El cine que viene. 15 posters de películas a estrenar.

Tokyo Blues / Norwegian Wood (Tran Ahn Hung)

The Grandmasters (Wong Kar-wai)

A Woman, a Gun and a Noodle Shop (Zhang Yimou)

I Wish (Hirokazu Kore-eda)

Win Win (Tom McCarthy)

Tree of Life (Terrence Malick)

Midnigth in Paris (Woody Allen)

The Future (Miranda July)

Restless (Gus Van Sant)

Les Petits Mouchoirs (Guillaume Canet)

Shame (Steve McQueen)

Another Year (Mike Leigh)

Wuthering Heights (Andrea Arnold)

Habemus Papam (Nanni Moretti)

The Impossible (Juan Antonio Bayona)

La bella mentirosa (Jacques Rivette, 1991)

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Adaptación muy libre de la novela La obra maestra desconocida, Jacques Rivette filma en La bella mentirosa el trabajo de un pintor empeñado en capturar la verdad y esencia de sus modelos, y al mismo tiempo, las consecuencias emocionales que dicho proceso creativo provoca en todos aquellos que están relacionados con su gestación. La pintura, y más en general el arte, como medio de conocimiento para llegar a una verdad absoluta, que puede ser destructiva para el sujeto objeto de la misma y que puede tener efectos devastadores en los demás. ¿El arte o la vida?

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La trama se concentra durante 4 días de verano en una vieja casa-castillo del sureste francés. Allí viven Liz (Jane Birkin) y el pintor Frenhofer (Michel Piccoli). Éste ha preferido la vida al arte para salvar su matrimonio con la que fue su antigua modelo. Un día aparecen en la casa una joven pareja, Nicolas (David Bursztein) un prometedor pintor y su novia Marianne (Emmanuelle Béart). De esa visita acaba surgiendo la propuesta de Nicolas, ferviente admirador suyo, al anfitrión, de continuar con Marianne como modelo, un cuadro llamado La bella mentirosa, que abandonó hace años siendo Liz su musa, intentando protegerla y protegerse de esa cruenta verdad que iba a quedar expuesta al terminar la obra. Hay algo de fáustico y también de misógino en este acuerdo. Entregar a la amante al admirado pintor a cambio de poder ver en primer lugar esa presunta obra maestra. Todo esto viene a ser como un prólogo que antecede a lo que vendrá después, el proceso creativo visto como un silencioso combate frente al lienzo entre la actitud depredadora y vampírica del artista y el movimiento huidizo del cuerpo desnudo de la modelo, a la defensiva al principio, resistiéndose a ser poco más que un objeto a exprimir. Mientras la obra va tomando forma, la película discurre con la fluidez de un calmoso río a cuyas aguas van llegando otras subtramas: los celos, el lado posesivo y destructor del arte, la frustración del creador ante la obra que se le resiste, la modelo convertida en "una cosa fría y seca", la relación pintor-modelo. Y siempre de fondo, el gran motivo del film, el dilema que se le presenta al artista entre la imperfección de la vida o la perfección de la obra. Todo esto que podría sonar abstracto y derivar en una película discursiva, lo filma Rivette con la elegancia y transparencia de un maestro. Asistimos a un luminoso documento sobre el oficio y el arte de pintar. Conforme avanza, La bella mentirosa va convirtiéndose en una película eminentemente física. La fotografía y el sonido transmiten la luz solar del Sur de Francia, el calor del estío, la frialdad de las estancias, el chirrido de la pluma sobre el cuaderno de apuntes, la mezcla de colores, la presión de los pinceles sobre el lienzo, el roce del carboncillo sobre el papel, el cuerpo desnudo de la modelo manipulada por el pintor como un objeto inerte. Como espectadores, sentimos de manera intensa y vívida el proceso de creación de una pintura. Rivette mueve la cámara con púdica levedad al filmar los encuentros dos a dos entre los personajes, sin reducir a éstos a meros arquetipos. Al final, Frenhofer termina su bella mentirosa, pero Rivette, coherente con el misterio que ha creado en torno a la obra, no nos la muestra. Sólo Liz y Marianne tendrán acceso a ella. Entre la vida y el arte, el artista elige la vida y entrega al marchante un sucedáneo de la bella mentirosa. A éste solo le interesa el precio del cuadro y el negocio que le supone. En el epílogo en el jardín, con todos los personajes, Rivette filma otra vez encuentros dos a dos con sutiles movimientos de cámara que nos dan a entender que esas relaciones se han transformado y nunca volverán a ser lo que fueron.

