou rueda La linterna roja (1991), su definitivo ascenso al Olimpo de los cineastas de moda (premio en Venecia: León de Plata, y Mejor Fotografía en Valladolid) y la decantación de un estilo inimitable que vuelve a incidir en la línea melodramática de sus anteriores trabajos. La trama discurre por entero entre los muros y estancias de un antiguo palacio chino y se convierten en la prolongación de los sentimientos de sus personajes. Impresionante la riqueza visual en texturas, colores, formas, encuadres. Impresionante Gong Li.

La linterna roja es un destilado de todas las virtudes atesoradas por Yimou hasta entonces, de su estilo, a la vez austero y pictórico, su tempo pausado, para retratar una dura historia sobre la dominación, sobre las apariencias y la realidad. Inolvidable la utilización dramática del color rojo por parte del director chino y la forma con que utiliza el paso de las estaciones para dar narratividad al relato.

Su filmografía prosigue a buen ritmo con Qiu Ju, una mujer china (1992) que supone en muchos aspectos una ruptura con su cine anterior, y la primera muestra de la versatilidad que demostrará el cineasta chino en su interés de no repetirse y buscar nuevos caminos. Es en primer lugar, un cambio de estilo. La película se alza como un documento de su tiempo, en dos planos, el frenesí de la ciudad (Yimou utilizó cámara oculta en la filmación de algunas escenas) opuesto a la calma del medio rural. El realismo es el fin. La sencillez y la espontaneidad el medio. Es también la primera vez que Zhang Yimou filma la China actual y es un cambio de registro en tanto que la comedia se desliza sutilmente por las imágenes de sus fotogramas: esa historia de Qiu Ju, una mujer terca que se obstina en conseguir una compensación legal por la patada con la que el alcalde del pueblo ha atentado contra la virilidad de su marido. Se mantiene como en las otras películas un punto de vista femenino, sus protagonistas son mujeres tenaces que luchan sin suerte en un mundo de hombres. Gong Li es Qiu Ju, muy alejada de los colores y adornos de La linterna roja . Embutida en gruesos ropajes que no ocultan su embarazo la actriz china vuelve a destacar en un papel en las antípodas de sus anteriores films con Yimou.

Su siguiente trabajo, ¡Vivir! (1994), aun no siendo una mala película, es una propuesta menos interesante, lastrada por un exceso de academicismo y por plegarse a los cánones del melodrama hollywoodiense. Es la historia de una familia china a lo largo de varias décadas del siglo XX, que atraviesan juntos todas las penalidades que son consecuencia de la moderna historia de China. El armazón narrativo, confrontar la historia individual con la Historia en mayúsculas, es algo mil veces visto. Hay una falta de riesgo que empaña algunos momentos aislados de gran belleza.

Su siguiente film, La joya de Shangai (1995), no consigue elevar el listón. En ella Zhang Yimou se adentra en el mundo de la mafia de Shangai de los años 30, pero a través de un personaje femenino, otra vez Gong Li, que acaba siendo víctima de su propia ambición. Al cineasta chino se le va algo la mano con un esteticismo vacuo. A su favor, una extraordinaia ambientación, el talento natural del director para el encuadre y un magnífico final, aunque nos quedamos con la sensación de que la película podría haber sido mejor.

(continuará)

The Grandmasters, lo próximo de Wong Kar-wai.

2010-11-25T11:49:00.005+01:00

Leído en el blog de filmin:

Quien haya visto "Ashes of time" sabrá que Wong Kar Wai es algo más que un director de melodramas ultrapoéticos. Las artes marciales son otra de las prioridades del creador de "Happy together" y a ellas ha vuelto a su biopic sobre Bruce Lee. Sí, así es. Wong Kar Wai ha dirigido un particular biopic sobre Bruce Lee cuyo título definitivo es "The Grandmasters" y sus definitivos posters internacionales también están ya listos...
"The Grandmasters" se desarrolla en la década de los 50, unos años en los que Bruce Lee aprendió la gran mayoría de sus técnicas de la mano de un maestro del karate que estará encarnado por uno de los actores fetiches de Wong Kar Wai, se trata de Tony Leung ("In the mood for love" y "Happy together"). El papel de Bruce Lee ha ido a parar a Chen Chang ("Tigre y dragón", "Red Cliff" y "2046"). El trío de grandes actores lo completa Zhang Ziyi ("Memorias de una Geisha").
Un biopic que empezó a idearse hace unos cuantos años y que entre otros imprevistos sufrió uno clave en el 2004, justo antes de comenzar su rodaje. Su musa principal, Tony Leung, sufrió un aparatoso accidente esquiando que le mantuvo fuera de circulación seis meses. Contra viento y marea este mismo año se puso de nuevo el proyecto en marcha encontrando, como no, nuevas dificultades. Los escándalos de Zhang Ziyi, el mal tiempo en Guangdong (donde se rueda la película), y una nueva lesión de Leung mientras entrenaba para el papel parecía complicarlo todo aún más si cabe...sin embargo, el que parecia el proyecto maldito de Wong Kar Wai cada vez esta mas cerca de ver la luz. Comienza a promocionarse y ya lo hace con nuevos y definitivos posters internacionales.
La película se espera para el Festival de Cannes 2011....¿Llegará?

Joan Sala (filmin)

Miradas: Marylin Monroe en la cámara de Harold Lloyd.

