martes, 30 de diciembre de 2008

Secretary (Steven Shainberg, 2002)


Lee, recién salida de una institución de salud mental debido a sus tendencias autolesivas, encuentra trabajo como secretaria para un abogado con el que descubrirá los placeres del sadomasoquismo.
Lee es Maggie Gyllenhaal y James Spader es el abogado en Secretary, ácida y cinica variante de la guerra de sexos, una vuelta de tuerca al socorrido esquema de la comedia romántica: chica encuentra chico - chica pierde chico - chica recupera chico. En el fondo, una hermosa y nada convencional historia de amor entre dos solitarios que se sienten complementarios.
No se trata, como pudiera dar pie una lectura literal del cartel, de un relato sobre la fantasía masculina de sumisión de la mujer, al fin y al cabo, el guión viene firmado por una de ellas, Erin Cressida Wilson, que le da el tono irónico necesario a este retrato despiadado (y a veces divertido) de las relaciones de pareja.
Maggie Gyllenhaal está estupenda en su papel de secretaria que descubre el placer en el dolor. James Spader, tan soso como siempre, vuelve a sentirse cómodo en uno de esos personajes con una concepción un tanto bizarra del sexo. Recordemos su voyeur impotente de Sexo, mentiras y cintas de vídeo o el obseso de los accidentes de tráfico de Crash.

Tópicos del cine.

Leido en ... "Mortadelo y su guía para la vida del joven de hoy en día"
Autor: Francisco Ibáñez. Ediciones B, 2005
  1. Todo meteorito que se acerque a la Tierra impactará obligatoriamente en algún lugar de EE.UU.
  2. En toda persecución callejera en una película americana, los coches impactarán a su paso contra cajas y contenedores de basura obligatoriamente.
  3. En toda película americana los coches pegan escandalosos frenazos y derrapan aunque vayan a 10 por hora.
  4. El protagonista de la película siempre se enamora de la tía que está más buena.
  5. Todo coche que cae por un barranco ha de explotar.
  6. Siempre que un caballo aparece en una película (aunque sea durante sólo 2 segundos) relincha ruidosamente.
  7. Toda película checoslovaca es un tostón.
  8. En toda película americana todo amo le dice cariñosamente a su perro, "buen chico".
  9. Todo personaje que cae de lo alto de un rascacielos lo hace a cámara lenta.
  10. En todas las películas de terror, cuando el malo persigue a la parejita de turno, ella tropieza siempre.
  11. En las películas americanas, en las conversaciones telefónicas, nuca dicen "hola" ni "adiós".
  12. En todas las películas del espacio las naves hacen ruido al acelerar o explotar, lo cual es imposible porque en el espacio no se propaga el sonido.
  13. En EE.EE. nunca cierran con llave ni el coche ni la casa.
  14. Tom Cruise nunca se despeina.
  15. En toda película que aparezca Brad Pitt, al salir del cine las mujeres dirán que ha sido buenísima.
  16. En toda película que aparezca Jennifer López, al salir del cine los hombres dirán que ha sido malísima.
  17. En toda película americana si los protagonistas van en coche, siempre encuentran aparcamiento facilmente.
  18. Todo cristal transportado por dos hombres será partido irremisiblemente por alguien que participa en una persecución callejera.
  19. En América cuando uno enchufa el televisor para ver si dan determinada noticia, ésta aparece inmediatamenteen pantalla. Luego apagan el televisor.
  20. En un 99'9% de las películas españolas alguna chica se tiene que desnudar.

lunes, 29 de diciembre de 2008

La serena belleza de Jennifer Connelly.
















En 1984 Sergio Leone estrenaba la utima de sus películas, Erase una vez en América. En una de sus primeras escenas una adolescente baila en un almacén. Un chico, escondido, la espía. Ella lo sabe. Ella es Jennifer Connelly e iniciaba aquí una larga e irregular trayectoria cinematográfica. Fue icono adolescente a finales de los 80. Su belleza virginal causó furor en Labios ardientes a principio de los 90, una década en la que rodó toda una serie de films irrelevantes. El nuevo siglo la ve renacer con mejores papeles en mejores películas, gana un Oscar con la mediocre Una mente maravillosa, y pasea su espléndida madurez por Hulk, Casa de arena y niebla, Diamante de sangre o Juegos secretos.




Hay algo de inocencia primigenia en su perfecto rostro ovalado, en su serena mirada nostálgica, un equilibrio mágico que los años han sabido mejorar, como las mejores mujeres. Hay Jennifer Connelly para mucho tiempo.

viernes, 26 de diciembre de 2008

My Blueberry Nights (Wong Kar-Wai, 2007)



Wong Kar-Wai rueda su primer film en los USA y su universo sigue estando ahí. No varía en cuanto a la forma y el contenido. Esta ahí su característico look visual, está esa forma tan maravillosa de utilizar las canciones. El cine es un lenguaje universal y poco importa donde se ruede o en qué idioma, la época o la nacionalidad de los actores, cuando detrás de la cámara hay un cineasta con talento y personalidad, con algo interesante que contar mediante una puesta en escena característica, original y única.

My Blueberry Nights nos habla de las distancias físicas y afectivas que separan a los seres humanos, de la precaria deriva sentimental en la que vivimos, de como nos aferramos, de manera muchas veces inconsciente, a los sentimientos vividos. En una película con muchas palabras esos sentimientos pueden llegar a a expresarse mejor con el gesto, con el silencio o con la mirada. En este relato de corazones rotos y encuentros, de neones y garitos nocturnos, de casinos y bares de carretera, Wong Kar-Wai extiende su paleta de recursos cinematográficos para decirnos algo sobre la fragilidad de los afectos, las heridas del corazón que todas las personas intentamos cicatrizar buscando siempre algo o a alguien, o a veces quedándonos con meros sucedáneos del amor.