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La bella mentirosa se ofrece en dos versiones, una integral de casi 4 horas de duración y otra reducida a las dos horas del cine habitual., pero ambas van dirigidas a aquel espectador/a para el que el cine es algo más que un espectáculo, una forma de conocimiento. Abstenerse aquellos que buscan en la pantalla la rápida diversión y digestión del fast food cinematográfico.

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Miradas: Robert Lebeck.

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Nelly y el Sr. Arnaud (Claude Sautet, 1995).

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Nelly (Emmanuelle Béart) es una parisina de 25 años que simultanea varios trabajos, casada con Jerome (Charles Berling), un parado apático que ocupa su tiempo tirado en la cama viendo televisión. Ella, un día conoce al Sr. Arnaud (Michel Serrault), viejo amigo de su amiga Jacqueline (Claire Nadeau). Hablando en un café, le cuenta sus problemas económicos, e inmediatamente Arnaud se ofrece a prestarle el dinero necesario sin ningún compromiso de devolución. En principio Nelly declina la oferta, pero cuando llega a su casa miente a su marido diciéndole que ha aceptado la ayuda. Esta súbita e incierta decisión la llevará a romper su matrimonio. Y con él, su vida anterior. Nelly acaba aceptando el ofrecimiento de Arnaud y, en agradecimiento se ofrece a transcribir sus memorias.

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Como ocurría en su film anterior, Un corazón en invierno (1991) también protagonizado por Emmanuelle Béart, Claude Sautet da muestras de poseer una gran lucidez para radiografiar la realidad última de unos personajes pillados en un momento de incertidumbre. La película aborda una relación entre una mujer joven y un hombre en el umbral de la vejez, unidos por un sentimiento común de fracaso existencial. Nelly parece fuerte y decidida, pero en el fondo está muy necesitada de los demás. El personaje de Arnaud tiene miedo de sí mismo, de no poder sublimar su amor por Nelly. Sautet nos habla de la dificultad de mantener con plenitud las relaciones sentimentales, sean sentimientos amorosos o de amistad. Resulta difícil encontrar el equilibrio interior. Nelly se siente atrapada entre el cariño que siente aún hacia se ex marido, en la figura del atractivo editor Vincent (Jean-Hugues Anglade) y la envolvente personalidad del juez retirado. Hay una bella secuencia muy significativa. Aquella en la que Nelly y Arnaud cenan en un restaurante de lujo (con más personas de servicio que clientela, por eso es tan caro, ironiza Arnaud). Es un momento importante porque parece que por primera vez los dos bajan sus defensas y se muestran como son. Comen, beben, distendidamente. Hablan y lo pasan bien. Pero ella luego acude a casa de Vincent, el editor, y hacen el amor por primera vez. Mientras, en montaje paralelo, vemos a Arnaud, solo en la cocina de su casa, tomando un vaso de leche sin poder dormir. Es ésta una historia de soledades y también una película sobre la renuncia. Una renuncia fundada en la disparidad de las personas. El sentimiento de ella por él no es el mismo que el de él por ella. Arnaud quiere apoderarse de una imagen que tiene de Nelly, le enamora su belleza inaccesible, pero cuando la tiene delante, se bloquea. Llega un momento en que lo que menos le importa es ver publicado su manuscrito, solo quiere tenerla cerca.. Para ella, Arnaud supone un refugio en un momento de incertidumbre vital. Hay una escena, ya con el film bastante avanzado, sobre la que Sautet parece articular todo el discurso, si es que lo tiene, del film. Es una imágen de una potente carga simbólica en una película que nunca quiere salirse de lo cotidiano. Una gran escena de amor que se reduce al momento en que Arnaud permanece sentado junto a la cama en la que ella duerme, como una presencia casi fantasmal. Ella se gira y le dice que si no puede dormir. Le dice que no se vaya y toma su mano. Significativa es la decisión del ex juez de deshacerse de su valiosa biblioteca, una vez ha aparecido Nelly detrás del ordenador.