2010-11-22T19:17:00.003+01:00

Lady Chatterley (Pascale Ferran, 2006)

2010-11-19T18:55:00.005+01:00

D. H. Lawrence escribió tres versiones de El amante de Lady Chatterley. La más conocida, la que lleva dicho título, es la tercera, y la que su autor consideró como definitiva. El método de trabajo del escritor era cuanto menos, curioso. Entre una versión y otra dejaba reposar el manuscrito varios meses. Cuando volvía a hacer la siguiente, no partía de la anterior para hacer modificaciones, sino que escribía íntegramente una 2ª versión y luego una 3ª con una trama, unas situaciones y unos personajes comunes, pero nada era exactamente igual, hay bastantes diferencias entre ellas en el número de páginas. Finalmente estamos ante tres obras autónomas y coherentes de la primera a la última página.

.Pascale Ferran adapta en Lady Chatterley la segunda de las novelas de Lawrence, la que editó Gallimard con el título de Lady Chatterley y el hombre de los bosques. Esta versión es la más reducida de las tres y la más simple y frontal en cuanto al tema, centrándose en la relación entre Constance y Parkin.

En su traslación a la pantalla, la directora francesa descarta jugar a la baza del melodrama - el amor contra la sociedad- y en la sobriedad y sutileza de sus imágenes apenas hay lugar para la oposición, y menos aún para el drama. En cuanto a la otra característica con la que siempre se asocia la novela de D. H. Lawrence, el erotismo, la película de Ferran se mueve a contracorriente: ni lo representa al modo típico y tópico con música supuestamente romántica, fundidos y ralentís, ni tampoco se acerca al modelo más reciente, el de mostrar el deseo como una pulsión animal más allá de las convenciones. En los seis encuentros entre Connie, Lady Chatterley, y el guardabosques Parkin hay ternura, hay conocimiento propio y conocimiento progresivo del otro, hay descubrimiento y aprendizaje, y sobrevolando sobre todo ello está una cierta incomodidad provocada por las diferencias de clase. Pero la directora francesa no pretende disertar sobre sexo y relaciones de clase. Más bien se trata de contarnos un proceso de pérdida de la inocencia y de aprendizaje conducido por la curiosidad y el asombro, que acaba transformándose en intimidad y química sexual y amorosa. El deseo se convierte en la puerta que conduce a Constance a descubrirse a sí misma y a descubrir la vida, como esa verja que separa el jardín de la mansión de la zona del bosque y que, cuando Lady Chatterley la cruza se siente parte de esa salvaje naturaleza, y se siente viva.

Pascale Ferran otorga a la naturaleza un papel omnipresente en el relato y su puesta en escena. Está allí, cambiante como los amantes, es un elemento que le sirve para mostrar el paso del tiempo. La belleza de las flores, los árboles, el cielo, el agua que corre, la voluptuosidad de la naturaleza está filmada con delectación y asombro ante los ojos de Connie, que se corresponden con los del espectador. La bella escena del descubrimiento del cuerpo semidesnudo del guardabosques lavándose junto a la cabaña frente a la azorada mirada de Lady Chatterley, es la de un hombre que forma parte de su medio natural, que está inmerso en él como parte de una soledad construida a conciencia. Todo sucede entre esos dos mundos que habita Constance, la mansión y la cabaña. Entre esos dos espacios, el bosque, lugar de tránsito, de la razón a la emoción, camino de liberación y de transformación. Y en ese espacio en el que la naturaleza reina en todo su esplendor, sus sonidos son parte fundamental. Queda para el recuerdo la escena de la tormenta, con los dos cuerpos desnudos persiguiéndose, y la cámara a ellos de manera vertiginosa, en una secuencia en la que Pascale Ferran parece estar rindiendo tributo a los impresionistas franceses.

Es Lady Chatterley un relato de iniciación y descubrimiento, de cómo el deseo viaja hasta el amor, contado con los elementos justos -tal vez chirría una voz en off que aparece de vez en cuando sin venir a cuento- y con un ritmo minucioso en el que los silencios tienen tanta importancia como las palabras.

Rostros.

2010-11-17T18:49:00.021+01:00

Son grandes actores, gente que engrandece con su trabajo películas, que a veces, les desmerecen. Es raro verlos encabezando el cartel, pero también tienen sus momentos de gloria. Son profesionales -como en aquella película de Richard Brooks-, profesionales del cine, rostros curtidos en el cine indie, en las producciones de los grandes estudios, en el cine de autor o en el telefilm de sobremesa. Son caras más o menos conocidas, que podrían pasar inadvertidas en cualquier ciudad del mundo. No son grandes estrellas ni saldrán nunca en la portada del Fotogramas. Para disfrutar en su totalidad de su trabajo, imprescindible escuchar su propia voz, en V.O.

CHRIS COOPER

DANNY HUSTON

DAVID STRATHAIRN

ED HARRIS

ELIAS KOTEAS

JOHN GOODMAN

JOHN C. REILLY

JOHN TURTURRO

MICHAEL MADSEN

PHILIP SEYMOUR HOFFMAN

RAY WINSTONE

RICHARD JENKINS

TOM WILKINSON

WILLIAM H. MACY

La dignidad del verdugo.

2010-11-15T19:37:00.004+01:00

El verdugo (Luis García Berlanga, 1963)

-- Pepe Isbert: Siempre la misma historia. Somos incomprendidos. El tío, dándome el reloj me dijo: "maestro...

-- Empleado de la funeraria: ... pero, ¿ya sentado en la silla y con los hierros en el... ?

-- Pepe Isbert: Sí, aguarde, ... maestro, me dijo, tome un recuerdo, y perdone que haya tenido que molestarle a estas horas.

(...)

--Pepe Isbert: Me hacen reir los que dicen que el garrote es inhumano. ¿Qué es mejor, la guillotina? Usted cree que hay derecho a enterrar a un hombre hecho pedazos.