El director de Hong-Kong filma a sus personajes de manera esquinada, casi siempre con objetos entre ellos y una cámara inquieta y sensual en su permanente movimiento -p. e. Jeremy y Elizabeth vistos a través de las cristaleras de la cafetería-. Los planos se estrechan sobre los rostros intentando capturar el gesto que delate aquello que no se dice. La imagen ralentizada, marca de la casa, se acompaña de canciones -mucho blues y soul-. Mientras el director buscaba localizaciones por EE.UU. sonaba mucho en su coche el disco de Cat Power "The Greatest", cuyas canciones dice, le ayudaron a concretar la forma de filmar las secuencias en New York. La cantante aporta una preciosa canción que se escucha dos veces en la película, y un pequeño pero intenso papel, el de Katya, un personaje que mantuvo una relación con el de Jude Law, propietario de la cafetería.



La estructura circular del film tiene al personaje de Elizabeth (dulce Norah Jones) como eje vertebrador del relato, quien tras una ruptura amorosa se encuentra con Jeremy (Jude Law, otro corazón partío) en su cafetería, y le hace su confidente. Surge así entre ellos una relación muy especial. Luego este personaje desaparece, pero está presente a través de las cartas que le escribe Elizabeth. Ella llega hasta Memphis para trabajar y allí los papeles se invierten, ahora ella es la camarera y la que observa y trata de acercarse emocionalmente a Arnie (extraordinario David Strathairn) abandonado por su esposa Sue Lynne (Rachel Weisz cuya entrada en el bar de copas está filmada con la misma fuerza y magnetismo que las apariciones por los pasillos de Maggie Cheung en In the Mood for Love). **En esta historia me vino a la mente Paris, Texas, otro relato de derivas afectivas filmada en EE.UU por un cineasta extranjero, el alemán Wim Wenders. Puede que a ello contribuyera el que el dueño del local se llamara Travis, como el personaje de Harry Dean Stanton en la película de Wenders**. Estas dos primeras historias transcurren en Nueva York y en Memphis pero a Wong Kar-Wai no le interesa mostrar los socorridos planos turísticos de calles o lugares. Aquí el paisaje urbano se relega a un absoluto fuera de campo. En el trayecto a Las Vegas sí aparecen los planos de carreteras solitarias, peladas montañas y cielos azules que tantas veces hemos visto en el cine.
La tercera historia con el personaje de Norah Jones trabajando en un casino arranca con la partida de cartas del personaje de Natalie Portman, filmada de manera algo tópica, para abrirse más adelante con el viaje en coche de las dos mujeres -una pequeña road movie- rompiendo así el hasta entonces tono nocturno y cerrado de los escenarios en interiores.
La película empieza en la cafetería de Jeremy en New York y es allí donde termina regresando el relato y con él, el periplo de Elizabeth, para cerrar sobre sí misma estas Blueberry Nights y ofrecer a sus personajes un asidero al que agarrarse una vez cicatrizada la herida.

miércoles, 24 de diciembre de 2008

Val Lewton, un productor "autor".


En la época del sistema de estudios de Hollywood, el productor podía ser también considerado "autor", y de haber sido analizada una política de autores desde el punto de vista del productor, Val Lewton sería un caso paradigmático, aún situandose en los márgenes de la serie B.

Vladimir Ivan Leventon había nacido en Yalta (Rusia) en 1904. Tras divorciarse de su padre y emigrar a América, su madre cambió el apellido por el de Lewton. Durante dos años estudió periodismo en la Universidad de Columbia y luego se ganó la vida escribiendo artículos en periódicos, relatos breves, poesía. De ahí a publicar sus propias novelas sólo hubo un paso.

David O. Selznick se fijó en él y le ofreció el trabajo de adaptar la novela de Gogol "Taras Bulba" . El proyecto no cuajó, pero Lewton tuvo buena sintonía con Selznick, quien lo contrató como editor de historias, puesto en el que estuvo entre 1934 y 1942. En este último año entró a trabajar en la RKO dirigiendo su unidad de producción de películas de terror bajo la supervisión de Charles Koerner, el jefe de producción de los estudios. Fue idea de Koerner el que el tema de la primera película de Lewton fuese el miedo a los felinos, para lo que ya había elegido un título, La mujer pantera (Cat People). El productor colaboró estrechamente con el director Jacques Tourneur quien se ciñó al escaso presupuesto y aceptó las sugerencias de Lewton, marcando las bases de una poética de la sugerencia en la que la utilización de la puesta en escena, la luz y el sonido, eran vitales para llegar al terror. Sugerir antes que mostrar sería su lema. La mujer pantera se estrenó en 1942 después de 4 semanas de rodaje. Costó 134000 dólares y recaudó más de cuatro millones.

Las otras dos producciones del tándem Lewton-Tourneur se ajustaron a ese mismo modelo, rodajes de menos de un mes, presupuestos no superiores a 150000 dólares y enorme rentabilidad. Yo anduve con un zombie (I walked with a zombie, 1943) partía de un relato que el estudio había adquirido principalmente porque el título les pareció atractivo y comercial. Se trata de una historia de vudú, muertos vivientes, y amores imposibles, un cuento gótico en las Antillas de estilo sosegado y pictórico, poseedor de unaperturbadora poética.



El hombre leopardo (The Leopard Man, 1943) partía de una adaptación de la novela de Cornel Woolrich "Black Alibi" cuya historia poco tenía que ver con el tipo de terror que le interesaba a Val Lewton. Un leopardo escapa de un zoo y provoca varias muertes, pero el verdadero asesino es un hombre.