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En esta incursión por el terreno de los sentimientos soterrados, de las barreras que dificultan la expresión de las emociones, Claude Sautet opta por la auteridad y la concisión visual. Su estilo es un sin-estilo en apariencia sencillo, sin apenas movimientos de cámara, solo aquellos necesarios para seguir a los actores. Una sobriedad en la puesta en escena que busca la transparencia, pero también la complicidad del espectador. No hay subrayados ni explicaciones. Plano y contraplano en todas sus variantes son la figura predominante, de ahí la necesidad del orden preciso de las escenas para conseguir el ritmo que demanda la película. Los finales de cada escena se apoyan en un plano sostenido durante unos segundos que incita a la reflexión del espectador. Nelly y el Sr. Arnaud puede resultar fría e impenetrable para quien no haga el esfuerzo de pasear su mirada sin prisa por los planos del film. Sus imágenes nos hablan de soledades y desgarros, de incomunicación emocional, pero la película discurre apacible y serena, despojada de todo acento melodramático, de cualquier tentación psicologista y de todo lo ornamental que la distraiga. El resultado, es como Nelly, de glacial belleza y cargado de una atractiva tristeza.

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Sin trabajo, no soy nada.

Arcadia (Constantin Costa-Gavras, 2005)

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• Mediador: Cuando le comunicaron el despido ¿sintió usted rabia, miedo, resentimiento o alivio?
• Bruno Davert: Desde luego, alivio, no. Me gustaba mi trabajo... Y el resto, claro. No enseguida, pero luego, sí.
• M. : ¿Por qué?
• BD : ¿Por qué, qué?
• M.: ¿Por qué rabia, miedo y resentimiento?
• BD.: ¿Qué se supone que debo sentir?
• M: No le pido que sienta nada. Intento averiguar el porqué de su rabia, miedo y amargura.
• B: ¡Les pasa a todos los parados!
• M: ¿A todos? ¿Está seguro?
• BD: No veo qué más puede sentirse.
• M: No cree que habrá quien no se lo tome tan a la tremenda. Y considerarlo una ocasión, como apuntaba su esposa, para enfrentarse a la situación con una actitud positiva.
• BD: Verá Sr. Quinlan, al despedirnos, nos enviaron a un montón de especialistas para que nos ayudaran a afrontar con creatividad y optimismo nuestro problema. Usted empieza a recordarme a ellos.
• M: Porque intento transmitirle el mismo mensaje.
• BD: Su mensaje coincide con el de ellos, ¡memeces!
• M: Me alegra que al final haya accedido a hablar, Sr. Davert, intento hacerle ver que usted va más allá de su trabajo.
• BD: ¡Al arrebatarme mi trabajo, acabaron con mi vida!, ¡Mi vida!, ¡Con el riesgo de arruinar la de mi familia!. ¡Sí, el trabajo no lo es todo!, pero sin trabajo ¿qué soy?, ¿y cómo salgo adelante? Mis colegas y yo éramos... como un clan. Trabajábamos juntos y contábamos los unos con los otros. con el despido, se acabó el clan.

La casa en la sombra (On Dangerous Ground), Nicholas Ray, 1951.

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Al igual que su debut como director, Los amantes de la noche, La casa en la sombra tiene a John Houseman como productor. Un hombre que produjo obras como Cautivos del mal (1952), El loco del pelo rojo (1956) y Dos semanas en otra ciudad (1962), todas de Vincente Minnelli, Carta de una desconocida (1948, Max Ophüls), Julio César (Joseph L. Mankiewicz, 1953) o Los contrabandistas de Moonfleet (Fritz Lang, 1955).