-- Nino Manfredi: No, yo de eso no entiendo.

--Pepe Isbert: Porque usted es un hombre de bien. Hace falta respetar al ajusticiado, ¡que bastante desgracia tiene!

Ludivine Sagnier, ¿la nueva Huppert?

2010-11-12T18:27:00.008+01:00

Nacida en 1979, Ludivine Sagnier es ya toda una veterana en esto del cine. Con sólo 10 años ya estuvo en Je veux rentrer la maison (1989) de Alain Resnais, y con 11, se la veía al lado de Gerard Depardieu en Cyrano de Bergerac (1990). Realiza estudios en el Conservatorio de Arte Dramático de Versalles. Pero lo suyo no es vocación. Al principio no tiene claro que quiera ser actriz. Pero poco a poco se va metiendo. Cuando tiene 16 años comienza a hacer teatro y se siente cada vez más a gusto en el escenario, le divierte. Actúa en varios cortometrajes. El director François Ozon la ve en uno de ellos y se queda con su nombre. Le llama y le da su primer papel importante. Es en Gotas de agua sobre piedras calientes (1999), basada en una obra tetral de Fassbinder. Ozon sabe captar su lado sensual y lolitesco y ya no le perderá la pista.

Volveran a trabajar juntos en 8 mujeres (2002) y Swimming Pool (2003). La primera es un whodunit musical en la que Ludivine comparte decorados con varias actrices de distintas generaciones que son historia viva del cine francés, ahí es nada: Catherine Deneuve, Danielle Darrieux, Fanny Ardant, Isabelle Huppert, Emmanuelle Béart y Virginie Ledoyen. Swimming Pool la convierte en un símbolo sexual, al menos en su país. Gran parte de la película la pasa Ludivine luciendo tipo en bikini en la piscina, cuando no mostrando sus espléndidos pechos. La película contrapone a dos mujeres totalmente diferentes. La Sagnier es Julie, una chica sexy, instintiva, a la vez salvaje e ingenua. Charlotte Rampling , es Sarah, una escritora cerebral y rígida. Esa relación le sirve a Ozon para evocar a la vez una relación madre/hija y la de actriz veterana / actriz debutante.

Tras Swimming Pool le llueven los proyectos en los que abundan sus escenas con escasa ropa. Ella prefiere probar otros rumbos, como el musical Les chansons d'amour (Christophe Honoré, 2007). Claude Chabrol se fija en ella cuando interpreta a Campanilla en Peter Pan (P.J. Hogan, 2003) y le ofrece un papel a medida en Una chica cortada en dos (2007). "Tú que has interpretado a Campanilla sabes lo que significa estar radiante y luchar contra viejos piratas y eso es vital para este personaje" le explicó el director recientemente fallecido. A Ludivine le intimidaba al principio el trabajar con Chabrol, ella que venía del universo de François Ozon, admirador confeso chabroliano. La película es otra de las reflexiones del cineasta francés sobre el mundo de las apariencias y la hipocresía, sobre la falsedad que anida en nuestra sociedad. Ludivine Sagnier acapara casi todos los planos del film. Y es que a Chabrol siempre le han parecido más interesantes los personajes femeninos.

Dice Ludivine que querría llegar a ser como Isabelle Huppert, Catherine Deneuve o Jeanne Moreau, cuya filmografía es puro coleccionismo de grandes directores. Su sueño es envejecer como ellas. Todavía es demasiado pronto, pero está en el camino.

Hoy empieza todo (Bertrand Tavernier, 1999).

2010-11-09T17:59:00.004+01:00

Bertrand Tavernier, además de ser un narrador excelente, es un hombre que a pesar de los años, conserva intacto un juvenil espíritu contestatario, que se ha visto reflejado en la evolución de su filmografía. Unas veces con acercamientos críticos al pasado de su país, La vida y nada más (1989), La guerre sans nom (1991), Capitán Conan (1996), Salvoconducto (202). Otras con incisivas puyas a la sociedad actual, La muerte en directo (1980), Ley 627 (1992), La carnaza (1994), La pequeña Lola (2004).

En Hoy empieza todo auna la voluntad de denuncia de una grave situación social con su talento como narrador en imágenes. Hoy empieza todo podría ser el leit motiv en la vida de Daniel Lefevre (Philip Torreton), director y maestro en una escuela rural infantil situada en un pequeño pueblo de una zona minera del Norte de Francia devastada por el desempleo provocado por el cierre de las minas y el fracaso de las políticas de reconversión industrial. Cada nuevo día supone para Daniel una jornada más de extenuante lucha contra todo y contra todos. Es un hombre honesto, un profesional que quiere hacer bien su trabajo y que defiende ante todo la dignidad y la igualdad para que las cosas funcionen. Además de su tarea docente con los niños, la única que le proporciona buenos momentos, está su función directiva, que le desborda, teniendo en muchas ocasiones que ejercer de mediador en conflictos, de asistente social ante los problemas urgentes que le rodean, desempleo, alcoholismo, absentismo escolar, amenazas de desahucio, depresión, maltrato... Daniel debe luchar también con la indiferencia y la falta de apoyo de la Administración local y estatal hacia la educación y la asistencia social. Su actitud de justicia y rebeldía le hace ser una persona molesta para unos burócratas totalmente alejados de la realidad. A ello se unen sus propios problemas personales como la relación de amor/odio que mantiene con su padre, minero jubilado con el que apenas se comunica, o sus diferencias con el hijo de su pareja (Maria Pitarresi).