Del departamento de montaje de la RKO salieron dos directores que continuaron dando excelente rendimiento a la unidad de producción de Val Lewton: Mark Robson, ya familiarizado con su sistema de trabajo, pues había sido el montador de las tres películasde Tourneur, y Robert Wise, que coincidió en la mesa de montaje con Mark Robson en "Ciudadano Kane" y "El cuarto mandamiento". La séptima víctima (The Seven Victim, 1943) dirigida por Mark Robson es la película más personal de Lewton, una historia terrorífica sobre cultos satánicos en el Nueva York contemporáneo cuyo protagonista es un poeta del Greenwich Village de orígenes literarios similares a los del propio Lewton. En La maldición de la mujer pantera (The curse of the Cat People, 1944) de Robert Wise, Val Lewton se implicó a fondo, y partía con la ventaja del éxito de su antecesora, pero una lectura psicoanalítica impuesta por el propio productor diluía el potencial misterioso de la historia. Ni el público ni el estudio supieron apreciar este trabajo. Lewton acudió a una adaptación literaria en su siguiente proyecto, El ladrón de cuerpos (The Body Snatchers, 1945) con la dirección de Robert Wise, según el relato de Robert Louis Stevenson, en la que incluso escribió el guión bajo seudónimo (Carlos Keith). Protagonizada por dos iconos del género, Boris Karloff y Bela Lugosi, es una muestra prototípica del modo de hacer de Val Lewton, con su característico look visual, esa atmósfera opresiva fruto de la contrastada fotografía en blanco y negro (Robert De Grasse) y a los decorados de Albert D'Agostino y Walter E. Keller.

La isla de los muertos (Isle of the Dead, 1945) -dirigida por Mark Robson- acontece en 1912 durante las guerras balcánicas en el escenario de una isla en la que varios personajes quedan bloqueados al extenderse un brote de peste. La película -inspirada por el cuadro Isle of the Dead de Arnols Böcklin- adopta unas tonalidades fúnebres, de inquietantes claroscuros y atmósfera claustrofóbica, tenebrista, aunque se echa en falta un toque más personal, presente en los films de Lewton con Tourneur.

Como la anterior Bedlam (Mark Robson, 1946) está protagonizada por Boris Karloff, aquí como el sádico director de un manicomio en el Londres de 1761. La última de las películas de terror de Lewton para la RKO es un film claustrofóbico y a la vez muy pictòrico, ya que la historia se inspira en el cusdro del mismo título de William Hogarth y en los cambios entre secuencias aparecen planos de varios cuadros y grabados de la época.

Al finalizar la 2ª Guerra Mundial el tipo de cine que representaba Val Lewton ya no era del agrado del público. La gente prefería westerns o musicales de temáticas más ligeras y alegres. Además apareció la tendencia a rodar fuera e estudi, en escenarios naturales, buscando mayor realismo.. A la muerte de Charles Koerner, Val Lewton dejó la RKO para fichar por Paramount donde produjo My Own True Love (Compton Bennett, 1949) que pasó sin pena ni gloria. Luego firmó con la MGM con la que trabajó en Please, Believe me (Norman Taurog, 1950) insulsa comedia al servicio de Deborah Kerr que supuso un fracaso en taquilla. Para la Universal produjo en Technicolor el western Apache Drums (Hugo Fregonese). Era 1951 y ese año fue el de su muerte, después de haber sufrido dos infartos. Tenía sólo 46 años.


lunes, 22 de diciembre de 2008

"Las reglas de oro para una comedia de éxito" según Preston Sturges.

Una chica bonita es mejor que una fea.

Una pierna, mejor que un brazo.

Un dormitorio, mejor que una sala de estar.

Una llegada, mejor que una partida.

Un nacimiento, mejor que una muerte.

Una persecución, mejor que una charla.

Un perro, mejor que un paisaje.

Un gatito, mejor que un perro.

Un bebé, mejor que un gatito.

Un beso, mejor que un bebé.

Y una buena caida, mejor que ninguna otra cosa.

viernes, 19 de diciembre de 2008

Titulos en español de películas que mejoran el título original (o no).

La fiera de mi niña / Bringing Up Baby
(Howard Hawks,1938)
Caballero sin espada / Mr. Smith Goes to Washington
(Frank Capra, 1939)
El último refugio / High Sierra
(Raoul Walsh, 1941)
Un marido rico / The Palm Beach Story
(Preston Sturges, 1942)
Pasión de los fuertes / My Darling Clementine
(John Ford, 1946)
El crepúsculo de los dioses / Sunset Boulevard
(Billy Wilder, 1950)
Cautivos del mal / The Bad and the Beautiful
(Vincente Minnelli, 1952)
Sólo ante el peligro / High Noon
(Fred Zinneman, 1952)
Centauros del desierto / The Searchers
(John Ford, 1956)
Con la muerte en los talones / North by Northwest
(Alfred Hitchcock, 1958)
Sed de mal / Touch of Evil
(Orson Welles, 1958)
Con faldas y a lo loco / Some Like it Hot
(Billy Wilder, 1959)
El fotógrafo del pánico / Peeping Tom
(Michael Powell, 1960)
El terror de las chicas / The Ladies Man
(Jerry Lewis, 1961)
La leyenda del indomable / Cool Hand Luke
(Stuart Rosenberg, 1967)
La semilla del diablo / Rosemary's baby
(Roman Polanski, 1968)

lunes, 15 de diciembre de 2008

Herida (Louis Malle,1992)




Uno de los más sugestivos y ascéticos retratos de una pasión amorosa destructiva, a contracorriente, donde Louis Malle deja fuera cualquier atisbo de sentimentalismo, rechazando el morbo, y ahondando en los personajes y sus emociones, sacando petróleo de dos actores inconmensurables, Juliette Binoche y Jeremy Irons en estado de gracia.


El argumento viene a ser más o menos, clásico: una mujer, Anna Barton (Juliette Binoche) -enigmática, provocadora de pasiones arrebatadoras y dependencias enfermizas- que entra en un mundo cerrado y ordenado, sentimentalmente aséptico, el de la familia del político inglés Stephen (Jeremy Irons), y lo trastorna con su sola presencia, provocando pasiones, odios y finalmente, muerte.



Anna es la nueva novia de Martyn (Rupert Graves), el hijo de Stephen. El primer encuentro entre la mujer y el padre de su novio es una secuencia magnífica y marca el devenir del relato. En una recepción Anna se presenta a Stephen. Las miradas hablan, no necesitan palabras, parecen dos animales que han encontrado a su presa.