En 1959, Nicholas Ray leyó la novela Mad With Much Heart, de Gerald Butler, y le atrajo de ella, el concepto del policía que patrulla las calles para erradicar la violencia mientras lleva, sin embargo, esa misma violencia dentro de sí mismo. Ray le propuso a Houseman su adaptación al cine, pero éste no compartió su entusiasmo. No obstante, pudo llevarla a buen puerto gracias a su tenacidad y perseverancia por lo que no se puede considerar a On Dangerous Ground como un mero encargo de estudio.

En apenas 80 minutos Ray incumple las espectativas iniciales de estar ante un film noir canónico A él le interesa menos la intriga policial acerca de la resolución del asesinato de una niña que el itinerario moral del personaje protagonista. La casa en la sombra es una película cortada en 2. Dos universos incompatibles y visualmente enfrentados: el mundo urbano, nocturno, dominado por el negro y toda la gama de grises, y el mundo rural, diurno, iluminado por el resplandor claro de la nieve. Jim Wilson (Robert Ryan), el huraño y amargado agente de policía es desterrado de la ciudad por sus métodos violentos y el pueblo al que acude a resolver un caso, será su lugar de redención, donde recobrará la dignidad, en el amor de una mujer ciega. Todo en poco menos de 4 noches, filmado por Ray con la urgencia y el lirismo que le caracterizaban y con una economía narrativa en la que todo es esencial, nada sobra.

La película comienza de manera espléndida. En la secuencia de apertura se nos presenta el ritual cotidiano de los policía preparándose en su casa para iniciar su patrulla nocturna. Con ello se nos introduce el tono que tendrá este segmento urbano, un retrato descarnado de tono documental del trabajo de un policía solitario, violento, que transmite amargura en sus miradas y sus acciones. En la 2ª parte, que acontece en una inhóspita zona montañosa siempre nevada, gana fuerza el melodrama a través de imágenes de un romanticismo desesperado y un sórdido lirismo.

Según Jean Wagner "es probablemente la película más insólita de Nicholas Ray de cuantas dirigió y, al mismo tiempo, una de las más personales, pues ningún otro cineasta podría haberla firmado".

Miradas: Michael Tighe.

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Punch-Drunk Love (Paul Thomas Anderson, 2002).

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¿Cómo continuar una carrera tras 2 películas tan grandes, en todos los aspectos, como Boogie Nights (1997) y Magnolia (1999), dos de las más importantes obras cinematográficas de finales del siglo pasado?. Paul Thomas Anderson se sale por la tangente y estrena en 2002 Punch-Drunk Love, una película a escala más modesta en la que abandona el relato coral y caleidoscópico y se desmarca con una insólita comedia romántica marciana, un híbrido genérico en el que el director norteamericano demuestra que es capaz de arriesgarse y tener la libertad de rodar lo que le da la gana y como le da la gana. En sus imágenes flota una extraña armonía siempre a punto de estallar y romperse en mil pedazos. Tiene la virtud de desconcertar al espectador y sorprenderle con la inventiva que demuestra Anderson en este inteligente juguete cinematográfico que es Punch-Drunk Love.
Desde la primera escena, que marca el tono de la película y nos sacude con su toque extraño y absurdo a lo David Lynch, -el coche que derrapa y da varias vueltas de campana, y el harmonio que aparece en la acera frente a la nave industrial en la que trabaja el protagonista, tras lo cual una mujer aparece y le pide que custodie su coche hasta que abran en el garaje contiguo- el virtuosismo característico de Anderson está presente, con una planificación muy atenta a los espacios, en los que Adam Sandler se mueve como si fuera la proyección de un Jacques Tati trasladado a los últimos momentos del siglo XX.