Hoy empieza todo organiza su relato alrededor de tres vertientes perfectamente entrelazadas. Tenemos de un lado el trabajo en las aulas sel director/maestro, su día a día en su relación con niños y padres, las inevitables repercusiones que la crítica situación social tiene en el trabajo de la escuela. En segundo lugar, el retrato de una sociedad deprimida, a nivel social, económico, y también psicológico. Y por último, la propia vida familiar y de pareja de Daniel Lefevre en la que repercute el contexto en el que se mueve. Utilizando estrategias del cine documental, Tavernier realiza una lúcida radiografía social, apoyado en un sólido guión, escrito en colaboración con su hija Tiffany y con Dominique Sanpiero, antiguo director y maestro de escuela reconvertido a escritor y guionista que aporta su experiencia personal. El director francés sabe contar con sencillez y claridad expositiva toda la complejidad de la trama evitando en todo momento caer en posturas demagógicas. La mayor parte de los personajes -padres/madres, niñas,/niños- son interpretados por los propios habitantes del lugar. La cámara en mano se introduce en las aglomeraciones a la salida de la escuela y capta fragmentos de las conversaciones. Contando con un guión sobre el que trabajar, Tavernier deja el camino libre a la improvisación de cara a conseguir la mayor verosimilitud. Philip Torreton está excelente, se sabe mover con soltura entre los niños actores. Su personaje trata de no resignarse y resistir, buscar una mejora en las pequeñas cosas, no perder la esperanza en lo que hace. Es evidente la empatía que el director siente hacia su protagonista, auténtico héroe de su tiempo en el que Tavernier refleja su toma de postura: la dignidad y el sentido de la justicia como norma moral de comportamiento. Por eso, al final Daniel aceptará tener el hijo, porque al fin y al cabo, de ellos es el futuro, y ese Hoy empieza todo está en el fondo, pintado con los colores de la esperanza.

Una historia verdadera (The Straight Story) (David Lynch, 1999).

2010-11-07T18:29:00.004+01:00

The Straight Story supone un paréntesis en la trayectoria de David Lynch, al menos en lo temático, toda vez que se aparta de los escenarios urbanos para rodar una especie de road movie a 10 km/h. cuya acción se sitúa en algun remoto lugar de la "América profunda", más concretamente entre Iowa y Wisconsin.
Alli donde Corazón salvaje era rápida, agitada, rock'n'roll, Una historia verdadera es lenta, contemplativa, country (a resaltar la magnífica banda sonora compuesta por Angelo Badalamenti). La película avanza al ritmo de su protagonista, Alvin Straight, y su viaje en una máquina cortacésped para reconciliarse con su hermano que ha sufrido un ataque al corazón. Lynch saca su paleta para pintar el paisaje norteamericano: planos aéreos de campos de maíz, los gamos (objeto de una peculiar escena muy "lynchiana" con la mujer que los atropella cada día), la tormenta, el viento llevándose el sombrero de paja del viejo Alvin, el cielo, la noche estrellada, pero también las bicicletas, los camiones, la maquinaria agrícola ... Referencias pictóricas siempre presentes en el cine de David Lynch que aquí tienden más hacia los paisajistas norteamericanos.
Pero no sólo de paisajes físicos trata Una historia verdadera. El viaje de Alvin está sembrado de encuentros que permiten que la palabra y la memoria se liberen en un fuego bajo las estrellas o en un bar de carretera. Los recuerdos de guerra, los pequeños grandes dramas cotidianos alrededor de su hija Rose (extraordinaria Sissy Spacek), las disputas pretéritas con su hermano (Harry Dean Stanton), se van haciendo dolorosamente presentes en este viaje a la vez físico y moral, exterior e interior.
Al final el cabezota Alvin se sale con la suya en contra de la opinión de todos, y a pesar de todos los obstáculos y contrariedades del camino consigue llegar junto a su hermano. En una emocionante secuencia llena de silencios y conversaciones aparentemente triviales, los dos hermanos se reconcilian y se preparan para la muerte.

Max Ophüls visto por ...

2010-11-02T10:02:00.006+01:00

" A Ophüls le gustaba el movimiento. Él mismo siempre se movía. Hablaba mientras caminaba. Sólo concebía la vida en movimiento, el movimiento de los actores y los movimientos de cámara de los que tanto se habló "

(Alain Douarinou, operador de cámara)

" En una proyección, viendo una secuencia, nos hizo parar y dijo: ¡Habéis cortado en pleno travelling!. Contesté que sí. Me dió la sensación de que le había dolido, como si le hubieran cortado un dedo o una pierna. Sufría, no concebía que se cortara un travelling. "

(Boris Lewin, montador)

" Le daba horror la línea recta, creo que para él, el mejor camino para unir dos puntos era la línea curva. "

(Christian Matras, director de fotografía)

" Creo que la razón por la que estaba apasionado por Danielle Darrieux era porque encajaba perfectamente con su visión, no ya de la mujer, sino de la feminidad. La notaba frágil, frívola en un sentido serio y sutil. Le encantaba esa frivolidad seria. Es un arma de la mujer contra la mujer objeto. "

(Marcel Ophüls, director de cine, hijo de Max)

" Un día me dijo algo muy propio de él: Danielle, usted tiene tal sentido cómico que siempre debería interpretar papeles dramáticos. Muy Ophüls. "

(Danielle Darrieux, actriz en Madame de ..., Le plaisir)

" Ophüls era un hombre delicadísimo, delicado de sentimientos y elegante. No le gustaba la vulgaridad. No la quería. "

(Vittorio de Sica, actor en Madame de ...)