En el segundo encuentro, ya en la casa familiar, Anna estrecha la mano de Stephen como si no le conociera y el cruce de miradas revela una relación que va a ir más allá de la seducción o el romanticismo. Los encuentros sexuales, casi sin palabras, son como combates entre animales heridos, filmados sin ningún tipo de morbo, como si los amantes sufrieran en el engaño, preñados de una fatalidad que endurece su pasión. Herida produce durante su visionado esa sensación de malestar interno, de desasosiego, que supera y aniquila a sus protagonistas -recordemos esa secuencia en el hotel de París en la que Stephen se retuerce de dolor y angustia al ver a su hijo y a Anna en otra habitación tras la ventana-.


La planificación de Malle es funcional y austera, supeditada siempre al trabajo de los actores, y éstos estan todos sobresalientes, quizás con la escepción de Martyn (impersonal Rupert Graves). Además de la labor de Jeremy Irons -de porte elegante y mirada esquiva, delatando su tormento interior, intentando siempre guardar las formas- y de Juliette Binoche -un plano de su rostro transmite todo ese enigma, esa especie de ángel de la fatalidad que ella representa-, hay que añadir una excelente Miranda Richardson como la esposa de Stephen -gran secuencia la del enfrentamiento final con el marido- y Leslie Caron como la madre de Anna.

Anna Barton expresa la clave de su personalidad al revelar el trauma que supuso la muerte de su hermano: "La gente herida es peligrosa, porque sabe que puede sobrevivir", y esa frase es también aplicable a Stephen. Él estaba "muerto" antes de conocer a Anna. Una vida perfecta, un matrimonio perfecto, una carrera perfecta unos hijos perfectos ... una vida sin pasión, sin lucha, así es él, frío, metódico, cortés, ordenado. La relación con Anna le provoca esa herida, y el final de la película es la vuelta a la vida de un superviviente.


martes, 9 de diciembre de 2008

21ª edición Premios de Cine Europeo.






Película Europea

—El Orfanato de Juan Antonio Bayona. España.
Gomorra de Matteo Garrone. Italia.
—Happy. Un cuento sobre la felicidad (Happy-Go-Lucky) de Mike Leigh. Reino Unido.
—Il Divo de Paolo Sorrentino. Italia.
—La clase (Entre les Murs) de Laurent Cantent. Francia.
—Vals con Bashir (Waltz with Bashir) de Ari Folman. Israel, Francia y Alemania.




Director Europeo

—Andreas Dresen por El séptimo cielo (Wolke 9).
—Ari Folman por Vals con Bashir (Waltz with Bashir).
—Laurent Cantet por La clase (Entre les Murs).
Matteo Garrone por Gomorra.
—Paolo Sorrentino por Il Divo.
—Steve McQueen por Hunger.


Actriz Europea


Kristin Scott Thomas en Hace mucho que te quiero (Il y a longtemps que je táime)
—Arta Dobroshi en Le silence de Lorna (Lorna´s Silence).
—Belén Rueda en El Orfanato.
—Hiam Abbass en Los Limoneros (Etz Limon). √ Kristin Scott Thomas en Hace mucho que te quiero (Il y a longtemps que je táime).
—Sally Hawkins en Happy. Un cuento sobre la felicidad (Happy-Go-Lucky).
—Ursula Werner en El séptimo cielo (Wolke 9).


Actor Europeo

—Elmar Wepper en Kirschblüten-Hanami (Cherry Blossoms).
—James McAvoy en Expiación. Más allá de la pasión (Atonement).
—Jürgen Vogel en La Ola (Die Welle).
—Michael Fassbender en Hunger.
—Thure Lindhardt y Mads Mikkelsen en Flame and Citron (Flammen & Citronen).
Toni Servillo en Gomorra e Il Divo.


Guión Europeo

—Ari Folman por Vals con Bashir (Waltz with Bashir).
Maurizio Braucci, Ugo Chiti, Gianni di Gregorio, Matteo Garrone, Massimo Gaudioso y Roberto Saviano por Gomorra.
—Paolo Sorrentino por Il Divo.
—Suha Arraf y Eran Riklis por Los Limoneros (Etz Limon).


Premio Carlo Di Palma Director de Fotografía

—Luca Bigazzi por Il Divo.
Marco Onorato por Gomorra.
—Óscar Faura por El Orfanato.
—Sergey Trofimov y Rogier Stoffers por Mongol.


Compositor Europeo

—Dario Marianelli por Expiación. Más allá de la pasión (Atonement).
—Fernando Velázquez por El Orfanato.
Max Richter por Vals con Bashir (Waltz with Bashir).
—Tuur Florizoone por Aanrijding in Moscou.


Descubrimiento Europeo 2008

Hunger de Steve McQueen (Reino Unido).
—Snijeg (Snow) de Aida Begić (Bosnia y Herzegovina, Alemania, Francia e Irán).
—Tatil Kitabi (Summer Book) de Seyfi Teoman (Turquía).
—Tulpan de Sergey Dvortsevoy (Alemania, Suiza, Kazajistán, Rusia y Polonia).


Premio a la Excelencia EFA

—Marton Agh por la producción y diseño en Delta.
Magdalena Biedrzycka por el diseño de vestuario en Katyn. —Laurence Briaud por el montaje en Un cuento de Navidad (Un conte de Noel).
—Petter Fladeby por el sonido de O´Horten.


Premio Crítica de Cine FIPRESCI

Abdellatif Kechiche por La Graime et le Mulet (The Secret of the Grain).


Premio Arte Documental

René de Helena Trestikova. República Checa.


Premio UIP Cortometraje

Frankie de Darren Thornton. Irlanda.

Prix Eurimages

Vibeke Windeløv, productora escandinava y Bettina Brokemper, productora alemana.


Contribución Europea al Cine Mundial

Søren Kragh-Jacobsen, Kristian Levring, Lars von Trier, and Thomas Vinterberg.

Premio a toda una carrera

Judi Dench.

Premio del Público a la Mejor Película Europea

Harry Potter y la Orden del Fénix de David Yates.

On connaît la chanson. Actrices que cantan.