Punch-Drunk love nos habla de cómo el amor hace fuertes a las personas para poder afrontar sus pequeñas o grandes miserias y así poder integrarse y conectar con el mundo en el que viven. Barry Egan, embutido todo el metraje en su traje azul eléctrico con corbata roja, es un tipo solitario e inhibido. Una persona con una baja autoestima y problemas para comunicarse con los demás que descarga su frustración con repentinos ataques de ira o con un llanto incontrolado. Dos temas, la soledad y el dolor, recurrentes en la filmografía de Paul Thomas Anderson. A ese hombre apocado, agobiado por sus siete hermanas castradoras, que vive una existencia anónima y gris, se le aparece un día en su vida un ángel en forma de mujer, Lena, que sacude con fuerza su rutina y le da energía para reaccionar frente a todas las trampas de las que se siente prisionero: las de su propia familia y las de una intriga mafiosa en la que se ve envuelto como víctima propicia.. Gracias a su relación con ella, Barry comenzará a sentirse digno, a reforzar su identidad frente al mundo (hermosa la escena en la que baila, torpe, en el supermercado como expresión de su felicidad), porque ahora ama inmensamente, y eso le hace fuerte y capaz de vencer a cualquiera.

Barry, un personaje permanentemente al borde del abismo emocional, se sostiene gracias a un Adam Sandler -insoportable actor en tantas malísimas películas- desconocidamente sobrio, que aporta gran cantidad de matices a su papel en una maggnífica actuación en la que nos dice más sobre el personaje con lo físico que con lo verbal. De Lena, interpretado por una dulce y luminosa Emily Watson, apenas sabemos nada, es el contrapunto, la aparición que pondrá patas arriba la rutinaria existencia de Barry.
No pasan desapercibidos en el visionado de Punch-Drunk Love dos aspectos técnicos: la música y la fotografía. La música de Jon Brion es extraña, disonante, estridente a ratos, nada melódica, como expresión distorsionada de las emociones de Barry. La excelente fotografía de Robert Elswitt, utilizando colores saturados, aporta al conjunto un aire de extrañeza que roza con lo fantático y que contribuye a realzar lo que de desconcertante comedia romántica tiene Punch-Drunk Love.

El cine del 2011 (Europa)

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Un blog de Jose Barriga nos ofrece un suculento adelanto del cine europeo más interesante a estrenar en este 2011. En sus páginas leímos esta ...

... Lista de las películas imprescindibles "made in" Europa, de este 2011:

PINA de Wim Wenders.
El memorable director se sube al tren del 3D, con un documental artístico sobre la vida de la

bailarina Pina Bausch ¿Interesante? Ya veremos qué tal le sale.

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THE TURIN HORSE de Béla Tarr.
Tras el problemático rodaje y los turbulentos conflictos de producción, llegara finalmente a las pantallas lo qué parece ser la última película del magnífico Béla Tarr (“El Hombre de Londres”, “Sátántangó”). La película narra el estado de salud de un viejo caballo (el mismo que abrazaba desconsoladamente el filósofo alemán F. Nietzsche al perder su lucidez), un viejo granjero y su hija. De las imprescindibles del 2011, para este servidor.

MELANCHOLIA de Lars Von Trier.
El enigmático y siempre interesante Lars Von Trier, se pasa ahora al drama de ciencia ficción, narrando el desastre psicológico que genera un planeta al orbitar demasiado cerca de la Tierra. Kristen Dunst, Kiefer Sutherland y Charlotte Gainsbourg, lideran el reparto protagónico. Los seguidores de este gran maestro pueden respirar con calma, Von Trier esta de nuevo aquí. De las imprescindibles del 2011, para este servidor.

THE MUST BE THE PLACE de Paolo Sorrentino.
Sorrentino (“Las Consecuencias del Amor”, “Il Divo”) retorna a la escena cinematográfica, retratando la sorpresiva historia de una estrella de rock que se aburre en su retiro y descubre que su padre es un criminal nazi que se refugió en los Estados Unidos y ahora decide ir a buscarle. Sean Penn, Francis McDormad y Toni Servillo protagonizan esta interesante cinta que pinta de imprescindible.