" Creo que es el mejor director que conozco, fue una suerte rodar con él porque les pedía mucho a los actores, pero dirigía tan bien... Era muy duro y muy exigente, pero compensaba. Les enseñaba a todos los actores. Sobre todo en Lola Montes, que no era un papel para mí. Me daba miedo ese personaje tan sorprendente. Pensaba que no podría interpretarlo. Fue él, armado de mucha paciencia quien me ayudó. Hay que reconocer que tenía mucho encanto. Sentí el personaje porque Max me acostumbró a él. Fue duro, pero dí todo lo que pude por primera vez. Las dos primeras semanas me costó mucho. Luego me convertí en ella. Sólo hablaba de ella. Me pasaba el tiempo con Ophüls. Sólo hablábamos de Lola. "

(Martine Carol, protagonista de Lola Montes)

" En una escena de Lola Montes estaban los enanos que se colgaban, bajaban y subían como los pistones de un coche al ritmo de la música de Georges Auric. De repente a uno de los liliputienses se le atascó el cinturón en el cuello. Todos creímos que se ahogaba. Fue la única vez que ví a Ophüls ponerse violento. Dijo, en alemán porque estábamos rodando en Munich: Que siga colgado hasta el final de la escena. Me metí mucho con él. Le hablé como si fuera de las SS. Se sonrojó, era muy sensible, y reconoció que se había pasado, pero quería tener ese plano. Era un diablo del cine. Hay muchos así, pero era el más amable que he conocido de esa raza para los que un plano puede valer más que la vida. "

(Peter Ustinov, actor en Lola Montes)

(Extractos del Documental "Max Ophüls o el placer de rodar" (Michel Mitrani, 1965)

Dirigido por... Max Ophüls

Miradas: Dennis Stock.

2010-10-29T19:17:00.009+02:00

Casablanca y Mogambo, dos poemas de David Jou.

2010-10-28T13:01:00.006+02:00

,
.
Casablanca
.
La niebla, el marido, el avión: ¡qué triple lejanía nos separa!

¡Otra vez la soledad amarga!
Ella se ha marchado.
.
Volver al esmóquing blanco, al club nocturno,
a la mirada fría y al aspecto taciturno:
¿qué más me queda?
Y tratar de ocultar al enamorado
que desde hace tanto tiempo habita en mí
-bien lo saben el whisky y la ginebra.
.
Y seguir,
hacerme fuerte y desdeñoso para resistir
muchos años más, quizás,este exilio de mi patria:
el amor de ella.
.
Oh pianista, volverás,
alguna noche de feliz estrella,
a anunciarme su llegada una vez más?
Será tarde, demasiado tarde:
los maridos se eternizan, las mujeres envejecen
y los enamorados quedamos en un raro mundo aparte
donde el paraíso -qué cruel- es sólo el peso
de recordar París y un beso, sólo un beso.
´´
-------------------------------------------
´´

Mogambo
-
Seré imparcial como un tigre: las dos me caen bien
-carne de primera-
pero el cuerpo de una de ellas
ha sido más trabajado por la intemperie del placer,
más penetrado por las estacas de la luna,
más endurecido por las lágrimas ocultas,
y se ha vuelto
desdeñosamente felino.
-
La otra, en cambio, todavía se sorprende,
me halaga con su mirada,
como si viera en mí un ídolo primitivo,
irascible y tosco pero valiente y sabio;
cuando la toco, cree que soy de fuego
y quisiera volverse madera para arder.
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Cuando toco a la otra, en cambio,
me confunde con la brisa y los insectos.
¡Hala, pues!:
¿a quién queréis que escoja sino a aquella
que me hace sentir grande como el misterio de la selva?
¿Por qué a la otra, a la más dura que yo?
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Pero, bien pensado, quizás sí.
Aquélla me arrancaría de mí,
querría llevárseme de Africa
y enterrarme en bienestar y melancolía.
La otra, en cambio, se quedaría:
¡ah, safari en la sabana cada día
y cada noche jugar a devorarnos!
-

Los ojos del halcón maltés. Poemas sobre cine.

David Jou

El Ciervo

Colección El hombre sentado

Barcelona

2002

Honrado Ciudadano de Occidente. Viaje al fascismo made in USA.

2010-10-26T13:38:00.004+02:00

Ciudadano Bob Roberts (Tim Robbins, 1992)

-- Kelly Noble: He de decirle que no me gusta su música, la encuentro ofensiva. No le votaría ni aunque mi vida dependiera de ello.

Buenos días Filadelfia. Hoy nos acompaña Bob Roberts, candidato al Senado por Pensilvania cantante folk. Nuestros televidentes tienen curiosidad por saber dónde empezó todo.

-- Bob Roberts: ¿Dónde empezó el qué?

-- Kelly Noble: ¿Empezó en una casita colonial con la mamá en su vestido almidonado y el papá con su traje a rayas?

-- Bob Roberts: ¿Se refiere a mi educación?

-- Kelly Noble: Sí.

-- Bob Roberts: He venido a hablar de otros asuntos, pero satisfaré su curiosidad. Nací y crecí en el seno de una familia de clase media, cerca de la capital del amor fraternal, Filadelfia. Mi padre era cocinero y mi madre pacifista. No tengo hermanos. Haga sus juicios si lo considera oportuno.

Creo que los 60 fueron una oscura mancha en la Historia de América. En aquel momento la anarquía y la inmoralidad camparon a sus anchas.

-- Kelly Noble: ¿Se refiere al Watergate y a la invasión de Camboya?

-- Bob Roberts: No, claro que no, me refiero a ustedes, a la anarquía y a la inmoralidad en el consumo de drogas y en las prácticas sexuales.

-- Kelly Noble: ¿Cómo dice?

-- Bob Roberts: Al desprecio en la prensa por las sagradas instituciones que han hecho de este país lo que es hoy en día.