1 - Jeanne Moreau. En Jules et Jim (Truffaut, 1962) interpreta la canción "Le tourbillon". Al año siguiente publica su primer disco "Jeanne Moreau" compuesto por Cyrus Bassiak, autor de la citada canción. Su periplo musical consta de 5 LP's. Destaca "Les chansons de Clarisse" (1968) según un relato de Louis Aragon. Su último disco, "Jeanne Moreau chante Norgue" (1981) sobre textos de un amigo poeta, data de 1981.


2 - Brigitte Bardot. Fue una de las primeras actrices que estuvo bajo el paraguas musical de Serge Gainsbourg. En 1967 grabaron el single "Bonnie & Clyde" que obtuvo un gran éxito. Le siguieron una versión más lúbrica del "Je t'aime ... moi non plus", "Harley Davidson", "Comic Strip" ... Entre 1962 y 1982 grabó 5 LP's de pop y 20 singles.



3 - Jane Birkin. En el rodaje de Slogan (Pierre Grimblat, 1969) se enamora de Serge Gainsbourg, con el que mantendrá una relación sentimental y profesional de 12 años. Gainsbourg adaptó sus canciones al particular timbre de voz de Birkin, frágil e infantil. La pareja edita 2 singles en 1969 que supondrán un enorme éxito: "Je t'aime ... moi non plus" y "69, anée érotique", 2 gemas de pop libidinoso. Birkin y Gainsbourg publican en 1971 "Histoire de Melodie Nelson", su mejor disco y una de las grandes obras del pop francés. Otros buenos discos son "Ex fan des sixties" (1978) y "Baby alone in Babylon" (1983). Ultimamente ha vuelto a la palestra musical con buenas grabaciones como "Arabesque" (2002) en el que adapta canciones de Gainsbourg a ritmos e instrumentos árabes, o "Fictions" (2006) con versiones de Neil Young, Tom Waits, Dominique A, Kate Bush entre otros.


4 - Catherine Deneuve. Otra actriz que sucumbió a los encantos musicales de Gainsbourg. quien le escribió todas las canciones de "Souviens-toi de m'oublier". Su mejor canción, el tema a dúo para la película Je vous aime (Claude Berri, 1980) titulado "Dieu fumeur de havanes".



5 - Isabelle Huppert. En 2001 y junto a Jean-Louis Murat grabó el disco "Madame Deshoulières" donde mezclaba pop con música renacentista, y además de cantar, recitaba ispirándose en la obra de Antoinette Deshoulières poetisa franco-belga del Siglo XVII.


6 - Isabelle Adjani. En 1983 grabó su único disco coescrito y producido por ... ¡cómo no! Serge Gainsbourg que pone fondo musical a la voz acariciante y sutil de la Adjani. El single "Pull marine" fue un gran éxito de ventas.




7 - Jeanne Balibar. En 2003 publica "Paramour", su debut como cantante, un disco personal y variado, entre lo melancólico y lo eléctrico, que incluye "Hélas", canción a duo con la también actriz Maggie Cheung. A finales de 2006 se edita su segundo disco "Slalom dame" en el que Dominique A compone varias de las canciones. Tiene en proyecto un tercer disco, posiblemente para el 2009.



8 - Julie Delpy. Tiene un sólo disco publicado "Julie Delpy" pop-rock cantado en inglés con canciones escritas por la propia actriz y que presentó con buena acogida crítica en el Primavera Sound 2004. Tres canciones de este disco, "A waltz for a night", "An ocean apart" y "Je t'aime tant" se incluyeron en la banda sonora de la película Antes del atardecer protagonizada por ella misma y Ethan Hawke.



9 - Agnes Jaoui. Representa la escepción a la regla. Alejada de la chanson y del pop su disco "Canta" (2007) contiene boleros, fados, milonga, bossa nova y bulerías, en castellano y en portugués, entre lo naif y lo correcto, a ratos agradable, a ratos emotivo.



10 - Chiara Mastroianni. Hija de Marcello y de Catherine Deneuve. Casada con el niño mimado del pop-chanson francés Benjamin Biolay, puso voces en algunos temas de su disco "Negatif" (2003). A dúo con él grabaron el disco "Home" en el que destaca el diálogo al estilo Birkin-Gainsbourg del tema titulado "Folle de toi".



11 - Charlotte Gainsgourg. Hija de Jane Birkin y de Serge Gainsbourg. En 1983 en el disco de su padre "Love on the beat" canta a dúo con él la canción Lemon incest. En el videoclip correspondiente Charlotte de 13 años canta en una cama junto a Serge (!!!). Prosigue en 1986 en plena adolescencia , sacando el disco "Charlotte for ever"donde continua con su linea provocadora. En el 2006 lanza su segundo disco titulado "5:55" en el que colaboran Air, Jarvis Cocker y Neil Hannon entre otros. Es un disco cantado en inglés mayoritariamente, y en el que piano y guitarra acústica marcan la pauta.



12 - Sandrine Kiberlain. Desde hace años escribe letras para canciones, algunas incluso las han cantado artistas como Johnny Hallyday. Un día envió sus textos a Alain Souchon y éste le animó a cantarlos ella misma. Así en 2005 salió su primer disco "Manquait plus qu'ça", cuyas letras son como fragmentos de un diario, pequeños cortometrajes de tres minutos. En octubre de 2007 se edita su segundo disco "Coupés bien net et bien carré" también con letras propias y de nuevo con Alain Souchon y Camille Bazbaz a las músicas.

miércoles, 3 de diciembre de 2008

Dirigido por ... JEAN VIGO.



¿Un artista? ¿Un revolucionario? Todo eso, y por encima de todo, un cineasta. En sus cortos 30 años de vida (1905-1934) sólo tuvo tiempo para rodar dos mediometrajes, un corto y el largometraje L'Atalante, realizado en 1934 el mismo año de su muerte. En total su obra no llega a los 200 minutos. Con pocos medios y muchas ganas esta exigua filmografía basta para dar testimonio de su creatividad, de su originalidad y de su irreductible independencia. Su vida no fue fácil, ello influyó en su cine, vitalista y apasionado, como si tuviera prisa por aprovechar los pocos años de vida que el destino le deparó.