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A DANGEROUS METHOD de David Cronenberg.
Basada en acontecimientos reales, la historia narra la relación entre el joven psiquiatra Carl Jung, su mentor Sigmund Freud y Sabina Spielrein. Al trío se le une Otto Gross, un paciente libertino decidido a traspasar todos los limites. La película es una exploración de la sensualidad, el engaño, la ambición y las diferentes vertientes modernas. Michael Fassbender, Viggo Mortensen, Keira Knightley y Vicent Cassel conforman el reparto. Una de las películas más esperadas por todos y uno de los elencos más sugestivos del año.

LA PIEL QUE HABITO de Pedro Almodóvar.
El gran Almodóvar, retorna tras “Los Abrazos Rotos”, con una seductora historia: Desde qué su mujer murió quemada en un accidente automovilístico, el Dr Ledgard, eminente cirujano plástico, se interesa por la creación de una nueva piel con la que hubiera podido salvarla. Doce años después consigue cultivarla en su laboratorio. Para ello no dudara en traspasar una puerta hasta ahora terminantemente vedada, la transgénesis de seres humanos. Pero este no será el único crimen que cometerá. El director manchego se reencuentra con Antonio Banderas y Marisa Paredes para adaptar una historia libremente inspirada en la novela negra “Tarántula” de Thierry Jonquet. De las imprescindibles del 2011, para este servidor.

TINKER, TAYLOR, SOLDIER SPY de Tomas Alfredson.
Alfredson, responsable de la magistral “Let the right one in / Déjame Entrar”, realiza la adaptación de la novela homónima de 1974 escrita por John Le Carré, conocida como “El Topo”. La historia narra la vida de Smiley, un experto en inteligencia de mediana edad forzado a regresar de su retiro para encontrar a un “topo soviético” dentro del propio M16. Gary Oldman, Ralph Fiennes y Tom Hardy conforman el reparto.

THE CONGRESS de Ari Folman.
Es una libre adaptación de la novela del polaco Stanislaw Lem. Ari Folman (“Waltz with Bashir”) toma a Robin Wright como protagonista interpretándose a si misma para mostrarnos otro universo (una distinta sociedad utópica) en la que la carrera del actriz ha decaído a la vez que su imagen ha sido sampleada y reutilizada por los estudios cinematograficos.

CUMBRES BORRASCOSAS de Andrea Arnold.
Andrea Arnold es de las tres mejores féminas realizadoras de la actualidad. Sus únicas dos películas (“Red Road” y “Fish Tank”) las considero obras magistrales de la cinematografía moderna. Esta vez da un giro de 180 grados en su filmografía, y realiza la nueva adaptación del clásico de Emily Brönte. De las imprescindibles del 2011, para este servidor.

LOVE (AMOUR) de Michael Haneke.
El crudo y austero retrato de la tercera edad. Jean Louise Trintignant y Emmanuelle Riva serán los responsables de interpretar a una pareja que simple y llanamente se niegan a envejecer. Isabelle Huppert será la encargada de interpretar a la hija de ambos. El amor de la pareja será puesto a prueba en el momento que ella sufre una parálisis. Haneke NUNCA decepciona, y tras varias obras maestras en su filmografía, retorna este 2011 con una de las películas mas esperadas del año. De las imprescindibles del 2011, para este servidor.

PHYCOTHERAPY OF PLAINS INDIAN de Arnaud Desplechin.
Desplechin, uno de los mejores exponentes del mejor cine francés contemporáneo y el hijo predilecto de la “nouvelle vague” francesa, retorna con la adaptación de la novela de Georges Devereux, antropólogo “freudiano” de origen húngaro-judío, a quien toda su vida le obsesionó la búsqueda de un nombre, de una identidad, de una nacionalidad.

SHAME de Steve McQueen.
Ubicada en Nueva York, “Shame” será un drama sobre la vida de un treintañero llamado Brandon, con serios problemas para controlar y disfrutar su vida sexual. La promesa británica Steve McQueen (“Hunger”), retorna este 2011, repitiendo nuevamente con Michael Fassbender.