-- Kelly Noble: ¿La protesta social es incompatible con nuestras leyes e instituciones?

-- Bob Roberts: Por supuesto.

--Kelly Noble: ¿Aunque esté garantizada por la Constitución?

-- Bob Roberts: También lo está quemar la bandera, ¿algo más?

-- Kelly Noble: ¡Claro que hay algo más! ¿Quiere que pensemos que Bob Roberts quiere una América obediente y silenciosa que acate todos los actos del Presidente por muy inmorales o ilegales que sean?

-- Bob Roberts: ¿Es usted comunista?

-- Kelly Noble: ¿Cómo dice?

Cuatro carteles promocionales del Black Swan de Aronofsky y Portman.

2010-10-23T15:43:00.006+02:00

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Black Swan es la última película del imprevisible Darren Aronofsky. El director de Pi (1998), Réquiem por un sueño (2000), La fuente de la vida (2006) y El luchador (2008) inauguró con este film la recientemente finalizada Mostra de Venecia. Allí se llevó de la crítica aplausos y palos a partes iguales, incluso por parte de un mismo crítico. Entre los adjetivos con que fue calificada Black Swan: desconcertante, arriesgada, enfermiza, obsesiva, descontrolada, esquizofrénica, deslumbrante, efectista ... En lo que sí coincidieron todos fue en la gran interpretación de una estelar Natalie Portman.

Como las leyes de la distribución cinematográfica son misteriosas e inescrutables, no sabemos cuando se estrenará la película, si en lo que queda de año, el próximo, el otro, o si realmente se estrenará en España. De momento, y para hacer boca, os dejo unos bonitos carteles promocionales de estilo art decó:

Remake (Roger Gual, 2005).

2010-10-20T15:44:00.006+02:00

Remake es el primer film dirigido en solitario por el barcelonés Roger Gual tras firmar Smoking Room (2002) en co-dirección con Julio Wallovits. Remake es una película del género reencuentro como podrían serlo la misma Reencuentro (Lawrence Kasdan, 1983), Los amigos de Peter (Kenneth Branagh, 1992) o Beautiful Girls (Ted Demme, 1996). Pero a diferencia de éstas, en las que los personajes redimen sus errores pretéritos, la sensación que deja el visionado de Remake es bastante demoledora.

Un grupo de ex-hippies reconvertidos en acomodados burgueses, ya superada la cincuentena, se vuelven a reunir en la masía donde formaron una comuna hippy en los 70, invitados un fin de semana con sus hijos -veinteañeros desorientados- , por Max, el único que ha permanecido allí fiel a sus principios. Pero ese encuentro solamente confirma la distancia que les separa de lo que fueron y el fracaso vital en el que sobreviven. Son seres enfrentados consigo mismos y también entre ellos en ese breve espacio de tiempo en que conviven en la casa de campo. Son gente que en su día escogió vivir de otra manera, más por ir a la contra que por unas claras convicciones. Y se montaron en el campo una vida paralela, con otros valores y otra forma de entender el mundo. O eso creían ellos.

El director catalán intenta, a través de este grupo de personas, y a través de sus hijos, explicar qué ha pasado entre estas dos generaciones, hablar de una generación que ha acabado traicionando aquellos valores; y hablar también de la generación de sus hijos, totalmente perdidos, y empeñados en echarles en cara sus errores y contradicciones. En el fondo Roger Gual está hablando de una crisis de valores inmersa en un clásico conflicto generacional. Para el realizador catalán nadie tiene la razón. Ni los mayores son peores personas por no haber conseguido cambiar el mundo y haber acabado presos de sus contradicciones, ni los jóvenes son mejores, perdidos en su mundo inmaduro de eternos adolescentes con unos valores que son más pose que otra cosa.

Remake va sobre la soledad y sobre la familia. Todos en el fondo somos, cada vez más, seres solitarios en esta sociedad de consumo en la que la convivencia resulta tan difícil. Al intentar cambiar el concepto y los valores de la familia tradicional, yendo contra lo establecido se llega muchas veces a la pura contradicción de repetir ese mismo modelo y fracasar al caer en los mismos errores que se critican.

La película tiene algo de autobiográfico y puede que también tenga algo de ajuste de cuentas, aunque Roger Gual no dé pistas sobre ello. Él vivió cuando tenía cinco años en una comuna hippy con su madre, pero afirma que sus recuerdos son escasos y que sólo lo utilizó como escusa argumental para hablar de convivencia, egoismo, conflicto generacional, formas de ver la vida...

El método de trabajo incluyó una semana de ensayos y de convivencia en la masía. El guión, obra de Roger Gual y Javier Calvo, muy trabajado, fue la base para que, una vez totalmente dominado por los actores, éstos lo hicieran suyo, se apropiaran de él y le aportaran su propia personalidad. Y es que el método de rodaje de Gual da prevalencia total a los actores, de los que busca extraer la naturalidad del fluir cotidiano de la vida. Para ello filma secuencias enteras de un tirón con más de una cámara y luego construye la película en la sala de montaje. El cine del director de Smoking Room se apoya en la palabra. Sus personajes no paran de hablar, son incapaces de permanecer en silencio. Pero esa verborrea nunca resulta forzada. Y ahí están un excelente grupo de actores, tanto los mayores, Juan Diego, Eusebio Poncela, Silvia Munt, como los hijos, Marta Etura, Alex Brendemühl, Gustavo Salmerón.

Remake es un reencuentro que no tiene nada de redentor. El poso final que deja este drama coral sobre la reunión de un grupo de antiguos amigos y sus hijos es el de la amargura. Gual no juzga a sus personajes, pero tampoco se compadece de ellos.
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La música del azar: Imelda May, "Johnny Got a Boom Boom".