Su padre Miguel Almereyda (de nombre real Eugéne-Bonaventure de Vigo), nieto de españoles, marcó su vida desde su infancia.. Era un importante militante anarquista, a la vez que periodista, que fue encarcelado acusado de actuar como espía alemán. Murió estrangulado en la celda en enero de 1917 aunque la versión oficial habló de un suicidio. Jean Vigo tenía entonces 12 años de edad. A partir de entonces fue acogido por su abuela paterna en Montpellier. Pero no duró mucho, y fue inscrito en un internado para menores. De ahí a otro, y a otro, y de su actitud rebelde y sus recuerdos surgiría más adelante Zèro en conduite. En esta época aparecen sus primeros problemas de salud. Enferma de tuberculosis y pasa largas estancias en sanatorios. En el de Font-Romeu conoce y se enamora apasionadamente de Elisabeth Lozinska, apodada Lydou, hija de un industrial judío polaco y también aquejada de una enfermedad crónica. Se casa con ella en 1929 en Niza, donde debuta en el cine con el mediometraje A propos de Nice.
En 1932 conoce al productor Jacques-Louis Nounez, apasionado de las vanguardias artísticas, y con su apoyo consigue 200.000 francos para financiar Zèro en conduite una película muy crítica con las instituciones de enseñanza y claramente inspirada en sus experiencias vitales. Es recibida con malas críticas y con poco éxito de público. Pero lo peor está por venir. El mismo mes de su estreno la censura retira el filme por considerar que atenta contra las instituciones escolares francesas y la película no vuelve a la circulación hasta 1945. Pero esto no desanima a Jean Vigo.
Con tales antecedentes su situación como cineasta es delicada y Jacques-Louis Nounez tuvo que hacer grandes esfuerzos para convencer a la Gaumont para que participase en la producción de L'Atalante, película acerca del clásico tema del encuentro-separación-reconciliación de una pareja, pero que bajo la batuta de Vigo transforma esta historia trivial en un relato que aúna pasión, realismo, magia, poesía. Pero Jean Vigo es un adelantado a su tiempo y la suerte le es esquiva. Las primeras presentaciones de la película ante distribuidores y exhibidores provocan el rechazo radical de éstos, que exigen a Nounez cortes y cambios como la inclusión de una canción de moda, "La chaland qui passe", que en 1934, año de su estreno, fue el título que sustituyó al de L'Atalante. A pesar de ello , y de ser mutilada en una tercera parte de su metraje y quedar en unos exiguos 65 minutos, la película es un estrepitoso fracaso. Meses depués Jean Vigo muere a consecuencia de una septicemia de origen reumático. Era el 5 de octubre de 1934.

"El futuro es de los independientes. Ya que las grandes compañías, cuyo equilibrio financiero se encuentra gravemente amenazado por la crisis actual, no osan arriesgarse en ningún proyecto que no sea del género estrictamente comercial. La producción en participación tiene, al contrario, la vía libre. Un comanditario aporta el dinero líquido. Un estudio suministra el material. Una gran compañia se encarga de la difusión en las pantallas de la película ya realizada."

(Jean Vigo, 1933)

Filmografía:

A propos de Nice (1929) Por consejo de los médicos Jean Vigo se va a vivir a Niza, ciudad de veraneo de la burguesía francesa. Allí, con el dinero que le presta el padre de Lydou, su esposa, y con la ayuda del cámara Boris Kaufman (hermano de Dziga Vertov, uno de los padres del documental) filmó este retrato crítico de una burguesía ociosa en la ciudad de moda. Influenciado por la corriente surrealista y por las teorías de Vertov, Vigo se posiciona frente a la objetividad pretendida del documental y defiende lo que él denomina "punto de vista documentado" en el que el autor toma postura ante lo que filma, el montaje dialéctico se convierte en herramienta primordial del cineasta.

Taris, champion de natation (1931) Encargo de documental sobre el campeón de natacion Jean Taris que acaba siendo un cortometraje de 9 minutos. Es una especie de lección de natación en la que el director se recrea en el cuerpo del nadador y la perfección de los movimientos, con la ralentización de la imagen. También utiliza el montaje al revés para explicar la mecánica correcta para lanzarse a la piscina y dar las brazadas. Hay sobreimpresiones de Taris vestido de traje y con bañador que nos hacen pensar en Jean Cocteau y planos acuáticos que luego perfeccionará L'Atalante.

Zéro de conduite (1933) Claramente inspirada en sus recuerdos juveniles este mediometraje sobre la revuelta de unos escolares en un férreo internado captura la inocencia de sus pequeños no-actores con emoción y ternura y lo hace otra vez con la utilización del montaje. Es inolvidable la secuencia de la batalla de almohadas en la habitación , donde el ralentí capta el momento poético de las plumas de los cojines volando alrededor de unos niños tomados en un momento único, como un instante de libertad fuera del tiempo y lugar. Ese momento, ese instante que Truffaut buscó afanosamente en su también truncada carrera (Los 400 golpes, El pequeño salvaje, La piel dura)

L'Atalante (1934) Obra maestra absoluta y único largometraje de Jean Vigo, logra en todo momento transmitirnos el placer que siente al filmar esta historia de pareja que hoy sigue siendo ante nuestros ojos del siglo XXI de una absoluta modernidad, estos dos recién casados a bordo de una barcaza por los canales fluviales de Francia. Dota Vigo a estos amantes de una vitalidad sin ataduras ni prejuicios. Se palpa el amor, la ternura, la amistad, estamos ante una muestra clara de auténtico cine poético, cine popular obra de un director libre que hizo de la vida cine y del cine vida.

"Jean Vigo supo captar la realidad y transformarla en magia, filmando en prosa alcanzó sin esfuerzo la poesía"

(François Truffaut)

martes, 2 de diciembre de 2008

14 buenas bandas sonoras de no profesionales de las bandas sonoras.