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ELENA de Andrei Zvyagintsev.
Una mujer de avanzada edad debe elegir entre un saludable marido y un hijo alcohólico cuya enfermedad esta conduciendo a la familia directamente a la pobreza. Quienes recuerdan aquella obra maestra llamada “El Regreso”, saben que Zvyagintsev es uno de los mejores realizadores poco concurrentes de la década. De las imprescindibles del 2011, para este servidor.

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ALPIS de Giorgios Lanthimos.
Esta es la historia de una enfermera nocturna de hospital que provee sus peculiares servicios a las familias que han perdido a sus seres queridos. Es parte de un grupo llamado “Alpis”, cuyos miembros ofrecen a cambio de dinero, reemplazar a los muertos en la vida diaria de estas familias. En el 2010 nos dejo atónitos con “Kynodontas/Canino” y este 2011 retorna con una nueva película qué promete nuevamente impresionar y sorprender en cantidades iguales.

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CHICKEN WITH PLUMS de Vicent Parannaud y Marjane Satrapi.
Los “culpables” de “Persepolis”, retornan con la historia de Nasser Ali Khan, un músico de Tar, un laúd iraní que decide dejarse morir después de que su mujer le rompa el instrumento de trabajo en una riña conyugal.

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L’EMPIRE de Bruno Dumont.
Ambientada en los bordes del Canal de la Mancha, en la costa de Apolo, L’empire cuenta la historia de un extraño joven que practica la caza furtiva, reza y enciende fogatas. Cerca de una granja que vive una chica que lo alimenta y lo cuida, asesinando al padre de la muchacha (victima de su violencia), ayudando a una niña atormentada por males extraños, masacrando al guardia, el muchacho expulsa el mal del pueblo y de sus habitantes, que lucha contra el Diablo hasta el día de un milagro. No suele extrañar que las premisas de Dumont sean tan ambiguas, pero lo qué si hay que reconocer, es que estamos ante uno de los pocos realizadores, que verdaderamente valen la pena hoy en día. De las imprescindibles del 2011, para este servidor.

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SET ME FREE (DELIVEREZ MOI) de Jean Pierre y Luc Dardenne.
Los hermanos belgas ponen en marcha su nuevo proyecto, prosiguiendo con su cruda e incesante radiografía social de la Europa marginal. La película narra la historia de Cyrus, de once años, que se escapa del hogar de acogida donde su padre lo dejó, después de haber prometido venir a buscarlo. Llamando en vano la puerta del apartamento donde vivían, el niño, perseguido por el personal del hogar, se refugia en un gabinete médico y se lanza en los brazos de una joven que esta sentada en la sala de espera. De las imprescindibles del 2011, para este servidor.

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LE HAVRE de Aki Kaurismaki.
Basado en un guión original del propio realizador, la película cuenta la historia de un “limpiabotas” que trata de salvar un refugio infantil.

ONCE UPON A TIME IN ANATOLIA de Nuri Bilge Ceylan.
Ceylan (“Los Climas”, “Lejano”, “Tres Monos”) perseguirá su Tarkovskiano drama/thriller con “Once Upon a Time in Anatolia”. Poco se sabe de este proyecto del cual solo se puede adelantar es que la película completa esta localizada en la estepa de Anatolia, y que se trata de la producción mas costosa en la filmografía del cineasta turco. De seguro una obra de arte como sus pasados largometrajes. De las imprescindibles del 2011, para este servidor.

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A IGREJA DO DIABO de Manoel Oliveira.
El legendario director (de casi 102 años de edad), narra la historia de un estudiante que se aloja en la casa de un hombre infiel, una información que incluso su mujer sabe, los problemas no tardaran en aparecer.

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HABEMUS PAPA de Nanni Moretti.
Su estreno fue postergado para el 2011, y por ende el realizador italiano será uno de los directores mas citados el presente año. La película narra la historia de un psicólogo, que va camino del Vaticano, para dar ayuda a un nuevo Papa quien, a los pocos días en su nuevo cargo, esta pensando seriamente en abdicar.

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