2010-10-17T12:35:00.002+02:00

Imelda May es una cantante irlandesa a la que le gusta jugar con la imagen. Su estilo, en el que caben una relectura del rockabilly, el blues o las torch songs jazzísticas, luce perfecto con su peinado de bucle imposible, sus vestidos de tigresa, sus labios de rojísimo carmín y una voz potente que triunfa con estilos puramente americanos.

La cantante dublinesa comenzó su carrera en el grupo swing Blue Harlem. Antes había cantado en el coro de la iglesia y había hecho voces para anuncios. "Love Tattoo" es su primer disco y en él ha compuesto casi todas las canciones. "Johnny Got a Boom Boom" es un trepidante y trotón rockabilly con el que no puedes quedarte quieto. Un tema muy rítmico y vitaminado, propulsado por un poderoso contrabajo sobre el que cabalga la voz rasposa de Imelda May.

Ojos negros (Nikita Mikhalkov, 1987).

2010-10-12T11:26:00.004+02:00

Cuando era niño, Romano (Marcello Mastroianni) se tapaba los oidos para no escuchar la nana que su madre le cantaba para que se durmiera. Temía que al dormir iba a perderse las cosas mas maravillosas que iban a suceder.
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Ojos negros es una tragicomedia que cuenta la historia de un hombre que vive instalado en la mentira y es incapaz de salir de ella. Así, retrasa su vida, olvidando que sólo se vive una vez, y en un momento clave, cuando su felicidad depende de su capacidad de ser honesto consigo mismo y decir lo que piensa, cuando parece que va a dar el paso que le haga ser dueño de su vida, duda, le traiciona su cobardía, se repliega sobre sí mismo y prefiere seguir anclado en la rutina.
Nikita Mikhalkov se inspira en tres obras cortas de Chejov con el propósito de crear un ambiente chejoviano, ser más fiel al espíritu que a la letra del escritor ruso. El cineasta se sirve de los relatos del escritor para, aplicándoles unas gotas de humor y otras de drama, contar una historia de amores truncados, ilusiones perdidas, fracasos vitales, y de la evocación y la memoria herida.
La película relata en primera persona, mediante el uso de un efectivo flashback -Romano explica la historia de su vida al turista ruso- la historia de amor tan leve como intensa de dos amantes perdidos en su propia fragilidad. La estructura argumental de Ojos negros es susceptible de ser dividida en cuatro actos:
--- El 1º acontece en la lujosa casa de Romano donde vive con su mujer (Silvana Mangano). El personaje que interpreta Mastroianni deambula por ese ostentoso paisaje como si fuera el invitado que nadie desea. A Mikhalkov en este segmento, se le notan, a veces en demasía las costuras viscontinianas.
--- Un balneario termal al que acude Romano es el siguiente escenario. Allí conocerá a la dama del perrito, la rusa Anna (una frágil Elena Sofonova) y se enamorarán. Aquí es Fellini el que parece inspirar al cineasta ruso en escenas como la de la carrera de sillas de ruedas o la del recital de ópera en los jardines del balneario.
--- En el tercer acto Romano viaja a Rusia con el pretexto de conseguir financiación para instalar allí una fabrica de vidrio. El verdadero objetivo es volver a ver a Anna, que está casada, para declararle su amor y decirle estar dispuesto a dejarlo todo por ella. En esta parte abunda el humor, grotesco en ocasiones, que nace sobre todo de la falta de comunicación que provoca la barrera del idioma.
--- Finalmente, en la última sección, la más breve, Romano regresa a Italia para pedir el divorcio a su esposa y poder reunirse con Anna. Pero ...
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Mikhalkov opone al drama, que nunca llega a estallar, un tono de melancolía pegadiza, a la tristeza implícita de la narración, una alegre levedad, para evocar en última instancia, algo tan duro como el fracaso vital de un hombre que ha amado pero no ha sabido entregarse. Y ese hombre, Romano, no podría ser otro que un soberbio Marcello Mastroianni. El gran actor italiano crea un personaje inolvidable, que a pesar de resultar patético y hasta ridículo, inmaduro y frágil, mentiroso, consigue conquistarnos como conquista a Anna, por esa manera casi infantil de afrontar la vida. esa forma de utilizar la palabra como instrumento de seducción.
Para acabar, señalar dos aspectos que restan a Ojos negros, que le bajan la nota y que chirrían cada vez que la veo:
- La música excesiva de Francis Lai, que parece haberse equivocado de película. No sólo eso, hay veces en que la magia de algunas secuencias se ve enturbiada por los sones del susodicho Lai.
- (SPOILER) No me gusta el plano final, me parece que sobra. Es evidente que la mujer con la que se ha casado el viajero ruso es Anna. Mikhalkov nos lo ha descubierto con la utilización de los reflejos del sol en los pendientes. Entonces, ¿para qué el subrayado totalmente innecesario del ralentí que nos muestra el rostro de ella en el plano que cierra la película?.
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Miradas: Yul Brynner, fotógrafo.