Miles Davis Ascensor para el cadalso (Louis Malle, 1957)
Paul Simon El graduado (Mike Nichols, 1967)
Gato Barbieri El último tango en parís (Bernardo Bertolucci, 1972)
Tom Waits Corazonada (Francis Ford Coppola, 1982)
Ry Cooder París, Texas (Wim Wenders, 1984)
Peter Gabriel La última tentación de Cristo (Martin Scorsese, 1988)
John Lurie Mystery Train (Jim Jarmusch,1989)
Michael Nyman El piano (Jane Campion, 1993)
k.d. lang Even Cowboys get the Blues (Gus Van Sant, 1994)
Neil Young Dead Man (Jim Jarmusch, 1995)
Madredeus Lisboa Story (Wim Wenders, 1995)
RZA Ghost Dog (Jim Jarmusch, 1999)
Björk Bailar en la oscuridad (Lars Von Trier, 2000)
Yann Tiersen Amelie (Jean-Pierre Jeunet, 2001)

jueves, 27 de noviembre de 2008

Los profesionales (Richard Brooks, 1966)


Jack Palance: Supongo que sabes que uno de los dos va a morir. Es posible que los dos. Morir por dinero es una estupidez.
Burt Lancaster: Y morir por una mujer aún lo es más. Sea la que sea, incluso ella.
Jack Palance: ¿Cuanto tiempo vas a retenernos?
Burt Lancaster: Un par de horas. Y lo que pase aquí ya no importará. Ella volverá a ser la señora Grant.
Jack Palance: Pero eso no cambiará nada. Ella es mi mujer. Antes, ahora y siempre.
Burt Lancaster: Nada es para siempre, escepto la muerte. Pregúntale a Fierro, a Francisco, a los del cementerio de los hombres sin nombre.
Jack Palance: Todos murieron por un ideal.
Burt Lancaster: ¿La Revolución? Cuando se acaba el tiroteo y se entierra a los muertos, llegan los políticos y se convierte en una causa perdida.
Jack Palance: Así que ... tú quieres la perfección o nada. Eres demasiado romántico, compadre. La Revolución es como una bella historia de amor. Al principio ella es una diosa, una causa pura. Pero todos los amores tienen un terrible enemigo.
Burt Lancaster: El tiempo.
Jack Palance: Nosotros la vemos tal como es. La Revolución no es una diosa sino una mujerzuela. Nunca ha sido para mí santa ni perfecta. Por eso huimos, y encontramos otro amor, otra causa. Asuntos rápidos y sórdidos. Lujuria, pero no amor. Pasión pero sin compasión. Y sin amor ... sin una causa , no somos nada. Nos quedamos porque tenemos fé. Nos marchamos porque nos desengañamos. Volvemos porque nos sentimos perdidos. Morimos porque es inevitable.

martes, 25 de noviembre de 2008

Rosario Dawson.


Rosario Dawson es una neoyorkina muy particular. Su belleza a contracorriente delata sus orígenes, irlandés-amerindio por parte de padre, cubana-puertorriqueña por parte de madre. Y es que en las mezclas está el mejor sabor.
Sus inicios en el cine tienen que ver con las diosas del azar. Larry Clark se cruzó con su mirada en la calle y le dió un pequeño papel en Kids (1995). Tenía Rosario entonces 16 años. Esta primera experiencia le motivó a prepararse para ser actriz y se matriculó en la prestigiosa Lee Strasberg Institute. Desde entonces hasta hoy ha alternado el cine más comercial con películas de corte independiente.
En 2007 fundó su propia productora llamada Trybe, cuya primera película fue el thriller Descent.
























Filmografía seleccionada:
1995 Kids (Larry Clark)
1998 He hot game (Spike Lee)
2001 Chelsea Walls (Ethan Hawke)
2002 Hombres de negro II (Barry Sonnenfeld)
2002 La última noche (Spike Lee)
2002 Las aceras de Nueva York (Edward Burns)
2004 Alejandro Magno (Oliver Stone)
2005 Sin City (Robert Rodriguez)
2006 Clerks II (Kevin Smith)
2007 Memorias de Queens (Dito Montiel)
2007 Death Proof (Quentin Tarantino)

jueves, 20 de noviembre de 2008

In the Mood for Love. Deseando amar (Wong Kar-Wai, 2000)


Película sencilla y artificiosa, arrebatadora, deslumbrante, tremendamente cool, fascinante, melancólica, glamourosa, elegante, efímera y permanente, clásica y atemporal, estilizada, romántica, primorosa, susurrante, sensual, barroca y evanescente, ... en la que Wong Kar-Wai alcanza la cima de su talento y consigue una auténtica lección de estilo y escritura cinematográfica, de planificación y puesta en escena y, en fin, de una mirada propia para contar una historia con todos los elementos a su alcance. Un film que se expresa de manera apenas susurrada, pero en cuyo interior bulle una pasión que confirma a su realizador como un lúcido cronista, lírico y romántico, del desamor y la incomunicación en el ir y venir cotidiano del universo urbano.

Chow (Tony Leung) trabaja en un periódico. Su Lizhen (Maggie Cheung) está empleada en una oficina. Ambos están casados y ocupan apartamentos contiguos en una estrecha pensión del Hong-Kong de 1962. Al principio se tratan con cordial frialdad, pero cuando descubren que sus respectivas parejas son amantes, se inicia entre ellos una tímida complicidad que desemboca en deseo. Deseo que traduce Kar-Wai no a través de las palabras de los personajes, sino mediante lo puramente visual - ralentís que subrayan miradas, roces, gestos, insertos de objetos que cobran sentido- y de la música - las canciones de Nat King Cole perfectamente integradas y las variantes del precioso tema principal compuesto por Shigeru Umebayashi, "Yumaji's Theme",- que alcanza el status de tercer personaje, como si arropara al hombre y a la mujer en su ir y venir entre estrechos pasillos y calles lluviosas.

Deseo meláncolico que intentan reprimir Chow y Su Lizhen porque ceder a su impulso significaría "ser como ellos", los otros, los adúlteros, los esposos, personajes que bien poco le importan al director, que los mantiene siempre fuera de campo. Le interesa la perspectiva de los engañados, sus angustias y sus vacilaciones, su intento de afrontar con forzada naturalidad la situación. Una atracción amorosa vivida por Chow y Su como un peso perturbador sobre sus conciencias, que es sublimado entre paseos y encuentros en habitaciones por una pareja que teme ser adúltera y que es víctima de las contradicciones de su propio deseo.


Deseando amar aparece esplendorosa ante nuestros ojos como un puzzle en el que faltan piezas y que nos pide en cada momento que dibujemos esas piezas invisibles. El asombroso trabajo de puesta en escena de Wong Kar-Wai, y de Christopher Doyle - su fiel director de fotografía - forma parte indisoluble de la propia historia narrada. Los encuadres y reencuadres confinan a los personajes en un espacio vital angosto del que parecen prisioneros, entre marcos de puertas, cortinas y espejos que los reflejan o difuminan sus contornos. El uso de la slow motion nos revela gestos de cortesía que duran más de lo habitual, miradas huidizas, manos que se rozan como por azar, y la utilización repetitiva de la música nos introduce en un pequeño universo de rutinas del que es difícil escapar.


Wong Kar-Wai elude a propósito la escena crucial -¿hay o no relación sexual?- , aunque realmente se rodó la escena, que finalmente, con buen criterio, fue eliminada del montaje final. Con la elegancia de la elipsis, el plano de unas zapatillas rosas bajo una cama queda en nuestra retina para que a partir de ahí seamos copartícipes de la película y utilicemos el músculo más erógeno, la imaginación. Y el arte de Wong Kar-Wai revela que la maestría no está en la exhibición ostentosa sino en la sutilidad de lo que se elude al ojo que mira.

Deseando amar, es también, un film-manifiesto de amor hacia dos actores, Tony Leung y Maggie Cheung, habituales en el cine del director hongkonés, que llenan la pantalla del significado de esa imprecisa palabra inglesa tan mal utilizada ... COOL.

domingo, 16 de noviembre de 2008

Las 30 mejores películas del cine negro clásico.

1931 El enemigo público (William A. Wellman)
1932 Scarface, el terror del hampa (Howard Hawks)
1939 The Roaring Twenties (Raoul Walsh)
1941 El último refugio (Raoul Walsh)
1941 El halcón maltés (John Huston)
1944 Perdición (Billy Wilder)
1944 La mujer del cuadro (Fritz Lang)
1944 Laura (Otto Preminger)
1945 Detour (Edgar G. Ulmer)
1946 El sueño eterno (Howard Hawks)
1946 Agente especial (Joseph H. Lewis)
1946 Forajidos (Robert Siodmak)
1946 Gilda (Charles Vidor)
1946 El cartero siempre llama dos veces (Tay Garnett)
1946 El extraño amor de Martha Ivers (Lewis Milestone)
1947 Retorno al pasado (Jacques Tourneur)
1947 El beso de la muerte (Henry Hatthaway)
1947 La senda tenebrosa (Delmer Daves)
1948 La ciudad desnuda (Jules Dassin)
1948 La dama de Shangai (Orson Welles)
1949 Al rojo vivo (Raoul Walsh)
1949 El abrazo de la muerte (Robert Siodmak)
1949 El demonio de las armas (Joseph H. Lewis)
1950 La jungla del asfalto (John Huston)
1952 Cara de ángel (Otto Preminger)
1953 Manos peligrosas (Sam Fuller)
1953 Los sobornados (Fritz Lang)
1956 Atraco Perfecto (Stanley Kubrick)
1958 Chicago años 30 (Nicholas Ray)
1958 Sed de mal (Orson Welles)

viernes, 14 de noviembre de 2008

Anouk Aimée.

Una auténtica dama, cuyo estilo, belleza y distinción la hacen pertenecer a ese Olimpo de las actrices que están por encima de las buenas o malas películas. Su media sonrisa melancólica, su porte aristocrático, su mirada de rasgados ojos negros, siempre le otorgaron un aire de sofisticación no igualado en el cine francés. A pesar de tener un aspecto exótico muy peculiar, casi felino, ha interpretado todo tipo de papeles en una extensa carrera cinematográfica de 55 años.
















Filmografía seleccionada:
1958 Los amantes de Montparnasse (Jacques Becker)
1958 La tête contre le murs (George Franju)
1959 Rojo atardecer (Anatole Litvak)
1960 La dolce vita (Federico Fellini)
1961 Lola (Jacques Demy)
1961 Juicio universal (Vittorio de Sica)
1962 Sodoma y Gomorra (Robert Aldrich)
1963 Fellini 8/2 (Federico Fellini)
1966 Un hombre y una mujer (Claude Lelouch)
1968 Una noche, un tren (André Delvaux)
1969 Justine (George Cukor)
1981 La tragedia de un hombre ridículo (Bernardo Bertolucci)
1984 Success is the best revenge (Jerzy Skolimowski)
1993 Las marmotas (Elie Chouraqui)
1994 Pret-á-porter (Robert Altman)
1995 Las cien y una noches (Agnés Varda)

domingo, 9 de noviembre de 2008

Julie Christie, espíritu libre.






































Filmografía seleccionada:

1963 Billy el embustero (John Schlesinger)
1965 Darling (John Schlesinger)
1965 Doctor Zhivago (David Lean)
1966 Fahrenheit 451 (François Truffaut)
1967 Lejos del mundanal ruido (John Schlesinger)
1968 Petulia (Richard Lester)
1971 El mensajero (Joseph Losey)
1971 Los vividores (Robert Altman)
1973 Amenaza en la sombra (Nicholas Roeg)
1975 Shampoo (Hal Ashby)
1978 El cielo puede esperar (Warren Beatty)
1982 Oriente y Occidente (James Ivory)
1996 Hamlet (Kenneth Branagh)
1997 Afterglow (Alan Rudolph)
2002 Harry Potter y el prisionero de Azkaban (Alfonso Cuarón)
2004 Descubriendo nunca jamás (Marc Forster)
2005 Troya (Wolfgang Petersen)
2007 La vida secreta de las palabras (Isabel Coixet)
2007 Lejos de ella (Sarah Polley)