2010-10-10T12:08:00.008+02:00

Para mí, Yul Brynner era aquel exótico pistolero calvo, vestido de negro y de pocas palabras, uno de Los siete magníficos, que tanto me impresionó cuando ví la película de niño en una Sesión de tarde de TVE. Entonces no sabía que aquel film se basaba en Los siete samurais de Akira Kurosawa. Pero daba igual, tampoco sabía quien era Kurosawa. Ni que aquella música que quedó para siempre en mi memoria, era obra de Elmer Bernstein y que sería imitada posteriormente en infinidad de westerns. Ni siquiera podía imaginar que Yul no era calvo realmente, sino que se rapaba la cabeza. Ni que su verdadero nombre era Yuli Borisovich y que había nacido en Vladivostok, en la lejana Siberia. Tampoco sabía de su afición por la fotografía. De eso me enteré hace poco. Supe que Yul Brynner se paseaba por los platós con su cámara siempre preparada para captar los momentos cotidianos en el set de rodaje, aprovechándose de su condición de actor. Era un apasionado de la fotografía y tenía buen ojo para los encuadres. Aquí os dejo una muestra:

más fotografías de Yul Brynner aquí

Enamorarse un poco.

2010-10-06T10:27:00.005+02:00

Ficción (Cesc Gay, 2006)

Eduard Fernández: Yo no sé hacer estas cosas. Pero ayer... Me sabe mal ...

Montse Germán: Me iba con un agujero aquí.

Eduard Fernández: Me ha gustado mucho conocerte. Y todos estos días...

Montse Germán: Nos hemos enamorado un poco, ¿no?

Eduard Fernández: Un poco, sí... No he sabido cómo...

Montse Germán: Yo tampoco.

Eduard Fernández: Me hubiera gustado mucho ...

Montse Germán: Y a mí... Pero tú eres así... Y yo ahora estoy haciendo bien las cosas. Está bien enamorarse de alguien de vez en cuando, ¿no?. Sino, ¿qué?

Eduard Fernández: Voy a darte un beso.

Montse Germán: Vale.

La música del azar: Belle & Sebastian, "Like Dylan in the Movies".

2010-10-04T18:47:00.002+02:00

If You're Feeling Sinister (1996) fue el segundo trabajo en la discografía de Belle & Sebastian, un disco redondo, en el que es difícil elegir una canción porque está tocado con la varita de la genialidad. Estos entrañables escoceses cuentan y cantan pequeñas fábulas pop agridulces de tono naif, a lo que contribuye la voz indolente de su líder Stuart Murdoch, compositor de la mayor parte de las canciones.

Son 10 gemas de pop saltarín, melancólico, ideal para tardes de lluvia. Bellas melodías para compartir y tararear. Pop inteligente hecho con sensibilidad, música atemporal.

Mystic River (Clint Eastwood, 2003).

2010-10-01T19:18:00.003+02:00

En su camino hacia la canonización como El Último de los Clásicos, Clint Eastwood nos dejaba en 2003 la que es, en opinion del que escribe, su obra cumbre y una de las mejores películas del cine norteamericano de lo que llevamos de siglo XXI.

Tomando como base la novela de Dennis Lehane, el director de Sin perdón nos ofrece un intenso drama negro impregnado de pesimismo y fatalismo, sobre la violencia, que contamina cual células cancerígenas, una comunidad en los suburbios de Boston junto al río que da título al film.

Tres amigos (Jimmy, Dave y Sean) quedan marcados para siempre por un hecho violento ocurrido cuando comenzaban a adentrarse en la adolescencia: Dave es raptado, en presencia de sus dos amigos, por dos hombres y es violado mientras está recluido unos días hasta que escapa. Ese acontecimiento dejará profundas huellas en la víctima de la agresión, en sus amigos y en la comunidad que ha tenido que organizar su convivencia con el recuerdo de lo innombrable. 25 años después se reencuentran debido a otra tragedia, un acto criminal que actualiza en presente los incidentes pasados.

Mystic River es una tragedia "americana", una historia de inocencia perdida, de amistad rota y de venganza inútil. Una película de naturaleza sombría en la que, como en Sin perdón, la violencia es retratada como algo innato a una sociedad, de una maldita fatalidad que carcome el entramado social. La película lo ejemplifica en esa necesidad de "proteger a los nuestros" por encima de la Ley y por cualquier método, que es aceptada y encubierta por la familia y la comunidad y hasta por los mismos representantes del orden.El director empatiza y comprende a sus tres atormentados y atrapados personajes principales, interpretados de manera soberbia por tres grandes actores: Tim Robbins (Dave), impresionante, transmite la indefensión y el dolor que arrastra su personaje, víctima predestinada, como un muerto en vida (ahí está la cita al Vampiros de John Carpenter); Sean Penn (Jimmy) que encarna al padre de la muchacha asesinada está superlativo en un papel de amplios registros, como el hombre condenado a retomar sus modos de delincuente y convertirse en verdugo y que es visto por su esposa (Laura Linney) como un "rey" en un universo que tiende a repetirse; Kevin Bacon es Sean, el policía que debe resolver el caso en el que sus amigos de infancia están implicados a la vez que debe manejar una crisis de pareja.

En cuanto al estilo,Eastwood adopta un tono grave y sombrío, sin golpes de efecto, que se apoya en los pequeños detalles, en los sentimientos reprimidos, en decisiones terribles expresadas sin añadidos dramáticos. El relato se articula con el habitual clasicismo marca de la casa del cineasta, su gusto para el encuadre y la duración precisa de los planos, siempre puesto al servicio de una narración efectiva y funcional. El director se sirve de la investigación policial para organizar el relato alternando los puntos de vista de los tres protagonistas principales. Pero Mystic River es más una meditación moral que un thriller policial sobre la resolución de un caso. A Clint Eastwood le interesa más la refelexión que la acción.

El film se abre y se cierra con dos símbolos de América. Comienza con una conversación sobre béisbol y finaliza con el desfile del Columbus Day , celebración de los orígenes de la nación americana. Lejos de ofrecer ninguna lección moral, el ambiguo e incómodo final otorga densidad al film y confirma que estamos ante una obra de visión imprescindible para entender el cine y la sociedad del siglo XXI.